Auch wenn die COVID-19-Pandemie zeitweise für geschlossene Veranstaltungsorte gesorgt hat, hat es das Virus nicht geschafft, Musiker davon abzuhalten, Musik zu machen. Während man uns anwies, zu Hause zu bleiben, hat in der digitalen Domäne eine Explosion an Kreativität stattgefunden, wobei die Künstler eine Reihe Hilfsmittel eingesetzt haben, die es ihnen erlaubten, mit den Fans in Verbindung zu stehen, neue Musik auf Distanz zu machen und mit anderen Musikern zusammenzuarbeiten, die sie sonst wohl nie kennengelernt hätten. Einige Musiker engagierten sich dafür, die Live-Musik am Leben zu halten, indem Sie Live-Stream-Auftritte veranstalteten, die von aufwendigen, professionell gefilmten Produktionen bis hin zu spontanen Schlafzimmer-Jamsessions reichen konnten. Andere konzentrierten sich auf die Musik selbst, indem sie neues musikalisches Territorium eroberten und Songs schrieben, die oft die schwierigen Zeiten widerspiegelten. Und dann gab es auch Musiker, welche die Pandemie als eine Zeit der inneren Reflexion empfanden, eine Gelegenheit, ihr Leben unter die Lupe zu nehmen und ihre persönliche und musikalische Identität zu verstärken.
Dort, wo das öffentliche Leben wieder langsam zu einer gewissen Normalität zurückkehrt und endlich wieder Live-Musik-Konzerte stattfinden, können die Musiker nun weiterhin ihrer musikalischen Berufung nachgehen. Aber für alle, die jetzt wieder anfangen, Konzerte zu veranstalten, ist es klar, dass sich die Zeiten geändert haben: Die Welt der Musik fühlt sich irgendwie anders an, was auch für das Auftreten und Komponieren gilt. Und während Musiker Bühnen finden und die Fans die Sitzreihen füllen, haben viele von ihnen neue Vorstellungen davon, was ein gutes Konzert, einen guten Song oder eine enge Verbindung mit dem Publikum ausmacht. Hinzu kommt eine neue Wertschätzung für die Arbeit der Musiker und eine neue Dankbarkeit für jene Orte innerhalb unserer Kultur, an denen Musik als Kraft der Gemeinschaft begrüßt wird.
Digital trifft auf real
Während es offensichtlich ist, dass die Pandemie konventionelle Veranstaltungsorte für lange Zeit zum Stillstand zwang, ist doch eine der am längsten anhaltenden Auswirkungen der Pandemie die Tatsache, dass bisher fast unbekannte Wege für die Veranstaltung von Konzerten ins Rampenlicht kamen. Für unseren Artikel zum Livestreaming-Boom in der letzten Ausgabe von Wood&Steel haben uns Musiker erzählt, wie sie anhand digitaler Werkzeuge neue Kraft geschöpft haben, weil sie damit die Verbindung zum Publikum wiederherstellen konnten, trotz physischem Abstand und den Einschränkungen des öffentlichen Lebens. Livestreaming hat es den Musikern erleichtert, weiterhin auftreten zu können, auch wenn sie dafür lediglich vor der Kamera ihres iPhones auf ihrer Akustik-Gitarre spielen, während ihre Fans auf digitale Weise anhand von Emojis und bunten Herzen darauf reagieren. Diese Entwicklung hat sich in den meisten Fällen positiv auf alle Arten von Musikern ausgewirkt, wobei jene, die auf Social Media bereits gut etabliert waren, einen noch größeren Vorteil hatten, indem ihre Fans im Internet nach ihrer Musik suchten.
Das war aber früher nicht immer so. Große Konzerttourneen und etablierte Musiker hatten bisher stets das Sagen über das an Musik interessierte Publikum, auch wenn Werkzeuge wie YouTube, SoundCloud und BandCamp bei Musikern immer beliebter wurden, die noch dabei waren, ihren Platz in der Branche zu erkämpfen. Bevor die Pandemie zuschlug, vermittelten Künstler, die im „echten Leben“ Karriere gemacht hatten, den Eindruck von Authentizität und Qualität, womit „Internetkünstler“ einfach nicht mithalten konnten. Die Werkzeuge, welche eigentlich die Welt der Musik demokratisieren sollten, hatten bisher junge, kreative und vielseitige Musiker in gewisser Weise in „Schubladen“ verstaut, wobei es sich um Online-Arenen handelte, die nur von einer kleinen Anzahl treuer Fans besucht wurden. Die Leidenschaft war zwar da, aber die Reichweite an neue Fans war unzureichend.
Die Pandemie hat das alles verändert. Jetzt wo sowohl bekannte Musiker als auch aufstrebende Talente nicht mehr auf die Bühne durften und auf das Internet ausweichen mussten, galt für die Musik der digitalen Domäne zum ersten Mal, dass sich alle praktisch auf der gleichen Ebene befanden. Das Ergebnis aus Sicht des Publikums war eine Fülle von Bands, Songwritern und Solo-Musikern, vielen von denen in der Mainstream-Musik praktisch kein Platz gewährt wurde.
Wir sehen uns im Wohnzimmer
Von den vielen Künstlern, die von den Umständen der Pandemie profitieren konnten, haben die Pop-Punk-Aufsteiger Meet Me @ the Altar sich einen besonders interessanten Weg gebahnt. Das Trio, bestehend aus Téa Campbell (Gitarre, Bass, 224ce-K DLX), Ada Juarez (Schlagzeug) und Edith Johnson (Leadsängerin), macht seit 2017 Musik, aber vielleicht nicht auf die Art und Weise, wie man es sich vorstellen würde. Die drei Musiker haben bis jetzt ihre Songs aus der Ferne geschrieben und produziert, indem sie Ideen, Liedtexte und instrumentale Parts über das Internet hin und her geschickt haben, bis sie das fertige Endprodukt erreicht hatten. Ganz plötzlich wurde ihre Art, Musik zu produzieren, zur Normalität, und während Musiker sich überall an diesen isolierten Produktionsstil anpassen mussten, konnte die Band Meet Me @ the Altar feststellen, dass sie einen enormen Vorsprung hatte.
„Seit fünf Jahren waren wir eine Band, die sich nur über das Internet traf“, erklärt Ada. „Ich lebte in Florida, Edith in Atlanta und Téa lebte in New Jersey, wir hatten daher noch nie zusammen im selben Raum geprobt.“
Obwohl sie während der Pandemie zu dritt ein Haus bezogen haben, sagen die Bandmitglieder von Meet Me @ the Altar, dass sich die Art und Weise, wie sie ihre Songs schreiben, durch ihre Nähe zueinander kaum geändert hat.
„Auch wenn wir jetzt im gleichen Haus wohnen“, sagt Ada, „hat diese Art, Songs zu schreiben, vorher gut funktioniert, also warum sollten wir das ändern? Wir komponieren also immer noch getrennt in unseren Zimmern, um dann gemeinsam zu proben. Die Liedtexte schreiben wir jetzt gemeinsam im selben Raum, aber ansonsten hat sich da nichts verändert.“
Ada, Edith und Téa von Meet Me @ the Altar erzählen, wie sie während der Pandemie Musik gemacht haben und akustische Versionen ihrer Songs gespielt haben.
Der „Internetband“-Effekt wirkte sich aber nicht nur auf das Schreiben von Musik aus. Dank ihrer umfangreichen Erfahrung in der digitalen Domäne und ihrer Nähe zu den Fans über das Internet, konnte die Band gerade zu Zeiten der Pandemie einen drastischen Anstieg ihrer Popularität erreichen. Das Trio hatte es geplant, im Jahr 2020 und 2021 die ersten Tourneen zu starten; stattdessen mussten sie zu Hause bleiben, wo das Komponieren neuer Songs praktisch der einzige kreative Ausweg war. Das Entfernen der traditionellen Elemente der Musikbranche führte in gewisser Weise dazu, dass Musiker sich wieder verstärkt auf die Essenz ihrer Kunst konzentrierten. Für diese Band stellte die Pandemie einen Schnellkochtopf dar, der es ihnen ermöglichte, in kurzer Zeit sowohl ihre Fertigkeiten als auch ihr Selbstvertrauen zu stärken.
„Die Quarantäne hat vieles für uns verändert“, erinnert sich Téa. „Ohne die Quarantäne hätten wir wohl kaum Zeit gehabt, eine Pause zu einzulegen und über die Richtung nachzudenken, in die wir als Band gehen möchten und wie wir uns entwickeln können.“
Anstatt der Tourneen haben sich die Mitglieder von Meet Me @ the Altar nun verstärkt auf das Schreiben neuer Songs konzentriert. Anstelle des Livestreamings, das für so viele andere Musiker während der Isolation die Priorität darstellte, setzten sie darauf, Songs zu schreiben. Mit Ausnahme einer gestreamten Show in Zusammenarbeit mit den Restaurants Wendy’s, richteten die Mitglieder von Meet Me @ the Altar ihre Aufmerksamkeit auf sich selbst, ihre scharfe Stimme, und die Entwicklung ihrer Identität als Musiker.
„Je mehr du komponierst, desto besser fühlst du dich“, meint Edith. „Die Quarantäne war eine Art Glück im Unglück. Sie half uns dabei, mehr Zeit miteinander verbringen zu können, und durch das Schreiben neuer Songs haben wir viel gelernt. Alles was wir jetzt komponieren, ist besser als das, was wir vorher geschaffen haben.“
Die Arbeit hat sich gelohnt. Die Band erzählt, dass ihre Beliebtheit während der Pandemie in die Höhe schoss, von 3.000 Fans auf mehr als 50.000 Fans auf Social Media. Auch wenn es sich etwas seltsam anfühlte, dieses Wachstum nicht in Form von entsprechend größeren Zuschauerzahlen bei Auftritten wahrnehmen zu können, konnten sie aufgrund ihrer Verbindungen zu den Fans über das Internet sich eine bessere Vorstellung davon machen, wo ihr Platz in der Pop-Kultur im Allgemeinen ist. Sie sind der Meinung, dass ihr Wachstum teilweise auf die sich verändernde Gesellschaft und modernere Einstellung der Menschen zurückzuführen ist, die eine stärkere Einbeziehung von Musikerinnen und nichtweißen Künstlern verlangen. Als Trio nichtweißer Frauen hat sich die Band Meet Me @ the Altar zum richtigen Zeitpunkt etabliert.
„Während der Quarantäne ist viel passiert: gesellschaftliche Fragen, die Bewegung Black Lives Matter, George Floyds Tod“, sagt Edith. „Weil die Menschen aber praktisch kaum etwas unternehmen konnten, hatten sie viel Zeit, sich Gedanken über die Welt zu machen. Die Leute haben ihre Horizonte erweitert, sich für nichtweiße Kunst und Traditionen interessiert. Es war da nicht schwer, auf uns zu stoßen, und weil ihnen unsere Musik gefallen hat, sind sie zu Fans geworden.“
Indem sie das Gegenteil davon unternommen haben, das die meisten anderen während der Pandemie als Priorität ansahen, hat Meet Me @ the Altar die ideale Gelegenheit gefunden, auf ihren Erfolg aufzubauen und ihre explosionsartig gestiegene Popularität mit verbessertem Songwriting und einer strafferen Identität als Band zu festigen. Aber nicht alle Musiker unserer Zeit fühlen sich im digitalen Ökosystem zu Hause. Für alle, die jahrzehntelang einen traditionellen Ansatz verfolgt haben, stellte die Pandemie eine andere Herausforderung dar: wie kann man sich an diese Umstände anpassen, ohne dabei seine eigene Identität aufzugeben?
Musik wird zu einer Gemeinschaft
Geschlossene Veranstaltungsorte und gecancelte Auftritte waren die offensichtlichsten Anzeichen von Problemen innerhalb der Musikbranche während der Pandemie, aber eine andere Herausforderung hatte einen stilleren, aber nicht weniger schwerwiegenden Effekt: die mentale Gesundheit. Isolation, bisher unvorstellbarer wirtschaftlicher Druck und andauernde gesellschaftliche Veränderungen haben viele Menschen in den letzten 18 Monaten stark zu schaffen gemacht, einschließlich Künstlern, deren primäre Quelle emotionaler, sozialer und kreativer Entspannung – ganz zu schweigen von finanzieller Stabilität – ohne Vorwarnung auf dramatische Weise abgeschnitten wurde. Für den langjährigen Solo-Songwriter und ehemaligen Mitbegründer von At the Drive-In, Jim Ward, gegenwärtig Gitarrist bei der Band Sparta, ging es für Musiker während der Pandemie um weitaus mehr als das Erhalten ihres Image und das Unterhalten der Fans über das Internet: Es ging regelrecht um das Überleben.
Ward (Builder’s Edition 517, GT Urban Ash) ist tief verwurzelt in seiner Heimatstadt El Paso, in Texas. Er hat eine enge Verbindung mit der Stadt, ihrer Musikszene und sogar der Gastronomie: Ward besitzt ein Restaurant in El Paso, das während der Pandemie schließen musste. Als ein Mensch, der sich stets zur Gemeinschaft hingezogen fühlt, empfand Ward die Ereignisse am Anfang der Pandemie als verheerend, was auch für andere Menschen in seinem Bekanntenkreis gilt.
„Wir mussten sofort Leute entlassen“, erklärt Ward, „was emotional und mental hart zu verkraften ist. Meine Band, Sparta, hat im April [2020] ein neues Album herausgebracht, das praktisch kaum jemanden erreichte. Wir mussten Tourneen absagen und Crew-Mitglieder beurlauben wir alle anderen auch.“
Ohne die natürliche Entspannung, die kreative Arbeit bietet, erzählt Ward, habe er in den Anfängen der Pandemie richtig gelitten.
„Ein Lockdown hat drastische Auswirkungen auf die Menschen“, sagt Ward, „insbesondere wenn man sich gerne in Gesellschaft aufhält. Es war gar nicht so einfach, nicht auszurasten.“
Der Gitarrist und Songwriter Jim Ward teilt mit uns seine Gedanken darüber, wie man die Pandemie überstehen kann und wie er es geschafft hat, einen klaren Kopf während der Isolation zu bewahren.
Ward war es klar, dass er weiter Musik machen musste, trotz der Einschränkungen im öffentlichen Leben, um einen klaren Kopf zu bewahren. Er konzentrierte sich daher auf das Songwriting und lenkte sich selbst mit einer Reihe neuer Songs ab, die schließlich zu seinem neuesten Solo-Album führten, Daggers. Das Komponieren und Aufnehmen der Songs dieses Albums sei für ihn eine Art Therapie gewesen, erzählt er, die ihm nicht nur dabei geholfen habe, seine geistige Gesundheit zu bewahren, sondern auch seine kreativen Fähigkeiten auszudehnen.
„Ich habe ganz klar viel dazu gelernt, was meine Fertigkeiten als Toningenieur betrifft, weil ich das Album selbst aufnehmen und mixen musste, was ich sonst anderen Leuten überlassen hätte“, sagt er. „Wenn du plötzlich nicht mehr auf die Hilfsmittel zugreifen kannst, die deine Arbeit erleichtern sollen, bist du gezwungen, Neues zu lernen. Für mich hatte dies ganz klar zur Folge, dass ich meine DIY-Gesinnung erneuert habe.“
Aber man kann sich ja nicht einzig auf sich selbst verlassen. Das Erlernen neuer musikalischer Fertigkeiten ist zwar positiv, aber kein Ersatz für menschlichen Kontakt und geselliges Zusammensein, insbesondere für jemanden, der so stark an der Gemeinde beteiligt ist, wie Jim Ward. Ohne die Möglichkeit, Fans auf Konzerten treffen und begrüßen zu können, blieb Ward nur noch das Internet für die Kommunikation mit Fans, wobei es sich oft um Fans handelte, die er sonst wohl kaum kennengelernt hätte. Aber der Austausch über Instagram mit Fans aus so entfernten Winkeln wie Australien und Moskau, stellte erst den Anfang dar. Es dauerte nicht lang, bis der Wunsch, etwas geselliges Beisammensein zu erhalten, Ward dazu bewegte, eine neue Tradition zu starten: Friday Beers, eine Reihe von live und ohne Vorbereitung auf Instagram übertragenen Gesprächen von Ward und einem anderen Musiker als Gast. Zu den Musikern, mit denen sich Ward bis jetzt in Friday Beers unterhalten hat, zählen Rhett Miller, Nina Diaz, Patrick Carney von den Black Keys und Josh Homme von den Queens of the Stone Age.
Dabei handelt es sich nicht um die üblichen Interviews mit Musikern, wo es meist um neue Alben, geplante Auftritte und der Suche nach Inspiration geht; es sind vielmehr tiefgründige und nachdenkliche Gespräche, bei denen Ward und seine Gäste ihrem Publikum ihre ganz persönlichen Seiten auf eine Weise zugänglich machen, die in den wenigen Minuten unmöglich wären, die Musiker bei Auftritten ihren Fans widmen können. Ward sagt, diese Gespräche seien sehr wichtig gewesen, nicht nur, weil sie es ihm erleichtert haben, die Isolation zu überstehen, sondern weil sie auch dem Publikum geholfen haben.
„Josh Homme ist für mich wie ein älterer Bruder und wir hatten dieses tiefgründige, richtig persönliche Gespräch vor all diesen Zuhörern“, erinnert sich Ward, „und da habe ich eine Menge richtig netter Nachrichten von den Leuten erhalten, mit Worten wie «so sollte eine Freundschaft unter Männern aussehen». In Wahrheit machen viele von uns Musik, weil wir versuchen, Wege zu finden, uns besser zu fühlen. Und wenn man anfängt, solche Gespräche zu führen, können die Zuhörer zu sich selbst sagen: «Wenn der sich so fühlt, dann ist es OK, dass ich mich auch so fühle.»“
Ward ist der Ansicht, dass diese Art von Verhalten, das bei der Pandemie entstand, auch nach der Rückkehr zu einer ungefähren Normalität weiterhin nützlich sei. In einer Welt, die viel zu sehr daran gewöhnt ist, dass junge Künstler völlig außer Kontrolle geraten, ist es etwas Besonderes, wenn man Umstände schafft, die zu Ehrlichkeit und Authentizität anregen. Darüber kann Ward aus eigener Erfahrung sprechen.
„Ich bin vollkommen davon überzeugt, dass ich in den Anfängen meiner Laufbahn davon profitiert hätte, wenn mir jemand gesagt hätte: «Es ist völlig normal, wenn du dich jetzt gerade nicht gut fühlst»“, meint er. „Anstatt dass man dir einfach eine Flasche Wodka gibt. Wir könnten uns auf diese Weise besser um unsere Nachwuchskünstler kümmern.“
Fragen und Antworten: Oritsé
Der britische Pop-Star erweitert seine Horizonte, indem er die Isolation ausnutzte, um Gitarre spielen zu lernen.
Mehr als nur ein richtiger Weg, um Musik zu machen
Die heutige Musiklandschaft befindet sich in ständiger Veränderung, die gleichermaßen auf sich verändernde gesellschaftliche Einstellungen, die zunehmende Bereitstellung von Musik außerhalb des Einflussbereichs der traditionellen Plattenlabel, sowie die spürbaren Folgen einer globalen Gesundheitskrise zurückzuführen sind. Sowohl erfahrene Profimusiker als auch aufstrebende Künstler kommen zum Schluss, dass man derzeit zum Aufbau oder zum Erhalten einer Karriere als Musiker bereit sein muss, den Fokus nach innen zu richten: auf die Kunst selbst, mit dem Ziel, tief in bisher unerforschte kreative Territorien vorzudringen. Auch wenn die modernen digitalen Hilfsmittel die Verbindung zum Publikum und den einzelnen Fans stark erleichtern, können sie nicht die harte Arbeit ersetzen, die darin besteht, Ideen in Musik zu verwandeln, eine Nachricht zu übermitteln, die sowohl die eigene Identität widerspiegelt als auch ausreichend universell ausgerichtet ist, um Zuhörer auf der ganzen Welt zu inspirieren. Was die Musik und die Musiker unserer Zeit betrifft, ist eines glücklicherweise offensichtlich und wurde angesichts der Pandemie nur umso deutlicher: Der Antrieb, Neues zu schaffen, besteht weiter, unabhängig der Umstände.
