Es ist allgemein bekannt, dass 2020 ein Jahr voller dramatischer Herausforderungen war, insbesondere für die Musikbranche. Die Musikbranche zeigte sich besonders anfällig für eine Krise, in der öffentliche Plätze geschlossen wurden und es Menschen nur gestattet war, ihr Zuhause für unentbehrliche Bedürfnisse zu verlassen. Musiker aller Art teilten dieses branchenweite Leid, indem Auftritte gecancelt, Tourneen verschoben und Festivals abgesagt wurden. Rund um die Welt schlossen Veranstaltungsorte ihre Türen, manche davon leider für immer, weil sie nicht imstande waren, den durch die Pandemie verursachten wirtschaftlichen Ausfall zu verkraften. Der unaufmerksame Betrachter bekam den Eindruck, dass die Musik einfach… zum Stillstand kam.
In der digitalen Domäne erlebte die Musik allerdings einen Aufschwung. Musiker setzten ihr Schaffen in Schlafzimmern, Wohnzimmern, Kellern und engen Apartments fort, wo sie fern von den Bühnen Musik machten und dabei neue Wege fanden, diese mit der Welt zu teilen. Auch wenn Plattenlabels und Radiosender zögerten, neue Künstler zu fördern oder deren Musik in die Playlists aufzunehmen, haben viele Musiker weiter komponiert, Alben aufgenommen und für ihre Fans gespielt. Der Ausdruck „Pandemie-Album“ wurde in der Musikkritik geläufig, was eine Art musikalische Zeitkapsel versprach, die sicherlich noch jahrelang ein relevantes Thema sein wird. Für viele haben Social Media und Livestreams den Platz von Plattenlabels und Promotern eingenommen, indem die Künstler diese Technologien nutzten, um ihre Musik ihren Fans zugänglich zu machen. Ganz gleich wie bekannt oder unbekannt sie waren, griffen nun unzählige Musiker auf Instagram, Facebook und TikTok zurück, um ihre neuen Songs zu verbreiten, mit Fans zu kommunizieren, ja sogar neue Songs vor einem Live-Publikum zu schreiben. Das war sowohl ein Beweis für das wesentliche Bedürfnis nach Musik als auch für die Fähigkeit der Künstler und Musikfans, sich spontan anzupassen, um neue Wege zu schaffen, Musik zu erleben.
Musiker führen den Livestreaming-Boom an
In unermüdlicher Arbeit gegen den Strom fingen Musiker an, ihre Verbindungen zu einer weiter ausgedehnten Musikgemeinde auszubauen, damit die Musik wieder auf die „Bühne“ zurückkehren könnte, ohne dabei ein Risiko für die öffentliche Gesundheit zu schaffen. Diese Shows, die über die Websites von Musikern, Social Media oder spezielle Plattformen wie StageIt gestreamt wurden, dienten als Werkzeug zum Schaffen von Mehrwert sowohl für den Veranstalter als auch den Künstler, zu einer Zeit, in der es schwierig war, Geld zu verdienen, und ermöglichten gleichzeitig, den Fans die Live-Musik zu bieten, die sie so sehr vermissten. Noch vor ein paar Jahren hätte diese Strategie nicht funktioniert – nicht aus technischen oder logistischen Gründen, sondern weil das Publikum nicht bereit gewesen wäre, für Live-Musik zu zahlen, die nicht wirklich live ist, jedenfalls im Sinne von dem, was dieser Begriff für Musikfans bedeutet: die Nähe zu den Musikern, das Eintauchen in die Musik, das Gefühl, sich mit einer Menschenmenge im Takt der Musik zu bewegen, die ebenso begeistert von dieser sind.
Die Bereitschaft der Leute, für virtuelle Konzerte zu bezahlen, ist aber nicht nur darauf zurückzuführen, dass die realen Shows abgesagt wurden. Es änderte sich vielmehr die Art der Live-Übertragungen, nicht nur um den Bedarf nach Live-Musik in der digitalen Domäne zu decken, sondern auch Kontakte herzustellen und eine Gemeinschaft zu erleben, zu einer Zeit, in der ein Großteil der Musikfans ihre eigenen vier Wände nicht verlassen durften. Anstatt „Live“-Auftritte anzubieten, die sich im Endeffekt kaum von zuvor aufgenommenen Shows unterscheiden würden, fingen Musiker an, Shows zu machen, an denen das Publikum direkt beteiligt wurde.
Schauen Sie sich an, wie Switchfoot ihren Song „Float“ in einer Folge der Fantastic NOT Traveling Music Show spielt, die auf einem Heißluftballon gefilmt wurde.
Bereits zuvor erfolgreiche Aufführungen hatten mit der bestehenden Fangemeinde einen Vorteil, woraufhin auf wöchentliche Shows gesetzt wurde, bei denen sowohl Original-Songs als auch Covers und vom Publikum angefragte Songs gespielt wurden, meist gepaart mit ausgiebigen Kommentaren vonseiten der Musiker und Gesprächen mit den Fans. Die alternative Rockband Switchfoot aus San Diego war eine der ersten, die ein erfolgreiches Konzept für bezahlte Livestreams umsetzte, indem sie eine Serie mit dem Titel „The Fantastic NOT Traveling Music Show“ kreierten. Fans können Einzelkarten für wöchentliche Livestreams erwerben oder sogar einen erschwinglichen Monatsbeitrag zahlen, um uneingeschränkten Zugriff auf die Aufführungen zu erhalten, wobei die Band gewissenhaft daran arbeitet, diese stets unterhaltend und innovativ zu halten. Tim Foreman, Bassist von Switchfoot, erklärt uns, dass die Plattform aus dem kombinierten Wunsch entstand, sowohl Menschen anhand der Musik zusammenzubringen als auch die Crew für Tourneen und sonstige Mitarbeiter der Band zu unterstützen, deren von Live-Aufführungen abhängende Verdienste ausgefallen waren.
„Musik war für uns immer schon ein Weg nach vorn, sogar wenn wir die Route nicht erkennen können“, sagt Foreman. „Ich kann also kaum in Worte fassen, wie bewegend es war, bei unserem ersten Livestream im Juni zu spielen. Es war ein tolles Gefühl, wieder mit anderen Menschen Musik zu machen.“
Musikfans in der ganzen Welt teilten dieses Gefühl. Bald verwandelte sich die bisher meist einseitige Vorführung beim Livestreaming in einen Dialog, bei dem die Künstler direkt mit den Fans kommunizieren, Fragen beantworten, Songwünsche annehmen und allgemein eine Verbindung mit dem Publikum knüpfen, die bei normaler Live-Musik nicht möglich wäre. Auch wenn Foreman natürlich bestätigt, dass er und seine Bandkollegen sich darauf freuen, endlich wieder „echte“ Live-Aufführungen machen zu können, ist er davon überzeugt, dass Livestreaming sich als ein fester Bestandteil des Musiker-Alltags etabliert hat, um Musik zu machen und Fans zu gewinnen.
„Ich denke, wir sind uns alle einig, dass Livestreaming kein Ersatz für normale Live-Musik darstellt“, erklärt er. „Ich bin aber der Ansicht, dass es etwas vollständig anderes ist. Es erlaubt Musikern, enge Verbindungen mit ihren Fans zu knüpfen und eröffnet eine völlig neue Welt an Möglichkeiten, insbesondere auf internationaler Ebene. Wir spielen Live-Musik für Menschen aus der ganzen Welt, aus Ländern, die wir noch nie besucht haben, und ich bin dabei nur ein paar Kilometer von meinem Haus entfernt. Wir haben auch Menschen kennengelernt, deren Gesundheitszustand es ihnen nicht erlaubt, Konzert zu besuchen, und dies hat ihnen eine völlig neue Welt eröffnet. Ich könnte noch unzählige weitere Stories hinzufügen.“
Veranstalter im Vormarsch
Der Livestreaming-Boom hat auch anderen in der Musikbranche zu mehr Erfolg verholfen. Was die Veranstalter betrifft, war dies die Gelegenheit für so manchen bereits bestehenden Veranstaltungsort, in die digitale Domäne einzusteigen, indem sie mit den Künstlern zusammenarbeiteten, um semi-permanente Livestreaming-Szenarios zu schaffen, komplett mit Kameras und Ausleuchtung. Das führte zu jener Art von Aufführungen für die das Publikum Karten kaufen und sich darauf freuen konnte, wieder Live-Musik beizuwohnen – wenn auch nur über den Bildschirm eines Computers oder Fernsehers. Wichtige Veranstaltungsorte im ganzen Land wie das Amphitheater der Colorado Red Rocks und die Hollywood Bowl in Los Angeles haben alles getan, um im Handumdrehen ein virtuelles Programm anbieten zu können, was zu Pop-Konzerten mit Eintrittskarten, symphonischen Darbietungen und anderen Live-Unterhaltungsprogrammen anhand von Livestreaming führte.
Kleinere Veranstalter waren auch mit von der Partie. Die Belly Up Tavern, ein beliebter Veranstaltungsort für Konzerte in San Diego, den auch viele der Mitarbeiter von Taylor gerne besuchen, lud eine Vielzahl von Musikern auf ihre Bühne ein, um deren Auftritte an ein virtuelles Publikum zu übertragen, wobei einige wichtige Namen mit dabei waren, was die musikalische Energie in der Stadt pulsieren ließ. In diesem Jahr gab es bereits eine Performance von The White Buffalo, der Taylor Gitarren bevorzugt, sowie einen Auftritt von Ziggy Marley und eine Feier zum 50. Geburtstag der lokalen Legende Steve Poltz, dessen „Quarantine Blues“ monatelang auf Social Media beliebt war. Veranstaltungsorte überall halten an der Thoreau-Maxime fest, die Anfang dieses Jahres die Fassade des Belly Up schmückte: „Wenn ich Musik höre, kenne ich keine Gefahr“.
Das Gefühl erschien zutreffend in der gesamten Musikfangemeinde und nirgendwo war dies eindeutiger als auf Social Media, wo Künstler Wege gefunden hatten, jenen Teil der traditionellen Branche zu umgehen, der schließen musste. Die Pandemie und ihre Folgen sorgten für Selbstreflexion und Umgestaltung in der Musikbranche, indem nicht nur Lücken in der Art und Weise erkannt wurden, wie neue Musiker aufgespürt und gefördert werden, sondern es entstanden auch Chancen für eine neuer Art von Künstler, insbesondere junge Musiker, die schon früh angefangen haben, sich selbst und ihre Musik auf Social Media mit der Welt zu teilen. Anstatt die Kreation neuer Musik einzuschränken, diente die Pandemie in vielerlei Hinsicht als Antrieb für aufstrebende Künstler, die in der Lage waren, von der Verlagerung in die digitale Domäne zu profitieren.
Musik wird geselliger
Das Ethos des selbstgemachten Livestreaming hat dieses Jahr die gesamte Welt erobert und für viele Künstler stellte es mehr als nur eine Notlösung für das Problem der geschlossenen Veranstaltungsorte dar, es bot vielmehr einen weiteren Zugang in die Branche für jene, die noch nicht die Aufmerksamkeit der Plattenlabels gewonnen hatten.
Für Pop-Singer/Songwriterin Emma McGann stellte der Livestreaming-Boom auf Social Media eine Bestätigung ihres Werks dar, woraufhin sie es an die Spitze der erfolgreichsten Livestreamer schaffte (in der Seitenleiste „Livestreaming wie die Profis“ zu dieser Story erfahren Sie mehr darüber, wie Emma dies anstellt). Für andere stellte dies eine Möglichkeit dar, engagierte Fans und Anhänger auf Social Media zu gewinnen, was für die meisten Musiker einfach nicht möglich war. Und während Musiker jeder Art, Altersgruppe und Genre diesen Wandel mitmachten und anfingen, Livestreams zu machen, waren es die jüngeren, aufstrebenden Künstler, die den Ansturm auf Social Media anführten.
Die konkreten Formen dieser Livestreams sind so variabel wie die Musiker selbst. Manche setzten auf eine Art virtuellen Open-Mic-Abend, mit ein- bis zweistündigen Streams auf YouTube oder Twitch, dem beliebten Streaming-Dienst für Videospiele. Andere wählten einen Ansatz, der eher einem Gespräch ähnelte, insbesondere auf Plattformen wie Instagram und TikTok, die es dem Performer erleichtern, während der Aufführung in Echtzeit Kommentare vom Publikum zu erhalten und direkt auf Wünsche oder Fragen der Fans zu antworten. Einige Musiker stellten ihre Improvisationskünste zur Schau, indem sie schnell aufeinander folgende Songwünsche vom Publikum umsetzten; andere schafften eine kollaborative Umgebung mit dem Publikum, in der Ideen für neue Songs und Liedtexte gemeinsam mit den Fans komponiert und verfeinert wurden. Überall im Internet wandten sich sowohl Newcomer als auch Musikveterane Social Media zu, um ihre Musikkarriere auch während der Pandemie fortsetzen zu können, wobei es manche sogar zu Stars machte, weit über TikTok und Instagram hinaus.
Aber Musik hat auf Social Media seit Beginn der Pandemie Formen angenommen und Menschen in einer Art und Weise zusammengebracht, die noch vor einem Jahr niemand hätte vorhersagen können. In einer Nische von TikTok haben sich Millionen von Menschen für Sänger und Musiker begeistert, die Matrosenlieder interpretierten, woraus ein anhaltender Trend entstand, der es manchen der Beteiligten ermöglichte, eine Karriere in der Musik zu starten. An einer anderen Stelle haben sich Musikbegeisterte zusammengetan, um eine vollständig online aufgeführte Musical-Version des beliebten Films von Pixar Ratatouille zu schaffen. Egal für welches Endprodukt auch immer, haben es die Leute geschafft, weiterhin auch ohne Proben und Studioaufnahmen Musik zu machen. Überall auf Social Media konnte man Anzeichen für die Fähigkeit der Musik erkennen, Menschen unter allen denkbaren Umständen zu verbinden und zu inspirieren.
Livestreaming wie die Profis
Normalerweise hätte Emma McGann das Jahr 2020 damit verbracht, auf Tournee die Vereinigten Staaten zu durchreisen und Live-Aufführungen an überfüllten Veranstaltungsorten zu geben, in deren Anschluss Fan-Artikel in der Menschenmenge verkauft würden. Die in Großbritannien ansässige Singer/Songwriterin sollte ihre Tournee im April starten – ein Plan, den sie schnell aufgeben musste, aufgrund der Lockdowns in den USA und dem Rest der Welt im März letzten Jahres.
McGann ist glücklicherweise an alternative Möglichkeiten gewöhnt, Musik zu machen und zu verbreiten: Seit Jahren veranstaltet sie Livestream-Shows von ihrem Zuhause nördlich von London aus. Als die Pandemie einschlug und die Veranstaltungsorte schließen mussten, hatte McGann bessere Aussichten als die meisten anderen, zu einem Zeitpunkt, an dem das gesamte Musikgeschäft innerhalb weniger Wochen auf Social Media überwechseln musste, weil sie der Zeit voraus war.
McGann hat sich einen optimal auf ihre Livestreams abgestimmten Musikraum eingerichtet, ein spezielles Aufnahmestudio mit tropischer Kulisse und lebendigen Leuchtfarben, dessen Retro-Neon-Look zu ihrem heterochromen Haar passt. Der Raum hat eine sehr ausgeprägte Ästhetik, die ein Schlüsselelement für erfolgreiche Livestreaming-Szenarios darstellt: Wiedererkennungswert. Wenn Sie auf einen von McGanns Instagram-Posts oder Videos auf TikTok stoßen, wissen Sie sofort, dass diese von ihr sind – die schillernden Lichter und der grüne Hintergrund erlauben das sofortige Erkennen. Das ist natürlich nur eines der Elemente des musikalisch idyllischen Raums, den sie geschaffen hat, denn dieser ist auch mit Kameras, entsprechender Aufnahmeausrüstung sowie ihrer digitalen Audio-Workstation (DAW) und der für die jeweilige Performance gewählten Gitarre – oft eine Taylor – ausgestattet.
Weil sich so viele Musiker an Livestreaming auf Social Media versuchen, haben wir McGann darum gebeten, einen Leitfaden für Newcomer in Sachen Streaming zu erstellen, der die Grundlagen der Performance von Musik, dem Filmen der Videos und der Interaktion mit den Fans in einem Online-Kontext erläutert. Schauen Sie sich das Video an und lernen Sie, wie eine erfahrene Profi-Musikerin ihr perfektes musikalisches Ökosystem geschaffen hat.
Taylors Beitrag während der Pandemie
Für uns hier bei Taylor stammt unser Wunsch, Musik zu machen, von unserem Erbe als Gitarrenbauer, unseren Beziehungen zu der breiten Musikgemeinde und der simplen Hoffnung, dass unser Schaffen in unserer Nische der Musikbranche auf irgendeine kleine Art und Weise den Menschen dabei helfen könnte, diese schwierige Zeit zu bewältigen. Während wir also uns weiter für das engagierten, was wir am besten machen, haben wir uns auch an unsere Künstlerfreunde gewandt, unsere Autorenfreunde angerufen und schließlich Musik aufgenommen. Das Ergebnis war ein von Keith Goodwin geschriebener und von Gabriel O’Brien aufgenommener Original-Song mit dem Titel „I Know What Love Is (Because of You)“.
Ursprünglich von Goodwin zum Gedenken an seine Großmutter geschrieben, die während der COVID-Krise verstarb, hat sich der Frontman von Good Old War mit Jay Parkin von Taylor zusammengetan, um den Entwurf des Songs in eine vollwertige Single zu verwandeln. Nachdem der Song fertig war und sie mehrere Tracks aufgenommen hatten, bekamen die beiden nun Lust auf mehr.
Jetzt wo sie einen Song fertig hatten, wandten sich Goodwin und Parkin an Künstler aus der ganzen Welt – Musiker mit Taylor Gitarren, Sänger, Songwriter und Toningenieure – um nach Mitwirkenden für den Song zu suchen. Manche fügten neue Parts auf der Gitarre, Keyboard oder Bass hinzu, während andere mit ihrer Stimme Strophen und Backing Vocals beisteuerten. Am Ende hatten sich 50 Künstler dem Projekt angeschlossen, darunter Zac Brown, KT Tunstall, Jason Mraz und viele andere, und schickten Hunderte von Tracks – ein Puzzle, das Toningenieur Gabriel O’Brien, der häufig mit Taylor zusammenarbeitet und als Multitalent für Aufnahmen aller Art bekannt ist, schließlich zusammensetzte. Nach einer heldenhaften Anstrengung von O’Brien war der Song schließlich als Single mit begleitendem Video fertig.
Mehr als 50 Künstler aus der ganzen Welt haben zu „I Know What Love Is“ beigetragen, ein Projekt, mit dem weiterhin Spenden für die MusiCares-Stiftung gewonnen werden.
Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung dieses Artikels hatte „I Know What Love Is“ auf Spotify bereits 1 Million Streams überschritten, hinzu kamen über hunderttausend Plays auf anderen Diensten. Der Song wurde auch von Radiosendern überall in den USA aufgegriffen und in Magazinen vorgestellt, darunter die American Songwriter.
Darüber hinaus konnten anhand des Songs Tausende von Dollar für MusiCares gesammelt werden, eine Organisation der GRAMMY-Stiftung, die Menschen, die in der Musikbranche ihren Lebensunterhalt verdienen, sowie deren Familien, in Krisenlagen unter die Arme greift. MusiCares hat sich als wichtige Hilfsorganisation für Fachkräfte der Musikbranche erwiesen, insbesondere jene Menschen, deren Arbeit „hinter den Kulissen“ eines Veranstaltungsorts, einer Tournee oder eines Studios überhaupt erst das Aufnehmen und Aufführen von Musik ermöglicht. Diese Organisation hat eine breitgefächerte Mission, die praktisch alles abdeckt, von Grundbedürfnissen oder Unterstützung für die Wohnungsmiete, bis hin zu psychischer Gesundheitsfürsorge und Suchtberatung. Das war einer der Gründe, sagt Keith Goodwin, warum er sich so leidenschaftlich dafür einsetzte, diesen Song zu schreiben und sicherzustellen, dass dieser das Publikum erreichte: MusiCares hat sich für ihn und die Menschen, die ihm nahestehen, als sehr wichtig erwiesen.
Schauen Sie sich Keith Goodwin an, wie er eine vereinfachte Version von „I Know What Love Is“ interpretiert.
„MusiCares hat einigen meiner besten Freunde praktisch das Leben gerettet“, erklärt Goodwin, „indem die Organisation sie dabei unterstützt hat, die Reha zu überstehen. Ich möchte daher MusiCares unterstützen, wann immer ich kann.“
Für andere, die am Projekt beteiligt waren, wie der Star-Produzent Will Yip, bestand die Motivation dahinter, der weit ausgedehnten Musikgemeinde unter die Arme zu greifen, auch darin, die Musik während dieser schwierigen Zeit am Leben zu erhalten.
„Diese Musiker, Techniker und Ingenieure sind auf unsere Hilfe angewiesen“, fügt Yip hinzu, „weil die Welt auf sie angewiesen ist. Die Welt braucht ihre Fähigkeiten. Ich könnte nicht dankbarer dafür sein, dass so eine Organisation existiert.“
Wir haben uns kürzlich mit Keith Goodwin und einigen anderen Künstlern unterhalten, die an diesem Song beteiligt waren. Sie teilten mit uns vereinfachte Versionen von „I Know What Love Is“. Die Tatsache, dass diese Solo-Interpretationen eines Songs, an dem ursprünglich so viele verschiedene Musiker beteiligt waren, die bewegende Botschaft des Songs nicht nur erhalten sondern sogar verstärken können, ist ein Beweis sowohl für Goodwins Fähigkeiten als Komponist als auch für die Kraft der Musik, uns gefühlsmäßig mit einer größeren Welt zu verbinden.
Niemand kann die weltweiten Auswirkungen der Pandemie auf die Musikbranche leugnen. Das vergangene Jahr war daher für manche Menschen ein einziger Kampf ums Überleben. Außergewöhnliche Umstände führen aber auch oft zu unvorhersehbaren Ergebnissen, was genau für die Musik gilt, indem nicht nur weiterhin Musik gemacht wurde, sondern teilweise sogar mehr als zuvor. Vom Livestreaming-Boom über die rasch fortschreitende Eroberung der Social Media bis hin zu inspirierender Solidarität innerhalb der Branche selbst, kann man am Ende sagen, dass die Musik immer ihren Weg findet.
