Growing up in Southern California, I was surrounded by the collision of surfing, skateboard, auto craft, music, art and architecture cultures, as well as the people creating them. I didn’t much recognize these influential cultures for what they were when I was younger, having been blinded by the veil of familiarity. I figured my hometown experience was typical and assumed everywhere else was like that. Having grown older and seen a wider variety of places, the uniqueness of my hometown picture is in sharper focus. The sights, sounds, influence of this Southern California experience is unique in my opinion, and it certainly informed the creations designed and made here. As I see it, there are few instruments that could so seamlessly blend those influences as electric guitars.

I love the flowing, organic curves and broad expression of sound I was exposed to during my earlier experiences with electric guitars.

One common thread among many of these Southern California cultures is they inherently are accompanied by a level of subjectivity. Lots of sports or other pursuits are easy to measure with metrics like the time elapsed during a race or which contestant crossed the finish line first. A pursuit like surfing or music isn’t so easily evaluated, as the act is based in aesthetic value. How a player performs is going to launch evaluative questions about how a listener was moved, the emotion conveyed, the physical experience or bravado behind the effort as much as whatever technical merits might be there. As an aside, it’s fun to imagine putting an objective measurement to something like a musical context. Imagine all the musicians in a symphonic orchestra racing to see who could be the first player to arrive at the final note. Or judging a piece of music the winner because it had the highest number of notes played. Cacophony aside, it’s apparent to me that many of the activities and creations I’ve lived among shouldn’t be evaluated with objective measurements.

Knowing there are creations and activities where value is based on aesthetics over numbers offers freedom to choose what we enjoy — that which moves us. I think that is one of the aspects of building and playing guitars I like so much — we’re free to choose what we like for the simple reason that we like it. Maybe a player likes the color of one instrument best. Or the shape, or the way it feels under their fingertips, or the sound. Maybe they like that a musical hero played something reminiscent.

I love that each player gets to choose what resonates with them.

In my case, I love the flowing, organic curves and broad expression of sound I was exposed to during my earlier experiences with electric guitars. That’s certainly a reason my tools first began to carve away wood and create a cutaway like the one that became the compound contour shaping seen on some Builder’s Edition guitars like our new 814ce. The smooth, ergonomic contours and edges carry a hint of an electric guitar inspiration with a hint of classical violin tradition, put into the context of a thoroughly modern acoustic guitar. Regardless of what the exact catalyst is, I love that each player gets to choose what resonates with them.

These personal music and cultural inspirations are a driving force behind the recent electric guitar creations that have come from my shop and have warranted a new brand and identity —something we call Powers Electric. These guitars are firmly rooted in the Southern California world I grew up in, with the influences I’ve felt reflected into the instruments themselves. This effort has a taste of coming full circle for me, as these are a culmination of a few decades of learning and ideas channeled into an instrument I wanted when I was a kid. These are serious guitars, which translates to serious fun and games. This season, as we bring to the forefront new instruments we’ve been working on, both acoustic and now electric, I hope you find some fresh inspiration in making music with them and a spark of the joy that ignited your interest in playing guitar to begin with. Whether an acoustic or an electric, large or small, six strings, twelve or some other number, have fun making music. It’s good to play.

So wunderbar geschriebene oder erzählte Geschichten auch sein können, erreichen sie in der Form eines Songs zusätzliche Aussagefähigkeit, die weit über die Worte an sich hinausgeht, wenn überhaupt Worte erforderlich sind. Diese Songs – oder musikalische Geschichten – sind ganz klar einer der Beweggründe, warum wir unsere Gitarren bauen. Wenn ich an die Vielzahl der Feinheiten und Emotionen denke, die jedes Mal übermittelt werden, wenn ein Gitarrist in die Saiten greift, dann überwindet dieses Ausmaß an Ausdruck jegliche Grenzen. Jeder Musiker und jede Story sind einfach einzigartig.

Angesichts der Vielfalt an unterschiedlichen Songs, die es gibt, kommt das Gefühl auf, dass auch eine Vielzahl an Instrumenten mit einzigartigen Klangeigenschaften benötigt wird. Jede Gitarre, die wir bauen, hat ihre eigene Existenzberechtigung, ganz wie die Gefühlsnuancen der Musik optimal mit dem für den jeweiligen Song passenden Klang übermittelt werden. Die Eigenschaften unterschiedlicher Gitarren mögen sich auf den ersten Blick ähneln, und ich muss eingestehen, dass sie mitunter wirklich sehr subtil sind. Aber es gibt dennoch eine Parallele zu den Themen der Geschichten die man erzählt, wie zum Beispiel gefundene oder verlorene Liebe. Themen, die einem bekannt sind, weil sie häufig vorkommen, die aber gleichzeitig zutiefst persönlich und individuell sind, indem sie entscheidende Wendepunkte im Leben eines Menschen sein können. Das gilt auch in gewisser Hinsicht für Musikinstrumente. Auf den ersten Blick mögen sich so manche Gitarren sehr ähnlichsehen, aber wenn man dann darauf spielt, merkt man, dass jede Gitarre einen ganz individuellen Charakter hat.

Auf den ersten Blick mögen sich so manche Gitarren sehr ähnlichsehen, aber wenn man dann darauf spielt, merkt man, dass jede Gitarre einen ganz individuellen Charakter hat.

Ich habe mir neulich ein Buch von Iain McGilchrist durchgelesen, das den Titel „The Master and His Emissary“ (Der Meister und sein Abgesandter) trägt und in dem er das Thema der zwei Hemisphären des menschlichen Gehirns und deren Einfluss auf unsere Lebenserfahrungen behandelt. Während er beschreibt, wie wir in unserem Kopf dazu neigen, Gegenstände in Kategorien zu ordnen, weist er darauf hin, dass wir zwei Kategorien, Essen und Musikinstrumente, interessanterweise in der Gruppe der Lebewesen einordnen. Dieses Detail fiel mir ins Auge, weil es eine Erklärung für die sehr persönliche und intime Beziehung sein könnte, die Musiker zu ihren Instrumenten haben und die sich stetig weiterentwickelt. Die Geschichten, die wir anhand unserer Songs erzählen, gehören einem viel längeren Epos an, der andauernd weitergeschrieben wird. In gewisser Hinsicht könnte man sagen, dass eine Geschichte, die anhand eines Songs erzählt wird, eine Kommunikationsform ist, die lebendig bleibt und stetig weiterwächst.

Die Gitarren, die wir bauen, erweisen sich dabei als Hilfsmittel für Musiker, um ihre Geschichten erzählen zu können. Diese vielfachen und vielseitigen persönlichen Erzählungen stehen dabei im direkten Gegensatz zu den unpersönlichen Schlagzeilen, denen wir tagtäglich begegnen. Es geht sicherlich nicht nur mir so, dass ich an jeder Ecke irgendwelchen Schlagzeilen begegne, die meine Aufmerksamkeit gewinnen möchten, wobei die Mehrheit davon sich auf Probleme bezieht, die es irgendwo gerade gibt. Im Vergleich zu diesem Fluss an unpersönlicher Kommunikation kann man die tief persönlichen Erzählungen eines Musikers nur als wirklich mutige Handlung einstufen.

Das erinnert mich an die Zeilen von Longfellow mit dem Titel „The Arrow and the Song“ (Der Pfeil und der Song):

Ich schoss einen Pfeil in die kühle Nacht,
Wo kam er an, habe ich dann gedacht;
Er flog so schnell, dass es schwirrte in den Ohren,
Da habe ich ihn aus den Augen verloren.

Ich summte einen Song in die kühle Nacht,
Wo kam er an, habe ich dann gedacht;
Denn wer hat schon die Fähigkeit,
Zu sehen, wo ein Song verbleibt, in aller Ewigkeit?

Viel später fand ich dann ohne Hast,
Den Pfeil, intakt, in einem Eichenast;
Und den Song, wie die meisten anderen Lieder,
Fand ich im Herzen eines Freundes wieder.

Dieses Gedicht befasst sich unter anderem mit der Tatsache, dass wir nicht immer wissen, wo, wie und auf wen sich unsere Geschichten auswirken. Aber trotz dieser Ungewissheit wagen Musiker den mutigen Schritt, ihre Songs mit jedem, der zuhören mag, zu teilen und uns mit ihrer Musik und ihren Instrumenten zu bereichern.

Aus diesem und anderen Gründen ist es für uns bei Taylor eine Ehre, die Musikinstrumente zu bauen, die wir in unserer neuesten Kollektion vorgestellt haben und die in unserem Produktführer genauer beschrieben werden. Wir haben Gitarren von unterschiedlichem Charakter, mit verschiedenen Tonholzkombinationen und Klangeigenschaften sowie Look & Feel, damit sie Musiker dorthin begleiten können, wo ihre Songs sie hinführen.  Manche Instrumente bestehen aus bescheidenen Materialien und haben simple Verzierungen. Andere wiederum haben opulente Verzierungen, die sämtliche Blicke anziehen. An welchem Ort Sie selbst sich auch immer befinden und egal wo Ihre Musik Sie hinführt, wir hoffen es, dass unsere Produkte Sie dabei unterstützen, Ihre Musik zu machen und Ihre Geschichten zu erzählen.

Ich habe allerdings auch den Eindruck, dass dies dadurch ausgeglichen wird, dass die Dinge, die wir benötigen, um jene Herausforderungen zu meistern, häufig genau zum richtigen Zeitpunkt auftauchen. Meistens handelt es sich dabei um Menschen, von denen wir etwas lernen können. Genau in dieser Hinsicht habe ich viel Glück. Soweit ich zurückdenken kann, bin ich immer wieder Menschen begegnet, die mir etwas beibringen konnten. Manche bringen uns Dinge bei, indem wir die Gelegenheit bekommen, ihnen bei der Arbeit zuzusehen, andere wiederum bemühen sich direkt darum, uns etwas beizubringen. Die Lektionen sind so unendlich wie die Gedanken, die wir denken, aber allein die Informationen der anderen bereichern uns ganz eindeutig, weil sie uns positiv beeinflussen.

Meine Frau Maaren zählt eindeutig zu diesen Menschen. Sie ist wahrscheinlich die wunderbarste Person der Welt (ich bin da natürlich voreingenommen) und hat Einsicht in die Dinge, selbst dann, wenn sie es nicht darauf anlegt. Oft genug höre ich, wie sie unseren Kindern sagt: „Nimm einfach das in Angriff, was du vor dir siehst, und du wirst es schaffen.“ Ich kann keine besseren Worte finden, um die erforderliche Denkweise zu beschreiben, mit der wir auf kreative Art und Weise die Aufgaben bewältigen können, die sich uns stellen.

In der Tat scheint dies die Einstellung zu sein, die alle Menschen mit Unternehmergeist aufweisen, von denen ich das Privileg hatte, etwas lernen zu können. Sie erledigen einfach die Arbeit, die ansteht. Sie warten nicht darauf, dass irgendeine externe Autoritätsperson ihnen irgendeine Erlaubnis erteilt, um die Arbeit zu beginnen; sie erledigen einfach das, was nötig ist. Das erinnert mich an eine interessante Differenzierung, die ich irgendwo gelesen habe: Ein Profi weiß genau, was erforderlich ist, um eine Arbeit zu erledigen, aber ein Unternehmer wird das verwenden, was er gerade hat, um die Arbeit zu erledigen.

Bob und Kurt sind zwei Menschen, mit denen ich das Privileg hatte, zusammenzuarbeiten, und von ihnen lernen zu können. Sie haben Stunden, Tage, Jahre damit verbracht, und verbringen immer noch, jene Aufgaben zu erledigen, die gerade anstehen, wobei sie sich sämtlichen Herausforderungen stellen müssen, um in die gewünschte Richtung voranschreiten zu können – in diesem Fall der Aufbau eines großartigen Gitarrenherstellers. Jahrzehntelang haben sie Seite an Seite gearbeitet und sich dabei auf die Aufgaben konzentriert, die gerade anstanden, mit einem zentralen Ziel: Der Bau und der Verkauf von Instrumenten, die genauso optimiert werden, dass sie sich optimal für den Alltag eines Musikers eignen, und dabei unsere Wälder, die Lieferanten, Mitarbeiter, Händler und die Musiker selbst respektieren. Das ist eine schwierige Aufgabe, die in unzählige einzelne Aufgaben aufzuteilen ist, was die Arbeit eines ganzen Lebens ausmacht. Das ist aber auch eine großartige Arbeit!

Soweit ich zurückdenken kann, habe ich immer schon Freude daran gefunden, Gitarren zu bauen, ganz gleich, ob es Routine war, oder ich die Herausforderungen des Alltags zu bewältigen hatte. Seit fast zwölf Jahren habe ich das jetzt zusammen mit Kurt und Bob getan und konnte dabei sehen, wie sie sich bei der Arbeit ergänzen. Das ist fast so, als wenn jede abgeschlossene Aufgabe in einen Abschnitt eines größeren Bildes passen würde, das nach Nummern zu malen ist. Sie haben es mir ermöglicht, an ihrer Arbeit teilzunehmen, und ich bin ihnen sehr dankbar für ihre Bemühungen und alles, was sie mir beigebracht haben. Es ist mir eine Vergnügen, an dieser Arbeit teilzunehmen und mich für unser gemeinsames Ziel einzusetzen, großartige Musikinstrumente für Musiker zu bauen, während ich dies dabei auch mit allen Menschen teilen möchte, die sich für unsere Arbeit interessieren. Das sind wirklich gute Zeiten bei Taylor und es ist mir eine Freude, diese mit euch allen teilen zu können.

Wenn man dann den ersten der Räume betritt, in denen Musikinstrumente gebaut werden, führt dies wiederum zu ganz neuen Wahrnehmungen. Wenn man eine Fräse passiert, die gerade Holz aus aller Welt bearbeitet und dabei exotische Düfte entstehen lässt, gelangt man in einen klimatisierten Raum zur Aufbewahrung von Holz, das bereits gebrauchsfertig ist und wie Bücher in einer Bibliothek perfekt katalogisiert ist. In den weiteren Abteilungen unseres Werks erwarten einen die verschiedensten Klänge und Ansichten: ein in Stille getauchter Raum, in dem Verstrebungen angebracht werden; die rechnerische Präzision, mit der die Gitarrenhälse bearbeitet werden; das betriebsame Surren und Summen in den Räumlichkeiten, in denen lackiert, poliert und Saiten aufgespannt werden. Wo auch immer man hier im Taylor Werk hinschaut, wird kreative Arbeit verrichtet, aus der Gitarren entstehen.

Für mich stimmt da alles. Der Wunsch, etwas Schönes und Nützliches zu schaffen ist ein kraftvoller Antrieb, der sowohl eine praxisorientierte als auch eine kunstvolle, feinfühlige und festliche Seite aufweist. Es werden dafür die unterschiedlichsten Arbeitsverfahren angewandt. Es gibt Projekte, die wir allein mit unseren Händen umsetzen, andere wiederum, bei denen Bürsten, Werkzeuge und Instrumente zum Einsatz kommen, oder sogar eine gesamte Fertigungsanlage vollgepackt mit Maschinen. In der Einleitung zu „The Unknown Craftsman: A Japanese Insight into Beauty“, einer Kollektion von Texten von Sōetsu Yanagi, beschreibt der Töpfer und Schriftsteller Bernard Leach das Handwerk als „gute Arbeit, die von einem Menschen geleistet wird, dessen Herz, Kopf und Hände im richtigen Gleichgewicht stehen.“ Mehr als das strikte Befolgen eines bestimmten Arbeitsverfahrens, gibt es den Wunsch, etwas so Wunderbares zu schaffen, dass es für den Benutzer eine wahre Bereicherung darstellt, seit Menschengedenken.

Den Wunsch, etwas so Wunderbares zu schaffen, dass es für den Benutzer eine wahre Bereicherung darstellt, gibt es seit Menschengedenken.

Dieser Wunsch des Schaffens fängt in jungen Jahren an. Ich habe drei Kinder und mein Haus ist nur selten aufgeräumt, auch wenn wir uns wirklich darum bemühen. Die Kreativität meiner Kinder entfaltet sich immer wieder in regelrechten Energieausbrüchen, die verspritzte Farbe, Kleber und verstreute Stücke der unterschiedlichsten Materialien umfassen. Und irgendwo inmitten dieses Chaos von Materialien entsteht das, was ich als Freude am Werk bezeichne: ein wirklich ergreifendes Gefühl der Begeisterung und Erfüllung, das bei Vollendung einer neuen Kreation aufkommt. Bei uns zu Hause kann man dieses Gefühl als begeisterte Aufschreie und anschließendem „Guck mal, was ich gerade gebaut habe!“ nicht überhören.

Ich gehe mal davon aus, dass dies für die meisten jüngeren Kinder gilt, aber wirklich interessant ist, dass ein praktisch identisches Gefühl bei den meisten Kunsthandwerkern aufkommt. Ja auch Songwriter und Komponisten erleben es. Musiker und Maler kennen dieses Gefühl ebenfalls. Dasselbe gilt auch für alle, die Metall bearbeiten, schweißen, Oldtimer restaurieren, tischlern, und natürlich für Gitarrenbauer. Wir lieben es, unsere Arbeit zu verrichten und dabei tief in den Prozess einzutauchen.

Mein eigener Lebensweg und meine Laufbahn auf Grundlage dieser Beschäftigung hat mir Zeit und Gelegenheit geboten, um festzustellen, dass der Antrieb dafür, etwas Neues zu schaffen, genauso stark von der simplen Tatsache, über die für ein bestimmtes Endergebnis erforderlichen Materialien zu verfügen, ausgeht, wie vom Wunsch selbst, dieses Ziel zu erreichen. Als kürzlich meine siebenjährige Tochter die alte Hütte betrat, die ich zu Hause als Werkstatt benutze, ergab sich ein Gespräch, durch das mir dieser Umstand klarer als je zuvor wurde. Das Gespräch lautete ungefähr so:

„Papa, ich brauche ein Stück Holz.“

„Ok, und was willst du daraus bauen?“

„Weiß ich noch nicht. Was für Holz hast du, das ich haben kann?“

Und genau da war er: der Wunsch, etwas zu schaffen, obwohl sie noch keine Vorstellung davon hatte, was am Ende dabei entstehen würde. Ein jedes Material, das sie bekommt, würde dazu führen, diesen kreativen Ausgangspunkt anzunehmen. Auf ähnliche Weise erging es jüngst einem Freund von mir, der Surfbretter baut. Er tauchte in meiner Werkstatt auf, um mir eine Skulptur aus dem Schaumstoffkern eines Surfbretts mitzubringen, die nun mit Glasfasern beschichtet werden sollte. Er kehrte in seine eigene Werkstatt mit einem Stück Zedernholz zurück, das sich nicht für Gitarrendecken eignet. Auch wenn er noch nicht wusste, was er aus diesem Holz machen würde, war es klar, dass dieses Rohmaterial ein interessantes Projekt anregen könnte, allein schon aufgrund seines fantastischen Geruchs, der vielleicht als Wegweiser für das Projekt dienen könnte.

Musiker werden oft von einem ähnlichen Szenario angeregt. Manche Songs entstehen aus dem Wunsch, über ein Thema zu sprechen, oder ein Gefühl in die Sprache der Musik zu übersetzen. Aber genauso häufig habe ich es gesehen, wie Songs aufgrund der simplen Tatsache entstanden, dass jemand eine ansprechende Melodie gesummt hat, oder der Klang eines bestimmten Akkordes oder Rhythmus eine Qualität aufwies, die eine Gelegenheit für eine neue Komposition darstellte. Auf genau diese Art und Weise entstanden auch unsere gerade neu konzipierten Gitarren der 700er Serie. Es fing damit an, dass Kollegen von mir diese Koa-Stämme aus Hawaii anschnitten, wodurch wunderschöne Farben und Zeichnungen freigelegt wurden. Streifen und Wirbel von Holz, die Geschichten von Wachstum, Jahreszeiten, Stürmen und dem Zahn der Zeit erzählten. Das Holz sehnte sich praktisch danach, in etwas Schönes und Musikalisches verwandelt zu werden. Jetzt wo einige Jahre vergangen sind, seitdem wir angefangen haben, diese Bäume zu begutachten, ergreift uns jenes Gefühl der kreativen Erfüllung angesichts der neuen Instrumente. Wir hoffen, dass Sie selbst etwas von diesem Gefühl der Erfüllung empfinden können, sei es mit einer dieser neuen Gitarren oder Ihrem klassischen Lieblingsinstrument: Die Inspiration, um eine neue Melodie zu spielen, einen neuen Rhythmus anzuschlagen oder einen harmonischen neuen Akkord zu notieren.

Während dieses Gefühl der Erwartung und Erfüllung einen natürlichen Rhythmus darstellt, scheint der Gitarrenbau und auch das Musik machen einem viel weiter ausgedehnten Weg der Kontinuität zu folgen. Es gibt natürlich die Erwartung und die anschließende Freude, wenn man nach vielen Stunden an der Werkbank, die zu Wochen und Monaten werden, endlich Saiten auf ein gerade neu gebautes Instrument aufzieht oder einen neuen Song nach ausgiebigem Üben endlich vorführt. Aber anstatt eines natürlichen Abschlusspunkts, wie die Ziellinie bei einem Rennen, stellt dies einfach nur den nächsten Schritt für die Erforschung eines unendlichen Pfads dar.

Es gibt keinen Zeitpunkt, an dem das Handwerk der Fertigung von Musikinstrumenten jemals vollendet ist, ganz wie auch ein Musiker niemals behaupten kann, er hätte nichts mehr weiter zu erlernen. Das Musik machen, ganz wie der Bau von Musikinstrumenten, ist ein unaufhörliches Streben nach mehr: mehr Verständnis, bessere Fertigkeiten, neue zu erforschende Ideen, neue anzufertigende Teile. Dieser ganze Prozess wird dabei in sehr kurzen Intervallen von Arbeit und Belohnung erlebt: das Aufkleben eines Griffbretts und die anschließende Wahrnehmung eines einwandfreien Ergebnisses; das Einsetzen von Bünden und anschließende Bewundern ihrer perfekten Einheitlichkeit; oder das Spielen einer neuen Folge von Akkorden, während man sich freut, wie gut sie auf eine neue, frische Art zueinander passen.

Als Heranwachsender hat mir mein Vater, ein Zimmermann, häufig gesagt, ich sollte es lernen, das Arbeiten zu lieben, weil man im Leben sehr viel Arbeit verrichten muss. Obwohl man diese Worte leicht irrtümlich als mürrische Resignation verstehen könnte, war die tatsächliche Absicht, mir weise Ratschläge zu geben, die stets mit Optimismus und Sinn für Chancen verbunden waren. Diese Worte waren in der Tat als Ermutigung gemeint: um die unzähligen kleinen abgeschlossenen Aufgaben zu schätzen und sich darüber zu freuen, während man einem größeren, schönen Projekt nachgeht. Das macht absolut Sinn. Im Falle meines Vaters, bestand seine Bemühung als Zimmermann darin, immer wieder ein schönes Zuhause zu schaffen. Das ist stets ein großes Projekt, es kann aber in Tausende von kleinen Aufgaben aufgeteilt werden, wobei man jede einzelne davon genießen kann, Nagel für Nagel, Brett für Brett.

Die Fertigung einer Gitarre ist auch ein großes Projekt, das aber genauso in viele kleine Schritte aufgeteilt werden kann, wobei jeder einzelne seine eigene Art von Freude bereitet, ganz wie es beim Lernen und Spielen von Musik erfolgt.

Vielleicht noch stärker, als es für den Bau von Häusern oder Gitarren gilt, ist das Musik machen ein Weg ohne absehbares Ziel. Ich habe das Glück, Musik mit Musikern zu teilen, die unheimlich talentiert sind, und eine grundsätzlich geltende Erkenntnis, die ich daraus gewonnen habe, ist, dass sie nie fertig sind. Es gibt da keinen Zeitpunkt, an dem sie aufhören würden, Musik zu machen, weil sie alles, was man wissen sollte, gelernt hätten oder alle Songs, die man spielen sollte, gespielt hätten. Ganz im Gegenteil: Musiker streben stets nach vorn, um ihre Fertigkeiten zu verbessern, interessieren sich für neue Stile und Einflüsse und erweitern die Sounds, mit denen sie ihre Kunst bereichern können. Während ich das College besuchte, fasste ein Musiklehrer dies alles wunderbar zusammen, indem er rhetorisch fragte: „Wie oft kann man die C-Dur-Tonleiter üben, die ja die einfachste aller Tonleitern ist? Nicht oft genug.“

Ich habe das Glück, Musik mit Musikern zu teilen, die unheimlich talentiert sind, und eine grundsätzlich geltende Erkenntnis, die ich daraus gewonnen habe, ist, dass sie nie fertig sind.

Mit diesem Konzept einer fortwährend sich weiter entwickelnden Arbeit im Hinterkopf fällt es leicht, sich eine Unmenge an Projekten vorzustellen, die andauernd neu erfunden werden, als wenn man nur diese bereits existierenden Dinge als Ausgangspunkt für neue Arbeit verwenden könnte. Das ist mitunter ein wertvoller Ansatz. Ich finde es klasse, wenn man einen meiner Lieblingssongs oder eine schöne Melodie mit einer neuen Stimmung oder anderen Instrumenten neu auffrischt. Als Gitarrenbauer basieren wir uns gerne auf unserem eigenen erfolgreichen Werk, um eine besonders geschätzte Gitarre mit neuer Inspiration, einem anderen Look oder Sound neu aufzufrischen. Aber neben diesen bereits bestehenden Kreationen, lieben wir das Gefühl, neue Designs in unser Portfolio aufnehmen zu können. Eine neue Kreation führt nicht dazu, dass eine ältere an Wert verliert oder überflüssig wird, ganz wie ein neuer Song nicht von einem bestehenden Favoriten in einer Liste von Songs ablenkt. Das führt einzig zu der Erweiterung der vorhandenen Auswahl.

Beim Durchgehen unserer neuesten Produktpalette an Instrumenten, wird mir bewusst, was für eine erstaunlich große Anzahl an verschiedenen Modellen zur Auswahl steht. Wenn man wahrnimmt, wie viele verschiedene Versionen von Gitarren wir bauen, ist man beinahe überfordert und für einen Augenblick frage ich mich, was uns dazu gebracht hat. Wenn man sich dann jede einzelne Gitarre anschaut, wird einem klar, dass sie alle einen Zweck haben und das Ergebnis unserer fortwährenden Arbeit als Gitarrenbauer sind. Dabei stellen jedes Griffbrett, jeder Bund, jede Resonanzdecke, jeder Hals und jede Saite eine kleine Aufgabe dar, an der wir in unserem Leben als Gitarrenbauer Freude gehabt haben. Einige dieser Modelle sind die Favoriten, zu denen wir im Laufe der Zeit wieder zurückkehren. Andere wiederum, wie unsere neuen Grand Theater-Gitarren aus Walnuss oder Mahagoni, sind neue Kreationen, deren frischer Sound uns erfreut. Unsere neue Grand Pacific Flametop verfügt über eine Ahorn-Decke und ist mit ihrem ganz individuellen Klangcharakter ein Newcomer in unserem Repertoire von Gitarren mit Hartholzdecken.

Ob nun ein neues Instrument oder eine langjährig favorisierte Gitarre, hier bei Taylor haben wir das Glück, sämtliche Schritte, die für die Schaffung jeder unserer Gitarren anstehen, genießen zu können. Und wir genießen es umso mehr, uns die Songs anzuhören, die Musiker auf den Gitarren von uns spielen, die sie für ihre Art von Musik auswählen.