« Je me suis rendu compte que chacun de mes amis musiciens était à présent au chômage », se remémore-t-il. « Les tournées de tout le monde, les concerts de tout le monde, le staff, les loueurs de matériel, le chauffeur de bus… Même les concerts dans les restaurants et les cafés du coin étaient annulés. L’univers tout entier de la musique live venait juste de changer. » 

Alors que partout, les gens commençaient à prendre en compte les incertitudes qui s’annonçaient, Andy sentit que malgré l’immense bouleversement qui impactait notre vie telle que nous la connaissions et, plus spécifiquement, celui touchant le secteur de la musique, les gens auraient encore plus à cœur de jouer de la musique. Et pas seulement les musiciens professionnels du monde entier ; étaient également concernés les amateurs ou quiconque ayant besoin d’un moyen de s’exprimer, en particulier à une époque de distanciation sociale, pendant que la population prenait le temps d’évaluer ce qui comptait dans sa vie.

Andy se rappelle avoir songé à ce dont les gens pourraient avoir besoin – et à ce que Taylor, en tant qu’entreprise, pourrait devoir fabriquer – un matin, lorsqu’il vint à l’usine après l’arrêt de la production. 

« C’est bizarre de marcher dans une usine qui est complètement fermée », se rappelle-t-il. « Les lumières sont éteintes, il n’y a personne, les guitares se trouvent dans des racks, attendant le retour de notre équipe… » 

Et lorsque notre personnel californien allait revenir, quels types de guitares allaient-ils fabriquer ?

« Je me suis dit, ce sont des jours étranges, incertains ; nous devrions construire des guitares pour des jours comme ceux-là, en revenant aux fondamentaux. Fabriquons ce qu’on peut. On a des outils. On a du bois. On a des cordes de guitare. Quelle sorte de guitare répondra aux besoins d’une personne assise avec sa famille, gratouillant ses chansons préférées ? On veut fabriquer cet instrument. »

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Keith Goodwin nous fait part de son opinion sur les sonorités chaleureuses et l’esthétique simple des guitares American Dream.

Au cours de l’interruption des opérations de fabrication, alors que l’usine Taylor était réaménagée et que de nouveaux protocoles de sécurité étaient mis en place, Andy et Bob Taylor ont passé beaucoup de temps ensemble sur le campus. Ils y ont abordé l’avenir de notre développement produit et les stratégies de production dans cette nouvelle réalité. Andy a fait part à Bob de certaines idées quant à une offre de guitares qui, selon lui, lui semblait appropriée à l’époque et pourrait être fabriquée dans notre usine californienne. Quelque chose de fonctionnel, avec tous les éléments essentiels d’une excellente guitare : une construction en bois massif, le barrage V-Class de Taylor, le type de polyvalence en matière de performances lui permettant de couvrir une gamme de style de jeux… Mais également un instrument qui pourrait être produit aux États-Unis et vendu à un prix plus abordable. 

« J’ai commencé à élaborer ces guitares avec des détails très spartiates ; des instruments très modestes, très simples », déclare Andy. « Quand Bob et moi avons commencé à parler de ces guitares, il était évident qu’il se trouvait dans le même état d’esprit que moi. » 

Lorsqu’il s’est agi de sélection des bois, les deux hommes ont choisi une démarche visant à « faire avec ce qu’il y avait dans les placards », en prenant en compte l’interruption potentielle de la chaîne d’approvisionnement Taylor.

« Nous avons commencé à faire le tour de notre inventaire de bois et des stocks d’essence que nous avions mis de côté, qui possédaient un caractère plus individualiste que celui que nous emploierions généralement dans notre série existante de guitares », explique Andy. « Nous possédons un superbe sapelli et des tables uniques en acajou, avec le type de caractère que nous recherchions. Nous avons des tonnes d’acajou pour les manches, nous avons de l’ovangkol, ainsi qu’un magnifique épicéa. Tous ces bois sont géniaux pour fabriquer des instruments, ils n’étaient juste pas utilisés car ils ne répondaient pas aux critères spécifiques de notre gamme de guitares existantes. »

En route avec la Grand Pacific

En ce qui concerne le choix du style de corps, Andy voulait introduire la nouvelle guitare par l’intermédiaire de la forme Grand Pacific de Taylor. Il savait que sa voix puissante et sa polyvalence musicale pourrait couvrir une vaste gamme de répertoires et serait une machine à sons fiable. 

« Le son qui découle de ce design possède un fort pouvoir de séduction », explique Andy. « Je la considère comme une acoustique généraliste, qui réagit bien face à un jeu en accords, qui répond aux besoins d’un musicien de fingerstyle, d’un flatpicker, ou de quelqu’un qui souhaite jouer avec un style vigoureux, énergique. Je m’imaginais plusieurs amis ou membres d’une famille assis autour d’un feu de camp ou dans un jardin, jouant des morceaux sur lesquels tout le monde pouvait chanter. La GP constitue une superbe guitare d’accompagnement. »

La Série American Dream est née

Comme nous l’expliquions dans notre principal article du dernier numéro de Wood&Steel (2020 / Numéro 2 / Vol. 97), la capacité de Taylor à réagir en plein milieu de la pandémie est une preuve du cran et de la détermination qui caractérisent à présent la culture de notre entreprise. 

Bob Taylor et Kurt Listug, les co-fondateurs de la société, se sont souvenus des combats menés lors de leurs débuts, et de tous les obstacles qu’ils ont surmontés en chemin. Lorsque le moment fut venu de donner un nom à cette nouvelle série de guitares qu’Andy avait conçue, il sembla approprié de rendre hommage à la boutique où s’étaient rencontrés Bob et Kurt : l’American Dream Guitar Shop, qu’ils finirent par acheter et transformer en Taylor Guitars en 1974. Baptisée « Série American Dream », ces guitares incarnent la résilience et la capacité à résoudre les problèmes de notre entreprise. 

Bien qu’Andy ne fut pas né lorsque Taylor Guitars fut fondée, l’une des raisons pour lesquelles il aime la culture de Taylor, comme il l’indique dans le précédent numéro, c’est la manière dont Bob et Kurt ont préservé cette « mentalité décousue, intrépide, caractéristique des débuts fougueux. » Et cette mentalité, cette passion, cette volonté d’innovation sans cesse stimulée visant à susciter l’inspiration musicale des gens, ont été encore amplifiées depuis l’arrivée d’Andy ; quiconque au courant des nombreux lancements de produits Taylor révolutionnaires ces dernières années peut en effet l’attester. 

Un design adapté à l’époque

Le noyau créatif des guitares American Dream, en particulier la sensibilité conceptuelle extrêmement sobre – « tout ce dont vous avez besoin, rien de superflu » – remonte en réalité aux premières expériences d’Andy avec le barrage V-Class, et à ce qui deviendrait finalement le style de corps Grand Pacific.

« L’une de mes pratiques en tant que luthier, lorsque je travaille sur un design radicalement nouveau, c’est d’en distiller la forme autant que possible, avec la finition la plus minimaliste, les ornements les plus primitifs, afin de voir exactement ce que le design est capable de faire à son niveau le plus fondamental », dit-il.

C’est une approche qui a clairement alimenté le développement de la Série Academy de Taylor, présentée en 2017 : un design de guitare épuré, ne comportant que les éléments les plus essentiels, pour créer l’expérience la plus gratifiante qui soit pour les apprentis musiciens au budget limité. 

Des détails sobres mais élégants reflètent la focalisation musicale de la Série American Dream.

Sous de nombreux aspects, la Série American Dream adopte et développe encore la même idéologie avec ses caractéristiques de performance de qualité professionnelle : une construction en bois massif, un barrage V-Class, des bords de corps chanfreinés, un son et une jouabilité premium, et une électronique ES2 en option. Il fallait également que ce soit une série de guitares que nous puissions fabriquer dans notre usine californienne et ce, afin de relancer notre production une fois que cela serait possible. Conserver la sobriété des détails rationaliserait notre procédé de fabrication et nous permettrait de transmettre de la valeur ajoutée aux clients, faisant de ces instruments les guitares d’origine américaine en bois massif au prix le plus intéressant de la gamme Taylor, juste en-dessous de la Série 300. (La nouvelle guitare GT Taylor, que nous vous présentons ailleurs dans ce numéro, se trouve dans la même fourchette de prix.) 

Grâce aux efforts coordonnés entre nos équipes de développement produit et de production, nous avons été en mesure de préparer la production des guitares American Dream en un laps de temps très court. Notre complexe californien a repris ses activités de fabrication à plein temps le 18 mai, et même avec le temps nécessaire pour que nos artisans s’habituent correctement aux nouvelles procédures de sécurité, aux configurations des zones de travail et aux autres modifications des processus, nous avons été capables de commencer à fabriquer les guitares en juin.

La Série American Dream prend son envol avec trois modèles Grand Pacific.

Les modèles

En nous basant sur notre inventaire de bois, nous avons abouti à trois modèles de base pour lancer la Série American Dream : deux équipés d’une association entre un dos et des éclisses en ovangkol et une table en épicéa massif, et l’autre doté d’une table en acajou accompagnée d’un dos et d’éclisses en sapelli massif. Nouveau choix de bois que l’on retrouve sur toute la série : nous avons employé de l’eucalyptus fumé pour la touche et le chevalet. (Nous recourons aussi à l’eucalyptus avec nos nouveaux modèles de GT, également présentés dans ce numéro.) Les espèces que nous utilisons sont comparables à l’ébène en termes de poids et de densité, le rendant ultra-durable et idéal pour le placement des frettes.

« Cela fait un moment que nous réalisons des expériences avec ce matériau », explique Andy. « Il donne des touches et des chevalets qui sonnent vraiment bien, et ces guitares semblent appropriées pour le présenter au grand public. » 

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Le guitariste Nicholas Veinoglou présente la Série American Dream.

AD17 / AD17e

Notre premier modèle de Grand Pacific à comporter une association de bois ovangkol/épicéa est parfaitement adapté au corps de GP équipé d’un V-Class. La gamme sonore de l’ovangkol, similaire à celle du palissandre, et ses médiums naturellement chaleureux, sont ici boostés ; ils sont soutenus par une puissance claire dans les graves et rehaussés par l’accord harmonique entre les notes, rendu possible par l’architecture V-Class. La plage dynamique souligne la polyvalence puissante : la guitare réagit à un jeu léger en fingerpicking, et sera plus qu’heureuse de servir de support à un style de flatpicking énergique ou à des attaques en accords. Autre caractéristique stimulant le son : la finition matte ultra-mince, qui minimise l’atténuation – bonus supplémentaire compte tenu du sustain remarquable rendu possible grâce au V-Class. Sur ce modèle, le dos et les éclisses en ovangkol se rapprochent visuellement du palissandre en raison de l’application de notre teinte sombre Urban Sienna. 

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Découvrez les caractéristiques et les ornements de l’AD17.

AD17 Blacktop / AD17e Blacktop

Ce modèle d’American Dream en ovangkol/épicéa blacktop offre une alternative époustouflante sur le plan visuel par rapport à sa cousine à table naturelle. Ici, le choix esthétique d’Andy a été en partie fait selon la même réflexion que celle ayant orienté le choix des bois : employer ce qui était disponible à l’usine. Dans ce cas, nous avions sous la main un peu de peinture noire à base d’eau provenant d’un autre projet que nous avions entrepris ; Andy a donc réalisé un prototype avec une table noir mat et une plaque de protection noire. Il en a aimé le résultat. 

« C’est aussi sobre qu’un T-shirt noir. » explique-t-il. « C’est vraiment dans la veine de la mentalité d’Henry Ford. Un grand nombre des guitares que j’admire, en particulier celles fabriquées pendant la Grande Dépression ou au cours de guerres ou d’autres événements perturbateurs, ont reçu une finition avec ce qui était disponible. » 

Bien que les bords chanfreinés du corps ne comportent pas de filet, le traitement minutieusement appliqué sur le bord de la table met en valeur la couleur naturelle de l’épicéa pour lui donner l’apparence esthétique d’une guitare avec filet. Le look est complété par une rosace en bois arborant une alternance d’anneaux noir et érable. Pour ces modèles, le dos et les éclisses en ovangkol conservent leur couleur et leurs motifs naturels.

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Regardez Nicholas Veinoglou mettre l’AD17 à l’épreuve.

AD27 / AD27e

Dotée d’une table en acajou massif, cette acoustique American Dream marie des teintes de bois au coloris sombre et au grain riche à une voix chaleureuse et puissante, avec des notes harmonieusement charnues qui s’amalgament avec aisance sur tout le spectre sonore. Sous la forme d’une table d’harmonie, la compression naturelle de l’acajou vient atténuer la rugosité de l’attaque d’un musicien, et s’amplifie bien grâce au micro ES2. Entre la puissance, la réactivité et le sustain de l’architecture V-Class/Grand Pacific, la guitare s’adapte quasiment à tout style de jeu. Les lignes de basse d’accompagnement ne sonneront jamais confuses, les médiums sont corpulents et ronds, et même les aigus délivrent une agréable profondeur qui attireront les guitaristes vers les registres supérieurs. 

Sur le plan visuel, l’association des couleurs naturelles, entre la table en acajou et le dos et les éclisses en sapelli, semble se faire en douceur grâce à des bords chanfreinés arrondis; la mince finition matte amplifie le caractère boisé naturel de la guitare.

Moins de finition, plus de caractère 

Outre les avantages sonores liés à l’utilisation d’une finition ultra-mince (0,05 mm) sur ces guitares, Andy dit qu’une partie de son intention était de révéler encore davantage le caractère unique des bois sélectionnés, d’une manière qui puisse à la fois être vue et ressentie.

« Chaque aspect de ces designs est orienté vers un idéal individualiste », explique-t-il. « Même le type de finition que nous appliquons sur ces guitares est délibérément restreint, choisi de sorte à ce que la vraie nature de chaque morceau de bois puisse être révélée d’une façon vraiment évidente. Vous ressentirez la véritable texture de la structure du grain car ce sont des finitions très minces, aux pores très ouverts. Vous ressentirez la douceur d’un morceau de bois se révéler au fur et à mesure qu’il est poncé. Vous ressentirez la largeur ou l’étroitesse du grain d’une table en épicéa avec la manière dont la finition se rétracte dans le grain au fur et à mesure que l’instrument vieillit, faisant désormais partie de l’identité de chaque guitare individuelle. Chacune de ces guitares devient un individu très unique. »

Du bois de caractère

Dans un récent épisode du podcast From the Factory de Taylor, Andy s’est joint à Cameron Walt et Jay Parkin, de notre équipe Marketing, pour parler des nouvelles guitares American Dream. Il y a donné davantage de contexte quant à l’idée des bois de lutherie « de caractère » choisis pour ces guitares, et la manière dont elles peuvent différer des démarches de qualité pour les bois employés dans la fabrication d’autres instruments au sein de la gamme Taylor.  

« En tant que travailleurs du bois, le matériau que nous utilisons débute déjà en marge de l’univers des essences », explique-t-il. « Nous travaillons avec la fraction supérieure d’un pourcentage de la coupe la plus exacte, la plus pure, de n’importe quel morceau de bois disponible. À partir de là, nous qualifions encore ces matériaux en groupes appropriés pour chaque modèle ou design. »

L’épicéa de Sitka en est un bon exemple. Nous l’employons sur de multiples séries dans toute la gamme Taylor. Nous procédons ainsi pour réaliser des guitares extrêmement constantes au sein d’une série ou pour un modèle particulier.

Ce qu’Andy qualifie d’ensembles de bois « de caractère », sélectionnés pour nos guitares American Dream, répondent toujours à nos caractéristiques élitistes liés à la fabrication d’instruments. Cependant, pour une raison ou une autre (parfois cosmétique), ils sont considérés comme des cas particuliers.

« Nous savons que ces bois feront une guitare exceptionnelle, mais parce qu’ils ne répondent pas au même grade défini de celui que nous employons généralement pour un modèle spécifique de guitare, nous allons les mettre de côté et les garder pour quelque chose d’autre », poursuit-il. « Ces guitares American Dream représentent l’occasion parfaite de fabriquer un instrument avec ces morceaux de bois “orphelins” – ces cas particuliers. Ils ont un caractère épatant. Ils sonnent bien. Nous pouvons inciter chacune de ces guitares à être un individu délibérément unique. »

Le compositeur-interprète Shane Hall a été l’un des premiers à faire la démonstration de la nouvelle AD17e Blacktop.

Ce qu’en disent les critiques

Cet été, nous avons envoyé quelques guitares American Dream pour qu’elles soient évaluées, et les premières réactions ont été vives. 

Art Thompson, de Guitar Player, a examiné l’AD27 pour l’édition d’octobre du magazine, et a répondu avec ce qu’il considère comme les aspects les plus gratifiants du barrage V-Class : « une intonation immuable tout le long du manche » et « un meilleur sustain, ce qui rend toujours une guitare acoustique plus agréable à jouer. » 

« L’AD27 possède une grosse voix, qui sonne clairement ; elle dispose d’une bonne complexité dans les médiums et résonne bien dans les graves », écrit-il. « Et la manière dont cette guitare poids plume transfère les vibrations des cordes sur les cordes et le manche est irréelle. Ça résonne, c’est dynamique, et la réactivité de la touche est quelque chose que les guitaristes en fingerstyle vont définitivement apprécier. » La guitare a reçu le prix Editors’ Pick Award de la publication.

Dans le même temps, au magazine Acoustic Guitar, le critique Emile Menasché a passé quelques semaines avec l’AD27 et a jugé qu’elle était présente sur de nombreux fronts. Il est immédiatement revenu sur certains des traits de personnalité caractéristiques du design de Grand Pacific d’Andy. 

« La tonalité est plus profonde que sur quasiment n’importe quelle autre acoustique que j’ai pu jouer », écrit-il. « Le son est charnu, ample… Mais pas terne. Bien que les aigus sonnent précis et articulés, ils s’accompagnent d’harmoniques riches qui offrent aux notes seules une marque d’autorité. »

La guitare a également réagi avec ce qu’il considère comme l’un des atouts propres à Taylor: « un sustain puissant, accompagné par un déclin complexe, riche en harmoniques lumineux. » 

Menasché s’est également amusé à explorer sa plage dynamique.

« Si les notes seules et les arpèges sonnent bien, les accords peuvent avoir un son puissant, massif, corpulent », poursuit-il. « Sur les plans physique et sonore, l’AD27 a été en mesure d’affronter ma main droite, que j’ai très lourde. Elle n’a jamais perdu son sang-froid ni n’a sonné strident – peu importe la manière dont je la malmenais en accords. »

Au final, il en a conclu qu’il s’agissait d’une machine à sons remarquablement polyvalente.

« Pendant des semaines, j’ai attaqué l’AD27 avec tout ce que comportait mon arsenal : de douces mélodies, des blues aux bends agressifs, du jazz manouche sautillant, des sons de style accords de basse à la Pete Townshend, et du picking country. La Taylor a tout encaissé sans une plainte. Elle était également confortable à jouer pendant de longues périodes… Je finissais chaque session avec l’AD27 avec les mains bien moins fatiguées que d’habitude. »

Après les débuts de nos modèles repensés de GS plus tôt cette année (avec la 816ce Builder’s Edition et la K26ce tout koa), nous voulions intégrer la résonnance haute-fidélité de ce nouveau corps à un autre modèle plus accessible dans la gamme Taylor. Il nous a paru tout naturel de choisir la Série 300 : elle est plébiscitée par les musiciens de tous horizons, et elle se trouve à la croisée des chemins entre performances premium et efficacité à toute épreuve. Nous avons récemment présenté au monde entier notre Urban Ash via la 324ce Builder’s Edition, et la 317 constituait le premier modèle de Grand Pacific proposé en dehors de notre tandem initial de 517 et 717 Builder’s Edition. Ainsi, nous étions d’autant plus convaincus que la Série 300 se devait d’accueillir un modèle méritant d’atterrir entre les mains du plus grand nombre de musiciens possible.

Le corps de Grand Symphony, radicalement redessiné, semble aller à l’encontre de la tradition ; cependant, elle écrit une nouvelle fois l’histoire de l’innovation chez Taylor. L’altération la plus visible est l’inclusion d’un pan coupé avec rosace, placé sous les notes aiguës de la touche. Vu de face, le contour inférieur de la courbe suit visuellement la ligne d’un pan coupé florentin, avec sa « corne » pointue. Contemplez la Grand Symphony de dos, et vous verrez pourtant que nous n’avons pas touché à l’arrière de la guitare. Le design trouve le juste équilibre entre les avantages d’un pan coupé et la capacité pulmonaire du corps de la GS.

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Lance Allen joue son morceau « Rest Your Way Home » sur la nouvelle Taylor 326ce.

La rosace en elle-même exerce une influence puissante sur la réactivité musicale de la Grand Symphony. Présentant un décalage de près de 45 degrés avec la table, la rosace modifie la façon dont la vibration se disperse depuis la guitare et dans l’espace, exploitant la grande capacité aérienne interne du corps pour délivrer un effet immersif qui, du point de vue du public, donne presque l’impression de se trouver au milieu d’un champ sonore surround.

L’une des caractéristiques les plus attrayantes de notre nouvelle Grand Symphony, c’est la manière dont ses notes s’épanouissent et arborent des couleurs musicales originales au gré du sustain.

La 326ce tire profit des vastes qualités musicales de la forme du corps grâce à l’association entre un dos et des éclisses en Urban Ash massif, une table en acajou massif et un barrage V-Class. L’Urban Ash, dont la source d’approvisionnement responsable provient d’arbres situés dans des zones municipales californiennes et dont l’abattage avait été programmé, ressemble sur le plan sonore à un acajou du Honduras centenaire, avec des médiums charnus caractérisés par des notes fondamentales puissantes. Précise et énergique, l’association de bois dur de la 326ce est sublimée grâce à l’architecture V-Class dont elle est équipée. Les améliorations en termes de volume, de sustain et d’intonation deviennent la norme chez tous les modèles V-Class ; associées à l’Urban Ash et à l’acajou, vous entendrez également davantage le caractère fondamental des matériaux : des sonorités boisées, chaleureuses, qui demeurent claires et articulées au fur et à mesure de leur propagation dans la pièce. L’une des caractéristiques les plus attrayantes de notre nouvelle Grand Symphony, c’est la manière dont ses notes s’épanouissent et arborent des couleurs musicales originales au gré du sustain. Cette expérience invite le musicien à laisser respirer ses notes et ses accords et, pour les amateurs d’enregistrements, elle ouvre un univers entièrement inédit en termes d’expérimentation de positionnement du microphone et ce, afin de capturer différentes textures acoustiques.

La 326ce reçoit des incrustations de touche et de tête en acrylique italien au motif « Gemstone ».

Les autres caractéristiques regroupent un filet noir avec bord contrastant et une rosace triple anneau.

Une teinte Urban Sienna vient mettre en valeur le coloris sombre de l’Urban Ash.

Le nouveau design de la GS améliore également la jouabilité de la forme du corps ainsi que sa réactivité globale, grâce au diapason 24” 7/8^e légèrement plus court et aux cordes à tirant léger, des caractéristiques auxquelles on pourrait ne pas s’attendre sur une guitare de cette taille.

Sur le plan esthétique, la 326ce intègre de l’Urban Ash au niveau de l’insert du pan coupé avec rosace, qui se marie superbement avec le dos et les éclisses. En outre, la guitare comporte la plupart des détails associés à la Série 300, notamment des caractéristiques standard telles qu’un filet noir doté d’un subtil filet de table « pinstriping » noir et blanc, ainsi qu’une rosace trois anneaux assortie. L’instrument est également doté d’incrustations de touche et de tête au motif « Gemstone » en acrylique italien, de mécaniques noires satinées, d’une plaque de protection noire, de notre coloris Urban Sienna (table, dos, éclisses et manche) et d’une table avec finition Shaded Edgeburst, le tout sous une finition satinée. La guitare est également équipée de notre électronique ES2 et est livrée dans un étui rigide deluxe Taylor. 

Avec sa voix ample et sa projection ambiophonique, la 326ce promet d’être un outil expressif unique pour tout guitariste cherchant à repousser ses limites acoustiques.

La migration la plus remarquable concerne l’ajout de notre repose-bras incurvé aux modèles plébiscités comme la 814ce, la 812ce et la 812ce 12 frettes. Sculpté du côté des graves de la partie inférieure de la guitare, ce repose-bras arrondi contribue à soulager la pression exercée sur votre main jouant les accords ou égrenant les notes, favorisant ainsi votre confort et vous permettant de vous exprimer d’une manière plus détendue.

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Visionnez la fabrication d’un repose-bras incurvé dans l’usine Taylor.

La fabrication de notre repose-bras incurvé nécessite une attention minutieuse de la part de nos artisans les plus chevronnés. Dans la Série 800, le repose-bras sera fabriqué à partir de palissandre indien pour être assorti au dos et aux éclisses de chaque guitare, et sera agrémenté d’un filet contrastant en érable. Les 814ce et 812ce sont équipées des mécaniques Taylor en nickel fumé, tandis que la 12 frettes possède des mécaniques en nickel pour tête ajourée dotées de boutons en ébène.

Au sein de la Série 800, certains modèles comme la 812ce-N à cordes nylon ne seront pas affectés par la mise à jour de cette année. D’autres, en particulier la Grand Symphony 816ce Builder’s Edition et la Grand Orchestra 818e, affichent une identité spécifique qui leur est propre au sein de la Série 800 ; elles conserveront leurs caractéristiques actuelles. Découvrez les guitares repensées de la Série 800 chez vos revendeurs agréés Taylor en magasin ou en ligne dès cet automne. 

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Lindsay Love, notre responsable Relations artistes et communauté, joue sur les nouvelles 814ce et 812ce.

L’enregistrement à domicile est devenu plus accessible grâce à des innovations en matière de technologies et à la disponibilité accrue d’un matériel relativement peu onéreux. Nous sommes passés des enregistreurs quatre pistes aux stations audionumériques (DAW ; digital audio workstations) et aux interfaces audio. Quand j’ai débuté, il existait peu de ressources de qualité pour apprendre comment enregistrer chez soi. Vous pouviez trouver quelques livres à la bibliothèque, mais à cette époque encore sans Internet, les documents étaient rares. Mon père, compositeur-interprète, enregistrait depuis longtemps dans le studio d’enregistrement d’un ami ; d’abord sur des magnétophones quatre et huit pistes, puis sur ADAT. La plupart des gens recouraient à des appareils analogiques ou aux premiers systèmes numériques tout-en-un, bien que les enregistrements basés sur des logiciels commençassent à connaître un certain essor. 

Ma première session dans un studio d’enregistrement à Akron, dans l’Ohio, a été capturée sur une bande magnétique deux pouces. J’avais pour objectif de composer et d’enregistrer des morceaux ; j’achetai ainsi l’une des premières interfaces USB et le micro à condensateur le moins cher que je pus trouver à proximité, et je commençai à expérimenter. Cela annonça les prémices d’un amour de toujours envers l’enregistrement, qui prit une grande place dans ma carrière.  

J’ai eu l’immense chance de collaborer avec Taylor Guitars sur plusieurs projets : The Acoustic Sessions, Coffee & Guitars, From the Factory Podcast et, à présent, l’initiative Music Together Project (veuillez consulter la rubrique « Échos » de ce numéro). Je suis également l’un des administrateurs du groupe des propriétaires de guitares Taylor sur Facebook, et je contribue à modérer un groupe relatif à l’enregistrement à domicile. 

Partons du principe que vous venez d’acquérir votre première interface d’enregistrement, voire peut-être même un micro. Et maintenant ? Après une publication sur mes groupes, voici quelques questions qui sont souvent revenues quant à l’enregistrement des guitares acoustiques. 

Quelle est la meilleure guitare avec laquelle enregistrer ?

Tout comme le choix d’une guitare pour jouer chez soi ou dans un groupe, les associations de bois de lutherie et les formes de corps jouent un grand rôle en ce qui concerne le résultat final de votre enregistrement. Il n’existe aucune règle immuable vous dictant quel instrument utiliser. À l’instar de la sélection de la guitare qui vous convient le mieux, tout n’est qu’une question de préférence personnelle. Peut-être aimez-vous les jeux en accords audacieux pour des sonorités folk ou bluegrass ? Essayez donc une Grand Pacific avec un dos et des éclisses en palissandre ou en acajou. Vous préféreriez que votre guitare s’intègre bien dans un mix ? Jetez une oreille à la Grand Auditorium de la Série 600, dotée d’un dos et d’éclisses en érable. Vous pouvez aussi souhaiter égrener délicatement vos notes en fingerstyle sur une Grand Concert, ou obtenir un son plus orchestral sur une Grand Symphony… Il est également possible que vous vouliez complètement bouleverser ces idées et faire les choses de manière totalement originale. Vous ne pouvez pas faire de mauvais choix ; ils seront simplement différents sur le plan créatif. Quiconque me connaît sait que je suis un grand fan d’acajou. J’ai acheté ma première Taylor, une 514ce, en 2005. J’ai enregistré un disque entier juste avec cet instrument. Quand j’ai posé les mains sur ma 517 Builder’s Edition WHB, cet instrument s’est directement retrouvé au cœur de mon « guitarsenal ». Ces jours-ci, j’ai tendance à employer ma 517 Builder’s Edition WHB pour un jeu en accords vers les médiums, lorsque je veux entendre des notes d’acajou chaleureuses et boisées, et une 814ce palissandre/épicéa pour tout le reste.  

La table d’une guitare déplace de l’air; ainsi, laissez un peu de distance entre la table et le micro afin de capturer une partie de ces ondes. 

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Quelle est la meilleure manière d’enregistrer une guitare acoustique avec un micro ?

Quelle est la meilleure manière d’enregistrer une guitare acoustique avec un micro ?

L’endroit où vous placez le micro importe bien plus que le type de micro que vous utilisez ; déplacer un micro au cours du processus d’enregistrement est une solution bien plus judicieuse que tout ce que vous pourriez faire une fois que l’enregistrement est effectué. Comprendre comment capturer la meilleure image sonore de votre guitare pour qu’elle réponde à votre idée est un excellent début.

Si vous enregistrez une guitare acoustique pour un morceau instrumental, vous pouvez recourir à plusieurs micros pour capturer l’ensemble de la gamme de sons qui émanent de votre instrument et ce, afin d’offrir à l’auditoire une expérience immersive et vous emparer non seulement des sonorités de la guitare, mais également de l’atmosphère de la pièce dans laquelle elle a été enregistrée. Il arrive parfois que les ingénieurs emploient les deux mêmes micros dans une position stéréo (type XY), qui correspond grossièrement à la façon dont vos oreilles entendent, pour placer l’auditeur juste en face de la guitare. Dans un mix pop ou rock, vous pouvez n’utiliser qu’un micro pour capturer la guitare, en vous concentrant plutôt sur ses qualités percussives pour se faire entendre en groupe. En général, j’utilise de un à trois micros sur une guitare acoustique. Cependant, mon point de départ est quasiment toujours le même.

Le micro est placé à 12 pouces de la guitare.

Si vous avez cherché « enregistrement guitare acoustique » sur Google ou sur YouTube, vous avez peut-être lu ou vu des infos concernant le placement d’un micro à peu près au niveau de la douzième frette de la guitare, ou de l’endroit approximatif où le manche rencontre le corps. Cela sert à ne pas pointer de micro directement vers la rosace d’une guitare acoustique ; cela entraîne en effet un gros « souffle d’air », ce qu’Andy Powers a longuement abordé lorsque les nouveaux modèles Grand Pacific ont été lancés.

Ma position de départ est légèrement différente. J’aime commencer avec un micro dirigé vers le côté aigu des épaules de la guitare (vers le pan coupé), en le plaçant à environ 30 cm en retrait de l’instrument. Je vais régler l’angle du micro afin qu’il soit légèrement décalé par rapport à la rosace si le son de la guitare que j’obtiens est trop fracassant. Quand quelqu’un me dit que le son de sa guitare est trop brillant ou trop plat en enregistrement, la première question que je pose concerne le positionnement du microphone. Le plus souvent, il s’avère que le micro était dirigé vers la zone couramment utilisée de la douzième frette, mais qu’il ne se trouvait qu’à quelques centimètres du manche de la guitare, éliminant ainsi toute la corpulence et la résonnance des sonorités. Gardez à l’esprit au fur et à mesure que vous essayez différentes positions de micros que la table d’une guitare déplace de l’air; ainsi, laissez un peu de distance entre la table et le micro afin de capturer une partie de ces ondes. 

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Quel est le meilleur micro ?

Quel est le meilleur micro pour guitare acoustique ? 

C’est une question couramment posée dans les forums et les groupes Facebook relatifs aux enregistrements à domicile. Il existe trois types de micros que les gens utilisent fréquemment pour enregistrer des guitares acoustiques.

Microphones dynamiques 

Les microphones dynamiques, comme l’omniprésent Shure SM57, comportent une bobine mobile collée à une membrane (un diaphragme), fixée à un aimant. Lorsque les ondes sonores frappent la membrane, elle vibre (de manière assez similaire à la façon dont fonctionne un cône de haut-parleur), et la bobine se déplace avec lui. Le mouvement de la bobine altère le champ magnétique et est converti en un signal électrique. Des niveaux de pression acoustiques supérieurs sont nécessaires pour produire du son ; ainsi, vous voyez souvent ces micros lors de concerts, mais vous pouvez également vous en servir pour enregistrer. Les micros dynamiques ont besoin d’un gain important pour capturer des sources moins bruyantes (telles que les guitares acoustiques), par opposition à des sources au volume plus conséquent, comme les caisses claires et les amplis de guitare électrique. Ces micros sont unidirectionnels, ce qui signifie qu’ils ne peuvent « entendre » le son que d’un côté seulement.

Le Shure SM57 demeure l’un des micros d’enregistrement les plus prisés sur le marché.

Microphones à ruban

Les microphones à ruban, comme le Royer R-121, suivent un principe similaire. Cependant, à la place de la membrane et de la bobine, ils se servent d’un ruban métallique suspendu au milieu du micro. C’est pour cette raison que les micros à ruban sont bidirectionnels : ils sont capables de capturer le son provenant des deux côtés. Les micros à ruban, comme les micros dynamiques, ont généralement besoin de beaucoup de gain. L’Audio Technica AT4081 est une exception : il recourt à une alimentation fantôme de 48 V, un courant provenant de votre interface ou de votre console et revenant via le câble de microphone. 

De gauche à droite: Micro à ruban Cascade Fat Head II, micro à ruban Audio Technica AT4081, micro à condensateur Audio Technica AT4080

Microphones à condensateur

Les microphones à condensateur, comme le Shure SM81 ou l’Audio Technica AT4040, sont un petit peu plus complexes. Ils recourent à une membrane couplée à une plaque en métal, électrifiée et insérée dans un circuit qui amplifie le signal, offrant au matériel une sensibilité et un volume bien plus conséquents. Tous les micros à condensateur nécessitent une alimentation fantôme (sauf quelques-uns qui disposent d’un fonctionnement sur piles pour une utilisation à distance). Les micros à condensateur se démarquent également généralement par la taille de leur membrane et, bien qu’un modèle ne soit pas nécessairement mieux qu’un autre, les condensateurs à grande membrane sont légèrement moins sujets au bruit, tandis que les condensateurs à petite membrane préservent un peu mieux les détails. Certains micros à condensateur peuvent être pluridirectionnels si l’on place deux membranes dos à dos. 

En vérité, il n’existe pas de meilleur micro. Il y a une immense variété de types de micros qui peuvent vous servir à colorer votre son selon une myriade de façons. Si vous débutez tout juste, un micro à condensateur petite membrane constitue probablement le modèle le plus simple à utiliser parmi tous ces types. Nouvelle option intéressante : un micro à condensateur qui associe une technologie de modélisation numérique sous forme de plug-ins simulant d’autres micros et ce, afin de modifier ses caractéristiques pour qu’elles correspondent à celles de ces autres micros. Le ML-2 de Slate Digital constitue un excellent moyen peu onéreux de tirer une multitude de sons à partir d’un seul micro. 

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Puis-je enregistrer ma guitare en me branchant sur l’ES2 ?

Pouvez-vous brancher votre guitare pour l’enregistrer ?

Si votre guitare acoustique est équipée d’un micro intégré, vous avez à votre disposition une autre manière simple de l’enregistrer. Mon utilisation de l’électronique ES2 de Taylor a toujours été couronnée de succès. Alors qu’un microphone capturera la voix la plus naturelle de la guitare, le système ES2 de micro embarqué constitue un excellent moyen de se lancer, et peut être un bon complément à l’emploi d’un micro. En réalité, à chaque fois que j’enregistre un instrument dans une session vidéo, comme dans les clips des Acoustic Sessions, je prends toujours un jack de guitare et une boîte de direct de manière à pouvoir enregistrer depuis le micro guitare ainsi qu’avec n’importe quel micro que j’utilise. Cela me permet de bénéficier d’une source audio de secours s’il y a un bruit dans la pièce, ou si l’artiste se penche ou s’éloigne de la position idéale du micro. Cela peut se révéler utile si quelqu’un joue délicatement ou égrène de nombreuses notes seules, car le micro guitare ajoutera de la définition. Une boîte de direct convertit le signal haute impédance du câble d’un instrument standard vers un signal faible impédance d’un câble de microphone. Certaines interfaces d’enregistrement possèdent même une boîte de DI dédiée intégrée en tant qu’entrée instrument. En réalité, le riff d’intro à la guitare que l’on entend au début de chaque vidéo des Acoustic Sessions a été joué sur ma 814ce branchée et enregistrée uniquement au moyen du micro de l’ES2.

Il importe de noter que l’enregistrement depuis un micro guitare est légèrement différent que ce que l’on entendrait sortir d’un système de sonorisation, où les notes sont soumises à une carte son, un EQ, une compression et à des haut-parleurs déplaçant l’air dans la pièce où vous vous trouvez. C’est quelque chose qu’il est facile de retravailler au stade du mixage, et c’est toujours une excellente façon d’enregistrer.

J’espère que cela vous aidera à faire vos premiers pas en ce qui concerne l’enregistrement de vos guitares. Tout comme jouer d’un instrument, enregistrer et mixer des pistes audio est un ensemble de compétences à développer et à apprécier, et un moyen génial de capturer et de partager sa musique.

Pour lancer cette série, nous avons demandé à Nicholas Veinoglou, guitariste aux multiples casquettes, compositeur, producteur et artiste d’enregistrement, de vous transmettre quelques conseils de base pour colorer le son de votre guitare, détendre le bras jouant sur le manche et tirer le meilleur parti de vos moments de pratique. Dans chaque vidéo, Veinoglou joue une guitare GT Urban Ash.

Emplacement de la main jouant les cordes et couleurs sonores

Dans cette première vidéo, Nicholas vous montre de quelle manière l’emplacement de la main jouant les cordes peut ajouter de la chaleur ou de la brillance à votre son, selon ce que vous recherchez. Nicholas le compare à l’univers des micros de guitares électriques, où un micro manche et un micro chevalet produiront des couleurs sonores différentes. De nombreux musiciens acoustiques gardent la main jouant les accords ou les arpèges dans une seule position (souvent à proximité ou juste au-dessus de la rosace), mais Nicholas nous démontre comment le fait placer sa main plus près du manche ou du chevalet peut altérer votre son de manière assez spectaculaire. Jouez en accords ou en arpèges à proximité du chevalet, là où les cordes sont plus raides, et vous entendrez un son plus brillant, laissant davantage de place aux aigus. Déplacez-vous vers l’extension de touche pour un son plus chaleureux, plus rond. Comme Nicholas le décrit, il s’agit d’un excellent moyen d’agrémenter votre musique de couleur et de dynamiques sonores.

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Essayez de détendre la main jouant sur le manche pour améliorer la netteté de vos accords et atténuer la tension sur votre poignet.

Détente de la main

Nicholas aborde ensuite une tendance courante chez les guitaristes acoustiques les moins aguerris : ils se contractent lorsqu’ils jouent sur le manche, en particulier lors de l’apprentissage de nouveaux accords ou riffs. Faire des accords, notamment ceux un peu plus complexes, peut être un défi, et beaucoup de musiciens sont frustrés par les notes qui ne sonnent pas ou qui frisent. Bien qu’instinctivement, nombre d’entre eux compensent en essayant d’appuyer plus fort sur les cordes, Nicholas démontre que seule une légère pression est nécessaire pour que la note sonne clairement. Au lieu d’écrabouiller les cordes dans une main devenue étau, déclare Nicholas, concentrez-vous et détendez le bras, le poignet et la main jouant sur le manche. Cela vous aidera à ajuster la position de vos doigts pour éliminer toute note assourdie. Cela vous permettra également d’éviter les crampes aux doigts ainsi que tout problème éventuel au niveau du poignet.

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Divisez votre temps de pratique habituel en plus petites sessions consacrées à des compétences spécifiques.

Concentration dans la pratique

Enfin, Nicholas vous suggère une stratégie de pratique alternative pour vous aider à vous concentrer sur des exercices productifs au cours du temps que vous consacrez à vous entraîner à la guitare. Au lieu de vous ménager un grand moment pour vous exercer (disons, une heure par jour), temps au cours duquel il est plus probable que vous soyez distrait(e) ou que vous vous déconcentriez, essayez de bloquer des intervalles plus courts de 15-20 minutes, et autorisez-vous à prendre des pauses entre chaque. Consacrez chaque bloc de temps de pratique à un thème spécifique, et essayez d’éliminer toute interruption potentielle (p. ex., mettez votre téléphone en mode Avion). Il vous sera ainsi plus facile de demeurer concentré(e) et de travailler sur les compétences que vous désirez améliorer.

“Je suis souvent surpris de voir à quel point les compositeurs et les musiciens savent peu de choses sur le commerce de la musique en soi… Et c’est encore pire concernant l’édition!” 

Si vous êtes artiste/auteur-compositeur et que vous recevez une demande pour une chanson, NE faites PAS votre promotion en tant qu’artiste. Ce n’est pas ce qu’on vous a demandé. Un grand nombre de maisons d’édition, d’entreprises de promotion et de directeurs musicaux pour le cinéma/la télévision reçoivent des milliers de morceaux ; ce qu’ils recherchent, c’est une chanson exceptionnelle, pas un artiste.

Si vous êtes artiste, les scènes ouvertes et le service A&R d’aujourd’hui s’appellent YouTube ! Des dizaines de milliers de morceaux et de nombreux artistes ont été découverts sur YouTube ou autres plateformes semblables. Ce n’est pas un secret. Il vous suffit de créer votre propre chaîne YouTube. Les services A&R de grands labels, les maisons d’édition, les managers et les entreprises de production recourent tous aux soumissions en ligne pour trouver leur nouvelle star. Par exemple, nous avons récemment découvert Reneé Dominique, une Philippine ayant fait sensation sur YouTube, et avons co-écrit son premier tube pour un grand label ; il s’agit de « Could I Love You Any More », un duo avec Jason Mraz. Reneé avait près de 100 millions de vues compilées sur YouTube. Cela fonctionne. Lancez-vous! 

Si vous êtes auteur-compositeur, souvenez-vous que vous devez écrire chaque jour. Continuez d’écrire des chansons jusqu’à créer un morceau qui se démarque des autres. Collaborez avec d’autres auteurs. Même si vous n’êtes pas chanteur, sortez de chez vous et allez jouer devant un public. Soyez « auteur-compositeur-interprète ». Si c’est tout simplement au-dessus de vos forces, alors trouvez un chanteur qui interprètera vos chansons pour vous. Un public en live, c’est le meilleur moyen pour vous aider à voir ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Votre maman et ses copines ou votre partenaire de vie ne sont pas les personnes les mieux placées pour évaluer vos compositions. Elles peuvent vous aider à croire en vous, ce qui est génial, car vous aurez besoin de faire le plein de confiance. Cependant, ne confondez pas ça avec une véritable critique objective.

Parlons un peu placement  
Identifions à présent certains médias spécifiques pour placer vos morceaux, et la manière dont les intégrer au mieux.

Placement auprès d’un artiste
D’après notre expérience, s’associer avec un artiste charismatique avec beaucoup d’attraction – de préférence avant qu’il ne signe avec un label – constitue la meilleure manière pour que votre chanson soit sélectionnée et mise sur les ondes. Faites vos recherches. Trouvez cet artiste et aidez-le à développer le son qui le caractérise. Faites partie de son équipe créative et de sa carrière. Peut-être que votre cousin connaît le restaurant que fréquente l’artiste ? Faites jouer toutes vos relations.  

Bibliothèque musicale
Une autre manière de faire connaître vos chansons, c’est de composer pour cette forme de distribution. La musique libre de droits est une source prisée par les directeurs musicaux qui recherchent des chansons pouvant être facilement accessibles via une recherche de métadonnées, et dont la licence sera rapidement octroyée. Certains auteurs-compositeurs en herbe placent leurs morceaux de cette manière pendant qu’ils écrivent leur futur grand tube. L’avantage, c’est que votre musique peut vous faire gagner de l’argent pendant que vous continuez à composer pour vous-même ou d’autres artistes. L’inconvénient, c’est que vous devez renoncer à un pourcentage important (voire la totalité) de votre édition, et que vous perdez généralement le contrôle sur vos chansons. Les contrats peuvent être longs et sources de confusion. Demandez conseil à un avocat. Souvenez-vous : faire en sorte que vos morceaux soient entendus et utilisés peut non seulement vous rapporter de l’argent, mais cela peut également vous ouvrir des portes et vous donner accès à d’autres opportunités. 

Film/TV/Publicités
(Josquin Des Pres) 
Il y a peu, un ami est venu me voir avec un morceau qu’il avait écrit pour une célèbre marque de café. La chanson était bien, elle avait une accroche sympa… Mais elle présentait un problème majeur. Cette entreprise de café particulière ne faisait pas de publicité à la télévision ni à la radio, et son jingle n’avait pas changé depuis des décennies. Mon ami avait fait l’erreur de penser qu’il savait ce que le client voulait. Je le répète : faites d’abord des recherches. Il y a des dizaines d’années, je me suis aperçu que si je voulais intégrer l’activité de placements à grande échelle, écrire des chansons au hasard sur des thèmes inopinés n’allait pas fonctionner. La meilleure démarche, c’était de découvrir ce que les directeurs musicaux du réseau recherchaient avant d’écrire quoi que ce soit. Cela a porté ses fruits lorsque j’ai commencé à composer pour des émissions de télé-réalité sur MTV et autres. J’appelais les divers directeurs musicaux pour obtenir des infos décrivant les styles de morceaux qu’ils recherchaient. Ces infos regroupaient la thématique des paroles, les tempos et le style musical des chansons. Sous trois jours, je proposais des morceaux entièrement produits, écrits et réalisés selon les caractéristiques qu’ils demandaient. Le résultat ? Plus de quatre cents passages et placements de morceaux en une décennie. Ce type de volume de placement exige de la discipline, une réflexion rapide et une connaissance de tous les genres de musique actuelle sortis quelques jours après leur diffusion sur les ondes. Montez une équipe fiable, laissez votre ego d’« artiste » à la porte et soyez en phase avec ce que le directeur musical recherche, non pas avec ce que vous pensez être « plus créatif ».  

Connaissez les règles
Lorsque vous entrez dans l’arène du placement de morceaux au cinéma/à la télévision, il vous faut vous renseigner sur les règles du jeu et ses participants. Je suis souvent surpris de voir à quel point les compositeurs et les musiciens savent peu de choses sur le commerce de la musique en soi… Et c’est encore pire concernant l’édition ! Souvenez-vous bien d’une chose : préparation + occasion = réussite. Il arrive fréquemment que les compositeurs n’aient aucune idée de la fonction d’un directeur musical, de la signification du sigle A&R ou du travail d’un administrateur d’édition. Voyons cela ensemble. Vous trouverez ci-dessous une courte liste avec des descriptions de quelques termes et rôles du secteur que vous devez connaître lorsque vous cherchez à placer des morceaux.

Société de gestion des droits d’auteur
Pour recevoir des royalties liées à vos performances, vous devez être auteur, compositeur et/ou éditeur inscrit auprès de l’une des nombreuses sociétés de gestion des droits d’auteur dans le monde entier. Ces royalties sont perçues par ces sociétés (SACEM, ADAMI, SPEDIDAM, SAI, etc.) pour la diffusion publique de morceaux de musique (TV, films, restaurants, cinémas étrangers, etc.). Elles sont évaluées et payées sur la base de divers calculs réalisés par ces sociétés, ainsi qu’en fonction d’autres variables, telles que le réseau sur lequel le programme est diffusé, le pays dans lequel un film est projeté ou encore le nombre de minutes du morceau joué. Votre société de gestion est au moins partiellement (et parfois uniquement) déterminée par le pays dont vous êtes citoyen.

Éditeur de musique
Un éditeur de musique collabore avec des auteurs et des compositeurs pour promouvoir et mettre sur le marché leurs morceaux/compositions. Il fait la promotion des morceaux auprès des personnes qui recourent à la musique (producteurs de cinéma/télévision, maisons de disques, jeux vidéo, etc.). Aux fins des droits d’auteur, un éditeur est propriétaire de l’œuvre protégée. Cette société peut également agir en tant qu’administrateur d’édition, mais pas nécessairement. Il est maintenant pratique courante pour les auteurs-compositeurs commençant à bénéficier d’une petite notoriété de monter une maison d’édition en tant qu’entité juridique distincte pour détenir les droits sur leur œuvre. Si vous ne souhaitez pas le faire vous-même, vous pouvez engager un administrateur d’édition musicale pour gérer votre édition.

Administrateur d’édition musicale
Un administrateur d’édition musicale est une société d’édition musicale en charge de l’administration, de l’enregistrement et de l’octroi de licence des compositions, ainsi que de la collecte des royalties découlant de l’édition au nom des auteurs-compositeurs qu’elle représente. Dans le cadre d’un contrat d’administration, les droits d’auteur des compositions sont conservés par leurs créateurs originaux (c.-à-d., les auteurs-compositeurs). En faisant appel à un administrateur d’édition musicale, l’auteur-compositeur peut dormir tranquille en sachant que l’activité d’édition et de collecte des royalties est prise en charge ; ainsi, il peut se consacrer à la création. Ce service est généralement facturé à hauteur de 10-15 % de la partie édition du revenu. Fait important : la part qui vous revient en tant qu’auteur pour la diffusion de vos morceaux peut vous être reversée directement par la société de gestion des droits d’auteurs avec laquelle vous êtes en lien.  

Licence maîtresse d’utilisation
Quiconque est propriétaire de l’ENREGISTREMENT du morceau possède la licence maîtresse et peut délivrer une licence maîtresse d’utilisation à des fins de placement, de sortie, de streaming, etc. Peu importe le nombre de personnes ayant enregistré le morceau ; la seule qui compte ici, c’est celle qui possède la licence maîtresse. Qu’il s’agisse de l’enregistrement d’une chanson par un artiste indépendant ou de l’enregistrement d’un morceau par un grand artiste, quiconque est propriétaire des droits juridiques pour cet enregistrement délivre cette licence. C’est extrêmement important dans le cas du placement pour le cinéma/la télévision. Si vous avez un administrateur d’édition, il se chargera généralement de la délivrance de la licence.

Licence de synchronisation (Sync License)
Il s’agit de l’octroi de licence d’œuvres musicales afin qu’elles soient synchronisées avec des images mobiles en tant que fond sonore dans un film, une émission de télévision, une vidéo, un flux programmé, etc. « Synchronisation » veut tout simplement dire l’utilisation synchronisée de la composition avec l’image à l’écran. Voilà, rien de bien compliqué ou mystérieux!

Directeur musical
La principale tâche du directeur musical est de choisir des musiques et d’en obtenir la licence pour un projet, tout en s’assurant que les morceaux qu’il propose au réalisateur rehaussent l’action/l’humeur à l’écran. En d’autres mots, son travail est d’aider le réalisateur à transmettre sa vision artistique par le biais de la musique. Le directeur musical supervise tous les aspects créatifs et commerciaux de la musique pour un projet. Cela comprend : contribuer à établir le budget pour la musique, fournir son assistance dans la recherche d’un compositeur (si nécessaire), aider le réalisateur dans le choix des chansons, coordonner l’enregistrement de la bande-son, effectuer des sessions de repérage (avec le compositeur et le réalisateur), etc. Cela peut inclure ou non les formalités d’obtention des droits/d’utilisation sous licence des morceaux, et peut comprendre quelques-unes (ou l’ensemble) des tâches d’un coordinateur musical et/ou d’un administrateur musical. Plus le directeur musical est impliqué tôt, plus il aura de temps pour être créatif, tant avec la musique en elle-même qu’avec le budget. Lorsqu’un réalisateur désire un morceau célèbre ou des « droits d’auteur classiques », mais que le budget ne le permet pas, le directeur suggérera (et négociera souvent) des alternatives plus respectueuses de son enveloppe budgétaire et provenant de diverses sources, notamment d’artistes indépendants et/ou de bibliothèques de morceaux libres de droits.

Le monde vous écoute
Vous voulez avoir toutes les chances possibles de générer de l’argent avec vos morceaux. Bien que la plupart des sources de revenus aient diminué, il existe plus d’opportunités que jamais de faire entendre votre musique à la télévision ou au cinéma. La planète toute entière est votre public. Pour les auteurs-compositeurs qui sont aussi artistes en studio d’enregistrement, des placements de premier plan dans des émissions de télévision et des films peuvent vous aider à accroître le nombre de vos fans, en plus de faire bonne impression sur un CV.

Rappelez-vous que les films et les émissions de télévision ont besoin de chansons, tous genres confondus, ainsi que de musiques dont le son semble provenir de diverses décennies. Il est difficile de songer à un style, quel qu’il soit, qui ne serait pas utilisé dans les émissions de télévision et les films. Si la musique sonne bien, peu importe votre âge, votre provenance ou votre look.

Faites donc vos recherches pendant que vous peaufinez votre art. Gagnez de l’argent pendant que le métier rentre !

Josquin Des Pres est un musicien, compositeur et entrepreneur musical. Ses crédits regroupent la co-écriture de nombreuses chansons avec Bernie Taupin (Elton John), ainsi qu’avec les compositeurs Winston Sela, Michael Natter et de nombreux finalistes de l’émission American Idol. Des Pres a également composé des chansons et des thèmes pour plus de 40 émissions télévisées, produit plus de 60 CD pour des maisons de disques et des labels indépendants, et écrit plusieurs livres sur l’industrie de la musique.

Michael Natter est davantage connu pour sa collaboration avec Jason Mraz, compositeur- interprète (et artiste Taylor) récompensé de plusieurs Grammy Awards. Leur single « I Won’t Give Up » est l’un des quatre titres co-écrits tirés de l’album de platine Love is a Four Letter Word. Nancy, la femme de Michael, s’est jointe à lui pour co-écrire les morceaux-titres des premiers albums des vainqueurs de l’émission X Factor Alex & Sierra (It’s About Us) et du lauréat d’American Idol Nick Fradiani (Hurricane). Les Natter se sont de nouveau associés avec Mraz sur deux morceaux de son album Yes!.