Lors de notre événement Catch annuel, précédant le salon NAMM, nous avons présenté une gamme épatante de modèles custom, offrant aux revendeurs Taylor la possibilité de découvrir et d’acquérir des guitares issues de cette collection minutieusement choisie. Chaque guitare est conçue dans notre siège d’El Cajon, en Californie et, à l’exception des modèles de T5z hybrides hollow body, reçoit notre barrage V-Class exclusif.

Vous pourrez découvrir ci-dessous certains de nos modèles préférés de l’événement Catch 2025, qui mettent en valeur la créativité et le savoir-faire derrière le programme Custom de Taylor.

Custom n° 8 : Sequoia (Grand Auditorium, Séquoia à feuilles caduques/Cocobolo)

Recevant deux bois de lutherie visuellement époustouflants et gratifiants sur le plan sonore, cette Grand Auditorium personnalisée présente un fond et des éclisses en cocobolo massif avec finition brillante, Shaded Edgeburst et table en séquoia sempervirens rayé. L’effet rayé de la table d’harmonie est dû aux minéraux et au limon absorbés par les vieilles billes de séquoia, qui sont restées endormies pendant des décennies dans le lit des cours d’eau de Californie du Nord avant d’en être retirées. Des détails tels qu’un filet de caisse en koa, un repose-bras biseauté en koa et des incrustations nacre/koa au motif « Faceted » offrent un look qui se distingue du lot, le tout complété par des mécaniques dorées Gotoh de luxe.

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Custom n° 10 : The Monument (Grand Concert, cyprès plombé/limba noir)

Arborant une esthétique Art déco et une association unique de bois de lutherie haut de gamme au sein d’une petite caisse Grand Concert 12 frettes adaptée aux musiciens de fingerstyle, ce modèle unique en son genre incarne véritablement l’esprit du programme Custom. Sa table en cyprès sinker ainsi que son dos et ses éclisses en limba noir massif reçoivent une finition brillante lustrée et un Shaded Edgeburst artistiquement appliqué. Des incrustations au motif « Euro Deco » et une rosace en buis/cocobolo s’harmonisent visuellement avec le filet en cocobolo, le logo de tête en buis ainsi que la bande au dos et les boutons des mécaniques, tous deux composés d’ébène et de cocobolo. Équipée d’un micro LR Baggs Element VTC, cette guitare inspirante sera aussi performante sur scène qu’elle est attrayante sur le plan visuel.

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Custom n° 18 : (Grand Auditorium, Épicéa de Lutz/Érable figuré)

Conçue pour les musiciens qui apprécient autant l’audace dans l’art visuel que dans le son, cette Grand Auditorium personnalisée comporte un traitement Desert Dawn coloré/burst époustouflant ainsi qu’une finition brillante (caisse et manche), qui viennent rehausser visuellement son dos et ses éclisses en érable figuré et sa table en épicéa Lutz au grain droit. Des incrustations gravées au motif « Victorian » s’harmonisent à une plaque de protection en ivoroïde, un filet en ivoroïde, une rosace en ivoroïde/imitation écaille de tortue et des chevilles de chevalet en os afin de compléter cette esthétique captivante. Des mécaniques Gotoh 510 Antique Chrome ultra-précises viennent peaufiner le design raffiné et délivrer un contrôle haut de gamme des performances.

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Custom n° 27 : (T5z, Érable figuré/frêne Shamel)

Musicalement polyvalente et visuellement époustouflante, cette T5z personnalisée reçoit une table en érable à grandes feuilles figuré (avec un coloris Antique Blond) associée à une caisse en frêne mexicain à l’approvisionnement responsable. La T5z entremêle les univers électrique et acoustique grâce à sa conception hollow body hybride et sa vaste plage de contrôle de la tonalité. Des humbuckers doubles, un capteur de caisse actif, un sélecteur cinq positions et des mécaniques Gotoh 510 Antique Gold vous permettent de déverrouiller une large gamme de sonorités et de peaufiner avec précision le son que vous voulez obtenir. Des incrustations « Boxed Waves », un logo de tête en buis et une finition raffinée brillante sur l’ensemble de la guitare viennent rehausser le look de l’instrument, laissant une impression durable sur quiconque le contemple.

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Custom n° 40 : (Grand Concert 12 frettes, Koa hawaïen de grade AA)

Cette Grand Concert 12 frettes personnalisée met magnifiquement en valeur le spectaculaire attrait visuel et le superbe caractère sonore du koa hawaïen. Sa caisse, qui arbore une finition brillante et une configuration de dos avec bande Simons, a été fabriquée à partir d’un koa de grade AA minutieusement sélectionné par des experts. Le design 12 frettes enrichit le son d’un peu plus de hauteur dans les mediums et offre des sensations plus fluides et plus confortables pour la main frettant les notes. Un ensemble de détails en paua et en bloodwood est accentué par des incrustations sophistiquées en paua/nacre dorée au motif « Longhorn », des mécaniques Taylor en bronze poli dotées de boutons en ébène/koa et de chevilles de chevalet en os, à la teinte sombre, couronnées de points en opale australienne verte.

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Custom n° 38 : (Grand Auditorium, acajou)

Avec sa caisse de Grand Auditorium entièrement en acajou massif, son gracieux pan coupé florentin et son coloris Candy Apple Red, ce modèle de guitare personnalisée saura affirmer son caractère visuel. Un logo de tête, un filet et des incrustations « Hook and Latch » en ivoroïde grenu sont complétés par une plaque de protection en ivoroïde, des chevilles de chevalet en os et une rosace noire/ivoroïde grenu. La touche, le placage de tête et le chevalet en palissandre du Honduras crée une harmonie visuelle sophistiquée avec les riches teintes du coloris. Équipée de mécaniques Gotoh 510 Antique Chrome ultra-précises et d’un micro ES2 embarqué, cette guitare custom est prête à se produire lors des sessions studio tout comme sur scène.

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Custom n° 42 : (Grand Auditorium, épicéa de Sitka « griffe d’ours »/sassafras à cœur noir)

Un dos et des éclisses en sassafras à cœur noir sont associés à une table en épicéa de Sitka « griffe d’ours » figuré sur cette caisse de Grand Auditorium à pan coupé et à finition brillante appliquée sur un Shaded Edgeburst recouvrant l’ensemble de la guitare. Un repose-bras en palissandre du Honduras, faisant la part belle au confort, ainsi qu’un ensemble de détails soigneusement choisis, veillent à ce que ce modèle personnalisé délivre une jouabilité exceptionnelle, des ornements raffinés ainsi qu’un son équilibré et articulé qui canalise précisément et chaleureusement le style individuel de chaque musicien. Les éléments esthétiques uniques comprennent une touche en ébène chamarrée, un placage de tête en ébène colorée doté d’un superbe logo de tête en abalone, une bande au dos et un cache-truss-rod en palissandre du Honduras, des chevilles de chevalet en ébène surmontées de points en abalone vert ainsi que des mécaniques noires satinées.

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Un peu raide ? Commencez en douceur

La plupart de mes élèves sont bien plus âgés que moi. Et pourtant, ce n’est que quand moi, j’ai eu 50 ans, que j’ai commencé à prendre davantage en considération les besoins des musiciens plus vieux. Les stéréotypes sont véridiques : votre corps commence à changer quand vous passez le cap des 50 ans. Vous faites alors l’expérience de raideurs, d’une vue qui baisse et de problèmes d’audition, entre autres. Voici quelques astuces pour vous aider à faire face aux changements accompagnant le passage du temps et leurs effets sur votre jeu de guitare.

Échauffez-vous bien. Que vous soyez un musicien de bluegrass jouant en flatpicking, un amateur de fingerstyle ou un fanatique des bends bluesy, dès que vous atteignez 50 ans, vous pouvez commencer à avoir l’impression que ces techniques deviennent soudainement plus exigeantes. Toutefois, d’après mon expérience, c’est un peu comme avec une vieille voiture recouverte de givre en hiver : il vous suffit de vous échauffer un peu plus lentement. Cela vous aidera non seulement à atténuer vos raideurs dans les doigts, mais vous permettra également de faire de vous un meilleur guitariste, dans l’ensemble. Jouer doucement vous permet de réfléchir à la technique, à l’exécution et à l’intention. Cela dit, votre échauffement ne doit pas nécessairement être ennuyeux ! Voici quelques idées sympas pour vous aider à assouplir vos doigts.

1) Apprenez un nouveau morceau. Rien de fantaisiste, quelque chose que vous pouvez apprendre en cinq minutes grâce à une grille d’accords ou une tablature trouvée en vitesse sur Internet. Choisissez une mélodie qui vous fera gratter les cordes selon une nouvelle structure, un nouvel ordre, voire même un nouvel accordage. Bien évidemment, je vous recommande les Beatles (fig. 1), mais n’importe quel nouveau morceau fera l’affaire. Le mieux dans tout ça : vous ne serez jamais à court de nouvelles chansons à tester. Si vous avez du mal à trouver un nouveau morceau à apprendre, faites simplement une recherche avec pour mots-clés les « 100 meilleures chansons » d’une année en particulier.

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2) Faites des bends d’un demi-ton (fig. 2), voire même des bends bluesy d’un quart de ton plutôt que de les faire en entier. Les bends d’un ton complet peuvent faire des ravages sur les doigts et les muscles qui ne sont pas échauffés. Faire ces bends sur la partie des aigus du manche est bien plus facile que de les faire en première position. Ces types de bends sont applicables à quasiment tous les genres.

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3) Jouez rapidement, sur des séries courtes. (Fig. 3) C’est l’un des meilleurs conseils que je puisse vous offrir, quel que soit votre âge. La majorité des guitaristes sont capables de jouer deux notes relativement rapidement. Veillez simplement à ce que leur exécution soit propre et nette. Une fois que vous maîtrisez bien ces deux notes, essayez d’en ajouter une troisième. Jouer vite, c’est plus une question d’endurance que de vitesse réelle : travaillez sur la construction progressive de l’endurance, note après note.

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4) Essayez de jouer une mélodie relativement simple à l’oreille. (Fig. 4… Essayez de trouver la fin par vous-même.) Ce conseil est particulièrement judicieux si votre vue n’est plus ce qu’elle était.

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En parlant de problèmes de vision : si cela fait longtemps que vous lisez des partitions/tablatures mais que vous trouvez que les notes ou les chiffres deviennent de plus en plus difficiles à lire, je vous conseille deux remèdes.

1) Commencez à employer des fichiers PDF électroniques, sur lesquels vous pourrez zoomer à l’envi.

2) Faites l’acquisition d’un logiciel de notation musicale, qui vous permettra d’écrire vos propres tablatures et d’en modifier toutes les caractéristiques. Par exemple, peut-être avez-vous remarqué que dans le tableau correspondant, les grilles d’accords sont plus grandes que d’habitude, les bends d’un quart de ton sont plus courts que ceux d’un demi-ton, la notation en ligne trois est plus petite que celle des autres lignes (c’est assez ironique, mais j’ai trouvé que le rétrécissement de la notation ici la rendait plus facile à lire), et la tablature est plus grande que ce que vous trouvez habituellement dans les magazines. La plupart de ces modifications peuvent être effectuées d’un simple clic de souris. Si vous lisez plus facilement les morceaux, vous les apprendrez donc avec davantage d’aisance.

Enfin, concernant l’échauffement et la récupération, n’oubliez pas d’étirer fréquemment vos doigts : avant, pendant et après la pratique et le jeu. (Pour de plus amples informations, veuillez vous référer à mon article « Le guitariste est un athlète », paru dans le Wood&Steel de l’été 2015).

Changez-moi ces cordes

Pendant des années, tout ce que je voulais faire, c’était jouer, jouer et encore jouer. Je n’avais cure des réglages, des bois de lutherie, des radius de touche ou des amplis ; tout ce qui m’importait, c’était les notes. Il y a quelques années, le manager de l’un des groupes dans lesquels je joue a fait appel à une technicienne guitare et (c’est pour vous dire à quel point je me fichais de l’entretien de mes guitares) j’ai demandé : « Une technicienne guitare ? Mais pourquoi faire ? Je sais comment changer mes cordes ! » Inutile de vous dire que la technicienne et moi, on n’était pas très copains, au début. Puis elle a commencé à régler toutes mes guitares. « Attends. C’est comme ça qu’une guitare est censée réagir ? Et sonner ?! Mais qu’est-ce que j’ai fait ces 30 dernières années ?! » J’étais choqué de voir ce que quelqu’un d’aussi concerné que moi par la jouabilité d’un instrument était en mesure de faire avec un morceau de bois et un peu d’acier. Chers lecteurs, rendez-vous service et trouvez un technicien guitare fiable : quelqu’un qui connaît votre style de jeu et respecte votre opinion, mais qui comprend également quelles devraient être les sensations et les sonorités délivrées par votre guitare. Si vous êtes comme moi et que cela fait des années que vos guitares n’ont pas été révisées, je vous promets que votre instrument peut – et va – mieux sonner.

Technicien ou pas, il existe un réglage simple et peu onéreux qui rend toute guitare plus facile à jouer à mesure que vous vieillissez : changez de tirant de cordes. Je ne veux pas lancer de débat concernant le son et le tirant des cordes, mais en gros, cela se résume ainsi : si vos cordes sont si dures que vous ne parvenez pas à bien jouer, alors la question du son ne se pose pas. Si vous avez moins de force dans les mains, essayez donc de passer à un tirant plus faible. S’il est vrai que l’entraînement peut vous aider à entretenir et à reconstruire les muscles, il est également vrai qu’en vieillissant, on perd de la masse musculaire. Vous pouvez aussi essayer de mélanger et d’assortir les tirants : des cordes plus souples pour les graves et plus dures pour les aigus, ou vice-versa. Veillez simplement à conserver une action jouable en réglant votre truss-rod, de préférence en faisant appel à un technicien compétent. Cela dit, un technicien peut être en mesure d’améliorer l’action de votre instrument sans modifier le tirant des cordes. L’action est quelque chose de personnel ; faites vos expériences en compagnie d’un technicien qualifié et sympathique.

Une dernière recommandation en matière de jouabilité. Si vous avez toujours des difficultés à jouer sur votre guitare préférée même après un bon réglage, cela pourrait valoir la peine d’essayer une guitare à cordes nylon. Bien évidemment, les cordes en elles-mêmes sont plus souples que des cordes acier, et elles offrent par ailleurs une tension plus faible ; vous aurez donc besoin de moins de force et d’efforts pour fretter les notes. Certes, les cordes nylon délivrent des sonorités qui leur sont propres, mais comme je l’ai dit plus tôt, si vous ne pouvez pas faire vos notes correctement, alors le son n’entre pas en ligne de compte. [Note du rédacteur : bien que les guitares à cordes nylon présentent une tension plus faible des cordes, gardez à l’esprit que le manche tend à être légèrement plus large. Si vous envisagez d’explorer cette option, assurez-vous d’essayer la guitare pour évaluer les sensations en main.]

Une question de style

À plusieurs reprises, des élèves sont venus spécifiquement me voir parce qu’ils avaient l’impression qu’ils ne s’amélioraient plus : c’est-à-dire qu’après plusieurs années de pratique, ils avaient atteint un plateau. Curieusement, nombre de ces élèves avaient tellement progressé dans un certain style ou avec une technique en particulier qu’ils n’avaient pas atteint véritablement de plateau : ils avaient tout simplement maîtrisé une compétence. Je ne dirais jamais qu’un musicien ne peut plus s’améliorer, mais à un certain point et à un certain âge, on peut raisonnablement se dire qu’on n’est plutôt pas mauvais dans un domaine. Parfois, mes élèves ne voient pas la forêt que cache l’arbre, et c’est mon boulot de la leur montrer. Alors, que faire dans ce cas ? Selon moi, il y a deux possibilités :

1) Continuer sur la même voie, tout en enrichissant le répertoire du musicien. Par exemple, un guitariste obsédé par Chet Atkins (qui continua à jouer et à enregistrer passé l’âge de 70 ans) pourrait explorer les univers du flamenco ou du classique, poursuivre la tradition acoustique du tapping et du smacking à la Michael Hedges, ou encore se concentrer sur des techniques jazz, telles que celles utilisées par Joe Pass ou le style de picking hybride de Mimi Fox.

2) Changer d’orientation – mais pas trop radicalement. Si vous êtes typiquement un musicien de bluegrass jouant en flatpicking, essayez d’interpréter vos mélodies préférées selon un style surf (fig. 5). Peut-être que l’improvisation jazz, en note à note, a toujours été votre passion, mais que vous admirez aussi l’approche entendue dans les râgas indiens ? Ne vous lancez pas tête baissée dans la musique classique hindoustanie ; effectuez une transition en douceur vers ce genre en vous tournant vers l’ensemble Shakti de John McLaughlin et son interprétation légèrement plus occidentale du genre. (Je voudrais prendre un moment pour mettre en exergue les performances incroyables de McLaughlin en 2023, alors qu’il tournait à l’âge de 81 ans. Si vous n’avez pas vu les vidéos de cette tournée, trouvez quelques clips sur YouTube. C’est un jeu vraiment exceptionnel de la part de n’importe musicien, quel que soit son âge.)

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Enfin (et c’est probablement le meilleur conseil que je puisse donner à n’importe quel guitariste), si vous ne l’avez pas déjà fait… Mettez-vous au chant. Rien ne fera de vous un meilleur musicien (« guitariste », c’est bien, « musicien », c’est mieux) que de chanter. En effet, vous intérioriserez la musique d’une manière qu’il est impossible de rendre simplement en jouant de la guitare.

Aux 50 prochaines années

De nos jours, notre monde change si rapidement qu’il est presque impossible de prédire comment sonnera la musique de demain. Entre Internet, les programmes de musique assistée par ordinateur (qu’il s’agisse des stations de travail audionumérique [DAW] et d’innombrables autres que je ne connais sans doute pas) et l’IA, je suis ravi des possibilités infinies qui s’offrent à nous. Bien évidemment, le facteur le plus important dans la musique du futur, c’est incontestablement la prochaine génération de musiciens.

Ma fille est une bassiste talentueuse, et je la vois chaque jour évoluer en tant que musicienne. Bien que j’aimerais dire que c’est un peu grâce à moi, cette évolution est en réalité le fruit de son programme pédagogique musical au lycée, d’un jeu avec d’autres musiciens et de sa volonté propre de s’améliorer. C’est de loin le facteur le plus inspirant et le plus motivant de ma vie musicale actuelle. Si vous êtes l’un de ces vieux grincheux qui disent : « Les gamins, de nos jours, n’y connaissent rien à la bonne musique »… Peut-être écoutez-vous les mauvais gamins.

« Si jeunesse savait, si vieillesse pouvait », dit l’adage, mais j’ai l’impression que vieillir ne sert à rien si on n’en profite pas pour vivre pleinement sa passion. Après tout, il reste encore tellement de musique à écrire !

Avec son gabarit réduit, son manche confortable et sa voix puissante qui vient jouer dans la cour des grandes (guitares), rien ou presque ne lui arrive à la cheville. Si vous n’avez jamais joué de cette GS Mini ou si cela fait un moment que vous songez à en acquérir une, voici cinq raisons d’accueillir ce modèle dans votre famille musicale dès aujourd’hui.

N° 1 : elle peut vous accompagner partout, tout le temps.

Placez une GS Mini entre une acoustique de taille standard et une guitare de voyage type ¾ traditionnelle : vous verrez immédiatement pourquoi notre Mini plaît autant aux musiciens.

Se basant sur notre forme de caisse originelle Grand Symphony (d’où le surnom « GS »), ses dimensions ont été revues à la baisse pour se glisser entre celles de notre Grand Concert et celles de la Baby Taylor, plus petite. Une fois entre vos mains, vous comprendrez les avantages d’un tel choix conceptuel : l’instrument prend confortablement place sur vos genoux, avec des contours de caisse parfaitement pensés pour reposer sur votre jambe tout en offrant un positionnement idéal pour les mains, que ce soit celle jouant sur le manche ou celle chargée de gratter les cordes. Le résultat ? L’une des expériences de jeu les plus agréables que vous vivrez avec une guitare acoustique.

Les dimensions compactes de la Mini en font également une excellente guitare pour les musiciens qui passent un temps considérable en tournée ou en enregistrement. Étant donné que chaque modèle est livré accompagné d’une housse rembourrée et structurée, équipée de bretelles type sac à dos, il est facile d’emporter la GS Mini avec vous en voiture ou en avion (veillez à vérifier les directives de votre compagnie aérienne quant aux voyages avec un instrument de musique).

N° 2 : elle ne sacrifie pas le son sur l’autel de ses dimensions compactes

Les guitares acoustiques de plus petite taille peuvent être de type « ça passe ou ça casse » en termes de capacités sonores. Avec de nombreuses guitares de « taille voyage », le choix des dimensions ultra-compactes se fait souvent au détriment du son.

La GS Mini est différente. Tout d’abord, tous les modèles sont équipés d’une table en bois massif ; que vous optiez pour une table en épicéa, koa ou acajou, vous pouvez être sûr de bénéficier d’une projection claire et audacieuse, avec une plage dynamique impressionnante. Le recours à la forme Grand Symphony de Taylor est un facteur majeur du son conséquent de la Mini. Grâce à son extrémité inférieure plus large et sa capacité pulmonaire relativement importante pour une guitare compacte (la profondeur de sa caisse équivaut presque à celle d’une Grand Concert), elle délivre un volume agréable et une profondeur sonore ample. La GS Mini est également dotée d’une rosace de taille standard, correspondant au diamètre de 10,2 cm des modèles Taylor de taille normale au lieu des 8,9 cm de diamètre de nos Baby Taylor. Le fait d’avoir une plus grande « bouche » par rapport à sa taille contribue à la production d’un volume plus imposant qui saura plaire au musicien.

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GS Mini-e Koa Plus

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GS Mini-e Koa Plus

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GS Mini-e Koa

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GS Mini-e Koa

Dans la caisse, la GS Mini reçoit un fond sans barrage unique, qui intègre un arc pressé plutôt qu’un barrage interne et ce, à des fins de stabilité structurelle. Cet élément conceptuel contribue à optimiser la résonnance grâce à la construction en bois stratifié du fond et des éclisses de l’instrument. Lorsque tous ces ingrédients se marient, la réponse sonore multiplie quasiment par deux ce que vous vous attendez à entendre d’une guitare de taille ¾.

N° 3 : elle est digne des scènes (même des plus grandes) et des studios

La GS Mini est peut-être un instrument adapté aux voyages, mais elle est bien plus qu’une simple guitare à emmener partout ou à jouer sur son canapé. Elle saura s’adapter à quasiment toutes les situations musicales. De nombreux modèles sont équipés d’une électronique intégrée : avec son côté « plug-and-play », il n’a jamais été aussi facile de la brancher sur un ampli, une interface d’enregistrement ou une table de mixage. Les modèles de GS Mini-e standard comportent notre micro et notre préampli ES-B, qui disposent également d’un accordeur intégré en plus des réglages du volume et de la tonalité. Les modèles GS Mini-e Plus sont quant à eux équipés d’une électronique ES2 embarquée : il s’agit du même micro chevalet que vous trouverez sur nos guitares haut de gamme. Des artistes tels que Damon Albarn (Blur, Gorillaz) ont joué sur leur GS Mini face à des stades remplis de fans. Étant donné qu’elle a aussi été conçue à des fins de clarté sonore optimale et d’équilibre, la guitare est facile à sonoriser en studio ou dans un espace d’enregistrement chez soi, ce qui en fait un outil incroyablement polyvalent.

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Regardez Creature Canyon interpréter « American Movie » avec un trio de GS Minis à corps koa, y compris notre basse acoustique amusante à jouer.

N° 4 : un éventail de possibilités pour plaire à tous les musiciens

Découvrez la série complète de GS Mini, et vous y verrez une gamme d’options de bois, allant d’un épicéa associé à du palissandre stratifié, ou encore des versions tout acajou ou tout koa pour notre édition limitée 50^e anniversaire. Sur le plan sonore, les modèles à table épicéa délivreront un son familier à la plupart des musiciens en raison de leur projection et de leur dynamisme dans les mediums. Les GS Mini acajou donneront une réponse légèrement plus boisée, plus sèche, tandis que des modèles koa émaneront des notes quelque peu plus scintillantes et une chaleur dans les graves qui deviendront plus prononcées au fur et à mesure que le bois vieillit.

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50th Anniversary GS Mini-e Rosewood SB LTD

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50th Anniversary GS Mini-e Rosewood SB LTD

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50th Anniversary GS Mini-e Rosewood LTD

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50th Anniversary GS Mini-e Rosewood LTD

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50th Anniversary GS Mini-e Rosewood LTD

Chaque association de bois de lutherie offre également un caractère visuel unique, et des modèles comme la GS Mini-e Koa Plus impressionneront sans aucun doute les musiciens et leur public grâce à leur superbe coloration. Les modèles accompagnés du descriptif « Plus » intègrent également des détails esthétiques plus raffinés, comme une finition entièrement vernie sur la caisse.

En parlant de visuels impressionnants…

N° 5 : la GS Mini est un support parfait pour notre gamme croissance de projets collaboratifs.

Si vous avez suivi Taylor ces derniers mois, vous avez peut-être remarqué la présence de quelques GS Mini au look particulièrement intéressants, certaines étant ornées de superbes œuvres d’art personnalisées. Il s’agit du résultat d’un nouveau programme que nous avons baptisé Taylor CoLabs.

CoLabs représente l’opportunité pour Taylor de nouer un partenariat avec des marques, artistes et autres organisations dont les missions semblent en harmonie avec les nôtres, instillant un nouveau souffle à nos designs et offrant le son Taylor à encore plus de gens qu’auparavant. Vous pouvez découvrir certaines de ces collaborations sur la page CoLabs [lien] et voir un aperçu des guitares GS Mini avec table personnalisée que nous avons conçues au fil des années dans notre article ici.

BONUS : la famille GS Mini accueille également une basse acoustique 4 cordes.

Arborant une forme et un diapason similaires à ceux de nos guitares GS Mini six cordes, la basse GS Mini a été configurée avec des cordes de basse pour diapason court spécialement formulées, que les pros des cordes chez D’Addario ont conçues spécifiquement pour Andy Powers, maître-luthier Taylor. Dotées d’un filage en bronze autour d’une âme en nylon, nos cordes de basse offrent des sensations douces et réactives avec une voix demeurant chaleureuse et vive… Pas facile avec une basse dotée d’un diapason de 23 pouces ½. Parfaite pour agrémenter de graves énergiques n’importe quel mix, la basse GS Mini offre la même portabilité et le même confort de jeu que sa cousine à six cordes, ce qui la rend facile à intégrer à vos bœufs pour les doter d’un peu de puissance dans les graves. Elle est également idéale pour l’apprentissage des plus jeunes. De plus, c’est un excellent outil pour travailler de nouvelles mélodies ou égrener les pistes de basse en studio. Visionnez ci-dessous RAM, compositeur et musicien Taylor, vous montrer comment il se sert de sa basse GS Mini en studio.

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Les options de modèles varient selon les années, mais la basse GS Mini est actuellement proposée selon deux variantes : la GS Mini e-Bass, équipée d’une table en épicéa massif et d’un fond et d’éclisses en sapelli stratifié, et la GS Mini e-Koa Bass, dotée d’une table en koa hawaïen associée à un fond et des éclisses en koa stratifié. Les deux versions comportent toutes deux notre électronique intégrée ES-B pour une amplification simplifiée.

Ne manquez pas de découvrir le reste de notre article spécial consacré aux GS Mini dans notre numéro de Wood&Steel, et rendez-vous chez votre revendeur local pour en essayer une !

Une guitare baryton aux riches tonalités viendra idéalement compléter votre équipement acoustique grâce à sa polyvalence. Découvrez votre nouvelle arme secrète.

 Lorsque j’ai vu une guitare baryton Taylor à 8 cordes pour la première fois, je me suis dit : « Quel drôle d’instrument... C’est exactement ce qu’il me faut. » J’ai abordé ce magnifique instrument comme un outil nouveau et très spécifique, sans imaginer en jouer un jour devant un large public. Une fois chez moi, j’ai réalisé que cet instrument était aussi né de la philosophie étape par étape qui caractérise les avancées du monde de la lutherie. Ainsi, l’évolution logique a non seulement fait de cette baryton à 8 cordes (et de sa version légèrement moins excentrique à 6 cordes) un instrument un peu curieux, mais également un support sur lequel un guitariste se sent immédiatement à l’aise.

Accordage

 Lorsque j’ai pu demander à Bob Taylor à qui cette guitare était destinée, sa réponse n’a fait que placer cet instrument encore plus haut dans mon estime. « C’est pour les vieux qui n’arrivent plus à atteindre les notes aiguës de "Have You Ever Seen The Rain" », m’a-t-il malicieusement répondu. Et c’est exactement ça : c’est une solution parfaite pour jouer vos chansons préférées tout en chantant des mélodies qui, sans cette guitare, serait hors de portée vocalement. Oubliez les transpositions ou les réaccordages ; prenez cette baryton, placez vos doigts comme pour un accord de Do, et vous obtenez un Sol dans toute sa splendeur. Et ce La aigu, qu’on retrouve dans tellement de chansons de Fogerty, de Journey, des Who, d’Eagles, etc., devient un confortable Mi. (Si cette partie sur les hauteurs de note et le chant est trop technique, vous pouvez consulter la leçon de chant « Hit Your Mark » dans l’édition Wood&Steel du printemps 2013)

 J’ai compris que dans sa réponse, Bob était quand même à moitié sérieux ; et, si quelqu’un sait de quoi il parle en matière de barytons, c’est bien Monsieur Taylor ! En effet, dans sa plaisanterie, il y a un fond de vérité. Les auteurs-compositeurs qui s’expriment à la guitare ont tendance à favoriser les tonalités les plus simples (Sol, La, Mi et Do notamment), ce qui signifie qu’ils doivent chanter des notes aiguës que le guitariste amateur lambda ne peut atteindre sans prendre de cours auprès d’un professionnel. La guitare baryton permet à un guitariste ou un interprète « normal » de jouer les chansons, de reproduire les accords originaux, mais la tonalité de ces accords est une quarte plus bas, ce qui permet au musicien amateur de rester juste au niveau vocal.

Contrairement à une guitare normale, où vous pouvez seulement monter d’un ton, la baryton, parce qu’elle est accordée une quarte en-dessous, vous permet de jouer en-dessous et en-dessus du ton.

 Je vous entends déjà dire, « Tout ça, c’est bien beau, mais si je ne veux pas de cette quarte ? J’ai peut-être juste besoin d’être un ton en-dessous... Ou de ne pas m’abaisser du tout, car j’apprécie tout simplement le son de la 8 cordes. » En fait, la solution est tellement simple que certains vont dire que « c’est de la triche ». Oui, je parle d’un capodastre. (J’ai choisi le capo Kyser pour 12 cordes, qui est celui qui remplit le mieux sa fonction.) 

Contrairement à une guitare normale, où vous pouvez seulement monter d’un ton, la baryton, parce qu’elle est accordée une quarte en-dessous, vous permet de jouer en-dessous et en-dessus du ton. Tout ce que vous avez à faire pour avoir une baryton avec un accordage classique, c’est de placer un capo sur la cinquième frette. Jouez un Sol : vous entendez un Sol. Mais si vous voulez jouer une chanson de Van Halen en Mi bémol, nul besoin de vous réaccorder. Descendez juste le capo d’une frette, jouez un Mi et vous obtiendrez un Mi bémol. Autre exemple : vous voulez jouer la version originale de « Yesterday » des Beatles. Descendez le capo de deux frettes : « Yesterday » est en Fa, mais McCartney la jouait en Sol avec un accordage un ton en-dessous. Vous préférez le rythme de «Hear My Train a Comin’ » d’Hendrix ? Placez un capo sur la première frette d’une baryton et… bonne chance (Hendrix était accordé deux tons en dessous !) ! Comme vous le voyez, la polyvalence de l’accordage grave suffit à susciter un intérêt pour la baryton… Mais ce n’est pas tout !

Texture, tonalité et faux son de basse

 Parmi les nombreuses vertus de l’accordage plus grave de la guitare baryton figure l’expression sonore d’accords et de notes qui placent le son du modèle baryton entre celui d’une guitare standard et celui d’une basse... ou comme je me plais à le dire, d’un violoncelle. La 8 cordes possède en plus l’avantage du bourdon des deux cordes d’octave intermédiaires qui donnent encore plus de plénitude au son, notamment dans le jeu en accords. 

 Parmi les applications de ces caractéristiques uniques, on peut citer : 1) une variation de la texture lors d’une session avec d’autres guitaristes en raison de cordes plus épaisses et des cordes à l’unisson (jouer à l’unisson un Sol, un Do et un Ré sur une guitare standard peut déjà enthousiasmer un auditoire) ; 2) les variations de tonalité des cordes, qui permettent à la guitare baryton d’être jouée dans des registres de fréquence différents, avec différents types d’accords ; et 3) la capacité de jouer de fausses lignes de basse. Ces deux dernières fonctionnalités mériteraient plus d’explications. Essayons donc de les illustrer grâce à des exemples.

 L’exemple 1 est la mélodie de la section A du vieux standard de bluegrass «  Arkansas Traveler », transcrit avec un accordage classique et une tonalité en Ré, avec des positions d’accords ouverts de type « cow-boy chords ». Rien que du très classique jusqu’ici. 

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L’exemple 2 est exactement la même mélodie, mais transcrite ici pour une guitare baryton. Si vous n’avez pas l’habitude des barytons, ne soyez pas désorienté : oui, sur le papier, la tonalité des accords a changé, mais lorsque vous jouez sur la baryton en tonalité de La, la guitare sonnera en tonalité de Ré. Comme vous l’avez certainement remarqué, non seulement la mélodie a changé de positions, mais les accords sont également différents. Encore une fois, comme la baryton est accordée une quarte en-dessous, l’accord de La sonnera comme un Ré. C’est un exemple d’utilisation de la baryton pour la tonalité des accords et les variations du registre des fréquences.

L’exemple 3 présente une ligne de basse pour une guitare standard. Si vous jouez sur une guitare normale, vous constaterez que l’exemple 3 fonctionne, mais que la ligne de basse manque d’épaisseur. 

À l’inverse, l’exemple 4, transcrit pour une baryton, est épais, riche et plein, comme doit l’être une ligne de basse.

Un nouvel instrument ?

 Au début du XVIIIe siècle, Bartolomeo Cristofori inventa ce que nous appelons aujourd’hui le piano, qui était une variation radicale du clavecin. Même si extérieurement, l’apparence physique du clavecin et du piano sont similaires, personne ne confondrait les deux sonorités. De plus, les deux instruments se jouent de la même manière, mais le plus grand contrôle de l’expression et la meilleure polyvalence sonore offerts par le piano ont obligé les compositeurs à repenser leur approche de la musique sur clavier et les ont aidés à créer des nouvelles œuvres musicales qui ont changé la musique à jamais.

 C’est sous cet angle que je considère et que j’entends la baryton à 8 cordes. 

 J’ai déjà dit à quel point je pense qu’une guitare baryton à 6 ou 8 cordes vient parfaitement compléter une collection de guitares, mais permettez-moi de parler de moi un instant et de suggérer que la seule limite de la 8 cordes, c’est votre imagination. 

 Personnellement, j’ai lentement mais sûrement composé une série de morceaux conçus spécifiquement pour la baryton à 8 cordes. Ces morceaux soulignent la texture individuelle, le ton et le timbre de l’instrument ; ils mettent en avant les harmoniques puissantes et résonnantes produites par la guitare ; enfin, ils exploitent les différences de registre extrêmes entre des cordes de basse non filées, doublées et filées. Ces morceaux ne peuvent pour ainsi dire être joués que sur une baryton à 8 cordes, c’est-à-dire sur une guitare produisant un son absolument unique. Et j’écris cette musique parce qu’elle désire être écrite. Finalement, c’est la raison pour laquelle la baryton 8 cordes me convient parfaitement : elle m’inspire. Elle encourage la création. Et elle y répond !