“Me di cuenta de que todos y cada uno de ellos se habían quedado sin trabajo”, dice. “Sus giras, sus conciertos; su equipo de producción, los pipas, los conductores de vehículos. Todo cancelado, incluso las actuaciones en restaurantes y cafeterías locales. El mundo de la música en directo al completo acababa de transformarse”.

Cuando la gente empezó a asumir los tiempos de incertidumbre que se avecinaban, Andy entendió que, a pesar del vuelco que había dado la vida tal como la conocíamos (y, más concretamente, la industria de la música), el hecho de tocar un instrumento iba a ser más importante que nunca. Y no solo para los profesionales de todo el mundo, sino también para los músicos aficionados y para cualquier persona que necesitara una vía para expresarse, especialmente en una época de distanciamiento social en la que todos nos tomamos nuestro tiempo para valorar qué es lo que realmente importa en la vida.

Andy recuerda haber meditado sobre lo que la gente podría necesitar (y lo que Taylor, como empresa, podría tener que hacer) al llegar una mañana a la planta con la producción ya detenida.

“Pasearse por una fábrica completamente cerrada produce una sensación muy extraña”, afirma. “Las luces están apagadas, no hay nadie, las guitarras esperan en sus estantes a que el equipo regrese”.

Y cuando el departamento de producción de California regresara al trabajo, ¿qué clase de guitarras iba a construir?

“Pensé: estamos en un momento extrañamente incierto, así que deberíamos producir guitarras para momentos inciertos volviendo a las raíces. Hagamos lo que podamos. Tenemos herramientas. Tenemos madera. Tenemos cuerdas de guitarra. ¿Qué tipo de instrumento satisfará las necesidades de alguien que se sienta con su familia a tocar sus canciones favoritas? Esa es la guitarra que queremos construir”.

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Keith Goodwin shares his thoughts on the warm tone and approachable aesthetic of the American Dream guitars.

Durante el parón de las operaciones (que en Taylor aprovechamos para adaptar la fábrica y establecer nuevos protocolos de seguridad), Andy y Bob Taylor pasaron mucho tiempo en el complejo discutiendo el camino a seguir para el desarrollo de nuestras guitarras y las estrategias de producción en esta nueva realidad. Andy sugirió algunas ideas para ofrecer una guitarra que consideraba apropiada para el momento y que podría fabricarse en nuestra planta de California. Hablaba de un instrumento utilitario que mantuviera la esencia de una gran guitarra (construcción en madera maciza, varetaje V-Class de Taylor, versatilidad para diferentes estilos) pero que pudiera producirse en los Estados Unidos y venderse a un precio más asequible.

“Proyecté estas guitarras con unos complementos muy espartanos; un instrumento muy modesto y sincero”, apunta Andy. “Cuando Bob y yo empezamos a hablar sobre ellas, me quedó claro que nuestras ideas iban exactamente en la misma línea”.

En cuanto a la selección de las maderas, los dos asumieron la idea de “cocinar con lo que hay en la despensa”, teniendo en cuenta la posible suspensión de la cadena de suministro de Taylor.

“Nos pusimos a revisar el inventario y también las piezas que habíamos dejado apartadas, que suelen tener un carácter más personal que las maderas que usamos en nuestras series estándar”, dice Andy. “Tenemos un sapele fantástico y unas tapas de caoba con la identidad especial que estábamos buscando. También disponemos de un montón de caoba para mástiles, además de ovangkol y una pícea magnífica. Todas estas piezas son maravillosas para hacer instrumentos; si aún no las habíamos utilizado era solo porque teníamos otras que se ajustaban más exactamente a los estrictos criterios de nuestro menú de guitarras”. (Para más información sobre el carácter de las maderas seleccionadas, echa un vistazo al recuadro del lateral “Maderas de categoría especial”).

La Grand Pacific marca el camino

Andy quería presentar la nueva guitarra con la forma de caja Grand Pacific de Taylor, reconocida por una voz robusta y una versatilidad musical capaces de abarcar mucho terreno con absoluta solvencia.

“El sonido generado por este diseño es muy polivalente”, afirma. “Para mí, la Grand Pacific es una acústica multiusos que responde igual de bien al rasgueo que al fingerstyle, al punteo o a un estilo más enérgico y contundente. La imagen que tenía en la cabeza era la de un grupo de familiares y amigos alrededor de una hoguera o en el jardín de su casa tocando canciones que todos pueden cantar. Y la GP es perfecta para una guitarra de acompañamiento”.

American Dream: ha nacido una serie

Tal como explicábamos en nuestro artículo de portada del último Wood&Steel (el número 97, edición 2 de 2020, que forma parte de nuestra primera versión digital a la que puedes acceder desde la pestaña Owners en taylorguitars.com), la capacidad de Taylor para responder a la irrupción de la pandemia es un testimonio del coraje y la determinación que siempre han impulsado la cultura de la compañía.

Los cofundadores Bob Taylor y Kurt Listug revivieron los recuerdos de las batallas de sus primeros días y todos los obstáculos que tuvieron que superar por el camino. Por eso, cuando llegó el momento de elegir un nombre para esta nueva serie diseñada por Andy, parecía apropiado rendir homenaje a la tienda de guitarras American Dream en la que Bob y Kurt se conocieron y que en 1974 compraron para convertirla en Taylor Guitars. Bajo el signo de la serie American Dream, estas guitarras encarnan la resistencia y el espíritu indomable de nuestra empresa.

Aunque Andy ni siquiera había nacido cuando Taylor Guitars fue fundada, una de las cosas que le han enamorado de la filosofía de Taylor es (tal como señaló en el último número de Wood&Steel) la forma en que Bob y Kurt han preservado “esa mentalidad batalladora y descarada de un novato emprendedor”. Y esa mentalidad, esa pasión, ese empuje incansablemente innovador para inspirar a las personas a hacer música no han hecho más que crecer desde la llegada de Andy, como cualquiera que esté mínimamente familiarizado con los muchos lanzamientos revolucionarios de Taylor durante los últimos diez años puede atestiguar.

Un diseño acorde con los tiempos

El núcleo creativo de las guitarras American Dream, y especialmente la sensibilidad de diseño orientada hacia la idea de “tienes todo lo que necesitas y nada que no necesites”, se remontan a los primeros experimentos de Andy con el varetaje V-Class y la forma de caja que acabaría convirtiéndose en el estilo Grand Pacific.

“Cuando trabajo con un concepto radicalmente nuevo, una de mis prácticas como luthier es destilar el diseño en el acabado más minimalista y el envoltorio más primitivo para ver exactamente lo que puede dar ese instrumento en su forma más básica”, comenta.

Este enfoque se manifiesta claramente en la evolución de la Serie Academy de Taylor presentada en 2017, que propone instrumentos reducidos a su más pura esencia para ofrecer la experiencia más gratificante posible a músicos en desarrollo con un presupuesto ajustado.

Simple yet striking appointments reflect the musically focused character of the American Dream Series.

En muchos aspectos, la serie American Dream sigue esa misma idea y la lleva más allá con características de nivel profesional: construcción en madera maciza, varetaje V-Class, bordes de la caja suavemente biselados, tono celestial, ergonomía premium y electrónica ES2 opcional. También tenía que ser una línea de guitarras que pudiéramos hacer en la fábrica de California para acelerar nuestra producción en el momento en que fuera posible reanudarla. La sobriedad de los complementos nos permitiría agilizar el proceso de fabricación y aportar valor añadido a nuestros clientes, ofreciendo las guitarras de madera maciza construidas en Estados Unidos más asequibles del catálogo Taylor por debajo de la Serie 300. (La nueva guitarra Taylor GT, que presentamos también en esta edición de Wood&Steel, se sitúa en el mismo nivel de precio).

Gracias al esfuerzo coordinado entre nuestros equipos de desarrollo y producción, pronto logramos tener las guitarras American Dream listas para su materialización. La planta de California retomó la actividad a tiempo completo el 18 de mayo, e incluso teniendo en cuenta el lapso necesario para que nuestros artesanos se adaptaran a los nuevos procedimientos de seguridad, configuraciones de puestos de trabajo y demás procesos modificados, en junio ya fuimos capaces de empezar a producirlas.

The American Dream Series launches with three Grand Pacific models.

Los modelos

La serie American Dream se estrena con tres modelos principales basados en nuestro inventario de maderas: dos guitarras con fondo y aros de ovangkol macizo y tapa de pícea maciza, y una tercera con fondo y aros de sapele macizo y tapa de caoba. Otra novedad es el uso de eucalipto ahumado para el diapasón y el puente (también presente en nuestros nuevos modelos GT, tal como detallamos en otro artículo de esta edición). El tipo de eucalipto que utilizamos se parece al ébano en cuanto a peso y densidad, de manera que es extremadamente duradero y resulta ideal para la fijación de trastes.

“Llevamos bastante tiempo experimentando con este material”, revela Andy. “Los diapasones y puentes de eucalipto suenan muy bien, y nos pareció que estas guitarras eran muy buenas candidatas para recurrir a esa especie”.

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Guitarist Nicholas Veinoglou introduces the American Dream Series.

AD17 / AD17e

Esta es nuestra primera guitarra Grand Pacific que combina ovangkol y pícea en una caja GP con varetaje V-Class. La gama tonal similar a la del palosanto y la calidez natural en los medios del ovangkol brillan en todo su esplendor, apuntaladas por unos graves claros y potentes y realzadas por la coherencia armónica entre notas ofrecida por la arquitectura V-Class. El amplio rango dinámico consolida la versatilidad de esta guitarra todoterreno, que responde perfectamente al fingerpicking más sutil y acoge con entusiasmo los ataques agresivos del punteo y el rasgueo. El tono también queda reforzado por un acabado mate ultrafino que minimiza la amortiguación, lo cual supone una ventaja añadida al ya notable sustain característico del sistema V-Class. En este modelo, el fondo y los aros de ovangkol recuerdan cromáticamente al palosanto con la aplicación de nuestro tinte oscuro Urban Sienna.

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Explore the features and appointments of the AD17.

AD17 Blacktop / AD17e Blacktop

Este modelo American Dream de ovangkol y pícea en color negro presenta un aspecto impactante que ofrece una alternativa visual a su prima-hermana de tapa natural. La elección estética de Andy se apoyó en la misma lógica que la selección de las maderas, es decir, el uso de materiales que estuvieran inmediatamente disponibles en la fábrica. En este caso, teníamos a mano pintura negra a base de agua de otro proyecto que habíamos emprendido, así que Andy hizo un prototipo con tapa negra mate y golpeador negro. Y el resultado le gustó.

“Es tan honesta como una camiseta negra”, compara Andy. “Va muy en la línea de la mentalidad de Henry Ford. Muchas de las guitarras que admiro, especialmente las construidas durante la Gran Depresión, guerras y otros acontecimientos igualmente perturbadores, tienen acabados hechos con los materiales que estaban al alcance”.

Los bordes de la caja oblicuos no cuentan con perfiles, pero el delicado acabado del contorno de la tapa revela el color natural de la pícea y da la sensación visual de una guitarra con perfiles. La ornamentación se complementa con una roseta de madera con anillos alternos en arce y color negro. En estos modelos, el fondo y los aros de ovangkol mantienen su color y abigarramiento naturales.

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Watch as Nicholas Veinoglou puts the AD17 through its paces.

AD27 / AD27e

Esta acústica American Dream con tapa de caoba combina la tonalidad oscura y el rico veteado de esta madera dura con una voz cálida y potente cuyas notas coherentes y carnosas se mezclan suavemente en todo el espectro musical. La tapa armónica ayuda a nivelar el ataque del intérprete con esa compresión natural de la caoba que lima cualquier rugosidad en el sonido, y funciona perfectamente con la amplificación de la pastilla ES2. Gracias a la potencia, la capacidad de respuesta y el sustain del combo V-Class/Grand Pacific, esta guitarra se adapta a prácticamente a cualquier estilo. Las líneas de walking bass nunca suenan pegajosas, los medios son dulces y redondos, e incluso los agudos exhiben una agradable profundidad que atraerá a los guitarristas hacia el registro superior.

Visualmente, los tonos de la tapa de caoba y del fondo y los aros de sapele se funden a la perfección gracias a los bordes oblicuos biselados, y el fino acabado mate subraya el carácter natural de las maderas de la guitarra.

Menos acabado, más personalidad

Más allá de las ventajas sonoras del acabado superfino (2 milésimas de pulgada), Andy dice que la intención era maximizar el carácter único de las maderas elegidas tanto a la vista como al tacto.

“Todos los aspectos de estos diseños apuntan hacia un ideal individualista”, confirma. “Incluso el tipo de acabado está deliberadamente mesurado y escogido para que la naturaleza particular de cada pieza de madera salga a la luz de una manera muy evidente. Sentirás la auténtica textura del veteado, porque estamos hablando de acabados finos y con poros muy abiertos. Sentirás la suavidad a la que “aspira” toda pieza de madera que pasa por el proceso de lijado. Y sentirás la anchura o la estrechez del veteado de la tapa de pícea en la forma en que el acabado se contrae en las vetas a medida que la madera envejece, lo cual le da a la guitarra una identidad propia. Cada uno de estos instrumentos se convierte en un individuo único”.

Maderas de categoría especial

En un episodio reciente del podcast de Taylor From the Factory [link], los miembros de nuestro equipo de marketing Cameron Walt y Jay Parkin hablaron con Andy sobre las nuevas guitarras American Dream. Durante la charla, Andy ayudó a contextualizar el concepto de las maderas con “categoría especial” seleccionadas y sus diferencias respecto a la clasificación de los materiales utilizados en otras guitarras de la línea Taylor.

“Como artesanos de la madera, las piezas que usamos parten de inicio desde la élite”, argumenta Andy. “Trabajamos con la crème de la crème de un pequeño porcentaje de los cortes más exactos e inmaculados de las piezas de madera disponibles. De ahí para arriba, clasificamos esos materiales en grupos apropiados para cada modelo o diseño”.

Un buen ejemplo de ello es la pícea de Sitka, que utilizamos para varias series en la línea Taylor. Lo hacemos así para que las guitarras de un modelo en particular o de una misma serie sean absolutamente homogéneas entre sí.

Las piezas de madera que Andy clasifica como “categoría especial”, y que fueron elegidas para nuestras guitarras American Dream, cumplen con nuestras máximas especificaciones para construcción de instrumentos. Pero, por una u otra razón (a veces simplemente cosmética), se consideran casos aparte.

“Sabemos que estas maderas servirían para construir guitarras increíbles, pero las apartamos y las dejamos en espera para otros proyectos porque no entran en el espectro de clasificación que hemos definido para nuestros modelos habituales”, aclara Andy. “Las guitarras American Dream son la oportunidad perfecta para darles vida a esas piezas de madera “huérfanas”, los casos aparte. Tienen una personalidad asombrosa y un sonido espectacular. Por lo tanto, podemos remarcar deliberadamente el carácter único e intransferible de cada una de estas guitarras”.

Singer-songwriter Shane Hall was among the first to demo the new AD17e Blacktop.

La opinión de la crítica

El verano pasado enviamos varias guitarras American Dream para que los especialistas las evaluaran, y las primeras reacciones han sido tremendas.

Art Thompson, de Guitar Player, probó la AD27 para la edición de octubre de la revista y destacó los aspectos que le parecieron más gratificantes del varetaje V-Class: “entonación absolutamente coherente en todo el mástil” y “un sustain acentuado que siempre hace que una guitarra acústica sea más agradecida de tocar”.

“La AD27 emite una voz clara y rotunda con una agradable complejidad en los medios y mucho músculo en los graves”, escribe. “Y la forma en que esta guitarra tan ligera transmite las vibraciones de las cuerdas a través de la caja y el mástil es increíble. Tiene una resonancia y dinámica de primera, y la capacidad de respuesta al tacto encantará a los intérpretes de fingerstyle”. Esta guitarra ganó el premio Editors’ Pick (la “favorita del editor” de la publicación.

Por su parte, Emile Menasché, de la revista Acoustic Guitar, tuvo una AD27 durante varias semanas y le pareció muy lograda en varios aspectos. Además, percibió inmediatamente algunos de los rasgos distintivos de la personalidad del diseño Grand Pacific de Andy.

“El tono es más profundo que el de prácticamente todas las acústicas que he tocado”, sostiene. “Esta guitarra suena redonda y plena, pero no opaca. Los agudos son claros y articulados, y están acompañados por unos ricos subarmónicos que le dan un sello de autoridad a cada nota”.

La AD27 volvió a demostrar lo que él considera uno de los puntos fuertes característicos de Taylor: “un sustain marcado unido a una caída compleja repleta de armónicos brillantes”.

Menasché también se divirtió explorando el rango dinámico.

“Las notas punteadas y los arpegios vibran con dulzura, y los acordes rasgueados pueden sonar grandiosos y contundentes”, afirma. “La AD27 resistió a mi temible mano derecha tanto física como acústicamente. Nunca perdió la compostura ni sonó estridente por muy fuerte que la atacara”.

En definitiva, le pareció un caballo de batalla muy versátil.

“Puse a prueba a la AD27 con todo mi repertorio: melodías suaves, blues con bendings agresivos, alegre gypsy jazz, rasgueos a lo Pete Townshend, punteos country y ataques y pellizcos al estilo de los bajistas. Esta Taylor lo aguantó todo sin despeinarse. Y también es cómoda de tocar durante períodos largos: al final de mis sesiones con la AD27, tenía las manos mucho menos cansadas de lo habitual”.

Tras el estreno a principios de este año de nuestros modelos GS rediseñados (la 816ce Builder’s Edition de palosanto y pícea de Lutz y la K26ce íntegramente de koa), queríamos llevar la resonancia de alta fidelidad de la nueva caja a otro segmento más accesible de la línea Taylor. La Serie 300 nos pareció la elección natural: es muy popular entre músicos de todo pelaje, y se sitúa en la intersección entre la excelencia de la interpretación premium y la solvencia de los modelos más utilitarios. Hace poco presentamos al mundo la madera Urban Ash con la 324ce Builder’s Edition, y la 317 fue la primera en seguir la estela del tándem inicial de guitarras Grand Pacific, las 517 y 717 Builder’s Edition. Así que, una vez más, la Serie 300 dará la bienvenida a un diseño que en nuestra opinión merece estar en manos de más guitarristas.

La radical puesta al día de la caja Grand Symphony parece remar en contra de la tradición… pero como ya hemos visto en tantas ocasiones, así es como funciona la innovación en Taylor. El cambio más visible es la inclusión de un cutaway en formato de abertura alojado debajo del registro agudo del diapasón. Visto de frente, el contorno inferior sigue la línea visual de un cutaway florentino con su «cuerno» afilado. Sin embargo, si miras la Grand Symphony desde atrás, verás que la parte posterior ha quedado totalmente intacta, en una configuración que une las ventajas de un cutaway con la capacidad pulmonar de la caja GS.

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Lance Allen plays his song “Rest Your Way Home” on the new Taylor 326ce.

La propia abertura también ejerce una poderosa influencia sobre la respuesta musical de la Grand Symphony. Está esculpida con una inclinación de unos 45 grados respecto a la tapa, lo cual modifica la forma en que las vibraciones se dispersan desde la guitarra y a través del espacio. Este diseño saca partido a la impresionante capacidad de aire de la caja para producir un efecto de inmersión que parece situar al oyente en el centro de un campo de sonido envolvente.

“Uno de los rasgos más fascinantes de nuestra nueva Grand Symphony es la forma en que el sonido florece y se va tiñendo de diferentes colores musicales a medida que flota por el aire.”

La unión de maderas macizas (caoba en la tapa y Urban Ash en fondo y aros) con el varetaje V-Class lleva a su máxima expresión las imponentes cualidades musicales de este tipo de caja. La madera Urban Ash, obtenida de forma responsable a partir de árboles retirados en áreas municipales de California, ofrece unos medios robustos con un pronunciado foco en las fundamentales que recuerdan al tono de la caoba hondureña con mucho tiempo de crecimiento natural. El carácter definido y contundente de la combinación de maderas duras de la 326ce se manifiesta en todo su potencial de la mano de la arquitectura V-Class. Todos los modelos equipados con este sistema de varetaje se caracterizan por sus mejoras en el volumen, el sustain y la entonación. Y, en este caso, tanto la caoba como la Urban Ash despliegan su personalidad esencial con un tono cálido y “amaderado” que mantiene la claridad y la articulación mientras se propaga por el ambiente de la sala. Uno de los rasgos más fascinantes de nuestra nueva Grand Symphony es la forma en que el sonido florece y se va tiñendo de diferentes colores musicales a medida que flota por el aire. Esta experiencia invita a los intérpretes a dejar respirar las notas y acordes, y en un contexto de grabación abre todo tipo de posibilidades para experimentar con la colocación de micrófonos en busca de distintas texturas acústicas.

The 326ce features Italian acrylic peghead and fretboard inlays in our Gemstone design.

Other details include black binding with contrasting edge trim and a three-ring rosette.

An Urban Sienna stain complements the dusky tone of Urban Ash.

El rediseño de la GS también ha mejorado la comodidad de interpretación y la capacidad de respuesta general gracias a la escala de 631,8 mm (ligeramente más corta) y a las cuerdas de calibre fino, que quizá puedan resultar algo inesperadas en una caja de este tamaño.

Estéticamente, el cutaway en formato de abertura presenta una cubierta de Urban Ash que combina a la perfección con el fondo y los aros. Por lo demás, la 326ce comparte la mayor parte de sus atributos visuales con la Serie 300, con complementos estándar como los perfiles en negro con un sutil fileteado a rayas en blanco y negro alrededor de la tapa y la roseta de anillo triple a juego. El toque final lo ponen las incrustaciones de acrílico italiano con diseño Gemstone en el diapasón y el clavijero, los afinadores con acabado negro satinado, el golpeador negro y nuestro tratamiento de color Urban Sienna (tapa, fondo, aros y mástil) con tapa shaded edgeburst y acabado satinado. La 326ce cuenta con nuestra electrónica ES2 y se distribuye en un estuche duro deluxe Taylor.

Con su voz radiante y una rotunda proyección sonora, la 326ce promete convertirse en una herramienta expresiva irresistible para cualquier guitarrista que quiera ampliar sus horizontes acústicos.

El cambio más significativo es la inclusión de nuestro apoyabrazos radiado en modelos tan populares como las guitarras 814ce, 812ce y 812ce 12-Fret. El apoyabrazos contorneado está esculpido en el lado de graves del lóbulo inferior de la caja, y ayuda a aliviar parte de la presión que soporta la mano que pulsa las cuerdas para ofrecer una sensación de rasgueo o punteo más cómoda y relajada.

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Watch a radius-style armrest being crafted at the Taylor factory.

La producción de este apoyabrazos radiado requiere un trabajo muy fino por parte de nuestros artesanos más capacitados. Los apoyabrazos de la Serie 800 se construirán con palosanto de las Indias Orientales a juego con el fondo y los aros, y se complementarán con perfiles de arce para lucir un atractivo contraste visual. Las guitarras 814ce y 812ce cuentan con clavijas de afinación de níquel ahumado Taylor, y el modelo 12-fret presenta afinadores de ranura recta de níquel con clavijas de ébano.

Algunas guitarras de la Serie 800, como la 812ce-N de cuerdas de nylon, se quedarán como estaban y no experimentarán modificaciones este año. Por su parte, las recientes Grand Symphony 816ce Builder’s Edition y Grand Orchestra 818e mantendrán las especificaciones actuales que les dan una personalidad única dentro de la serie. Las nuevas guitarras de la Serie 800 estarán disponibles este otoño a través de los distribuidores autorizados de Taylor, tanto en tiendas físicas como por Internet.

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Lindsay Love, our Artist and Community Relations Manager, plays the new 814ce and 812ce.

La grabación doméstica se ha popularizado mucho gracias a las innovaciones en la tecnología y a la creciente disponibilidad de equipos relativamente asequibles. Este sector ha evolucionado desde los grabadores de cinta de cuatro pistas hasta llegar a las estaciones de audio digital (o DAW, de digital audio workstation) y las interfaces de audio. Cuando yo empecé en esto, no había muchos recursos para aprender a grabar en casa. Podías encontrar algunos libros en la biblioteca, pero en la era pre-Internet las opciones eran muy limitadas. Mi padre, cantautor, llevaba años grabando en el estudio casero de un amigo, primero en máquinas de cinta de cuatro y ocho pistas y luego en ADAT. La mayoría de la gente usaba equipos analógicos o sistemas digitales integrados de primera generación, aunque la grabación basada en software iba creciendo rápidamente.

Mi primera sesión en un estudio de Akron (Ohio) se grabó en cinta magnética de dos pulgadas. Yo quería componer y grabar canciones, así que me compré una de las primeras interfaces USB del mercado y el micrófono de condensador más barato que encontré en mi zona. Empecé a experimentar y me enamoré para siempre del proceso de grabación, que se acabó convirtiendo en una parte muy importante de mi carrera.

He tenido la inmensa suerte de trabajar con Taylor Guitars en varios proyectos como The Acoustic Sessions, Coffee & Guitars, el podcast From the Factory y, ahora, el Music Together Project (lee la sección Resonancias de esta edición de Wood&Steel). También soy uno de los administradores del grupo de propietarios de guitarras Taylor en Facebook y colaboro como moderador en otro grupo dedicado a la grabación doméstica.

Bien; pongamos que te has comprado tu primera interfaz de grabación y quizá incluso un micrófono. ¿Y ahora qué? Aquí tienes algunas de las preguntas sobre la grabación de guitarras acústicas más habituales en las publicaciones de mis grupos en Internet.

¿Cuál es la mejor guitarra para grabar?

Las combinaciones de maderas y la forma de la caja desempeñan un papel determinante en la selección de una guitarra para tocar en casa o con una banda… y, claro, también en el resultado final de tus grabaciones. No hay reglas estrictas que dicten lo que sirve y lo que no: igual que ocurre con la elección de una guitarra, es una cuestión de preferencias personales. Si te gusta rasguear sin contemplaciones para tocar folk y bluegrass, una Grand Pacific con fondo y aros de palosanto o caoba te irá muy bien. En cambio, una Grand Auditorium de la Serie 600 con fondo y aros de arce puede ser perfecta para encajar bien en una mezcla. Quizá quieras tocar una delicada pieza de fingerstyle con una Grand Concert, o buscar un sonido más orquestal con una Grand Symphony. O podrías subvertir completamente estas ideas y optar por una vía que no tenga nada que ver. Aquí no hay decisiones equivocadas, sino distintas opciones creativas. Los que me conocen saben que me encanta la caoba. Mi primera Taylor fue una 514ce que me compré en el 2005 y con la cual grabé un disco entero. Cuando me hice con mi 517 WHB Builder’s Edition, se convirtió inmediatamente en la pieza central de mi arsenal de guitarras. Actualmente tiendo a usar la 517 WHB Builder’s Edition para rasguear con el tono cálido y «asilvestrado» de la caoba y una 814ce de palosanto y pícea para casi todo lo demás.

“La tapa de la guitarra mueve el aire, de manera que siempre es recomendable dejar algo de espacio entre el micrófono y la tapa para capturar ese movimiento.”

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What is the best way to mic an acoustic guitar?

¿Cuál es la mejor colocación de micrófonos para una guitarra acústica?

La posición de un micrófono es mucho más importante que el modelo que utilices, y mover un micro durante el proceso de grabación puede ser una solución claramente más útil que cualquier cosa que se te ocurra para modificar el sonido ya registrado. Para empezar con buen pie, lo mejor es entender cómo capturar la mejor imagen sonora de la guitarra para que se ajuste a lo que buscas.

Si estás grabando una acústica para una pieza instrumental, puedes usar varios micrófonos para captar la gama completa de sonidos que irradia la caja. Así lograrás transmitir una experiencia inmersiva que incluirá no solo el sonido de la guitarra, sino también el ambiente de la sala. A veces, los ingenieros colocan dos micrófonos idénticos en una configuración XY estéreo que refleja la forma en que escuchan los oídos para situar al oyente justo enfrente del instrumento. En una mezcla de pop o rock, te bastará con un único micrófono para poner el foco en las cualidades percusivas de la guitarra y conseguir que se abra paso en un contexto de banda. Normalmente, yo utilizo entre uno y tres micrófonos para grabar una guitarra acústica, aunque mi punto de partida es casi siempre el mismo.

The mic is positioned 12 inches away from the guitar.

Si has buscado “grabación de guitarra acústica” en Google o YouTube, es posible que hayas encontrado contenidos que recomiendan colocar el micrófono cerca del traste 12 o del punto de unión entre el mástil y la caja. La idea es evitar que el micrófono apunte directamente a la boca del instrumento, que genera ese fuerte «soplo de aire» en el que tanto insistía Andy Powers cuando se estrenaron los nuevos modelos Grand Pacific.

Por mi parte, yo suelo empezar con una posición ligeramente distinta. A mí me gusta orientar el micrófono hacia el lado de agudos del lóbulo superior de la caja (la parte del cutaway) desde unos 30 centímetros de distancia. Si veo que el sonido es muy retumbante, abro ligeramente el ángulo del micrófono respecto a la boca. Cuando alguien me comenta que la guitarra le ha quedado demasiado brillante o «fina» en una grabación, lo primero que le pregunto es dónde colocó el micrófono. La mayoría de las veces, la respuesta es que el micro apuntaba efectivamente a la zona del traste 12 pero estaba situado a solo unos 5 centímetros del mástil, lo cual elimina toda la resonancia y el cuerpo del sonido. Cuando pruebes diferentes posiciones de micrófono, ten en cuenta que la tapa de la guitarra mueve el aire, de manera que siempre es recomendable dejar algo de espacio entre el micro y la tapa para capturar ese movimiento.

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What’s the best microphone for recording an acoustic guitar?

¿Cuál es el mejor micrófono para una guitarra acústica?

Esta es una pregunta muy común en foros y grupos de Facebook de grabación doméstica. Hay tres tipos de micrófonos que se suelen utilizar para guitarras acústicas.

Micrófonos dinámicos

Los micrófonos dinámicos, como el omnipresente Shure SM57, cuentan con una bobina móvil adherida a un diafragma (una membrana) y unida a un imán. Cuando las ondas sonoras impactan sobre la membrana, el diafragma genera una vibración (igual que el cono de un altavoz) y la bobina se mueve con él. El desplazamiento de la bobina altera el campo magnético y se convierte en una señal eléctrica. Este funcionamiento requiere un nivel de presión sonora relativamente alto para producir sonido, así que estos micrófonos se utilizan normalmente en actuaciones en directo aunque también son válidos para la grabación. A diferencia de lo que ocurre con una caja de batería o un amplificador de guitarra eléctrica, por ejemplo, los micrófonos dinámicos necesitan una ganancia bastante elevada para capturar fuentes comparativamente sutiles como una guitarra acústica. Además, estos micros son unidireccionales, lo cual significa que solo «escuchan» el sonido por un lado.

The Shure SM57 remains one of the most popular recording microphones on the market.

Micrófonos de cinta

Los micrófonos de cinta, como el Royer R-121, siguen un principio similar. Sin embargo, en lugar del diafragma y la bobina utilizan una fina lámina metálica suspendida en el centro del micrófono, de manera que captan el sonido procedente de ambos lados (son bidireccionales). Este tipo de micros, igual que los dinámicos, suelen requerir una ganancia muy alta. Una excepción es el Audio-Technica AT4081, que recibe una corriente de 48v enviada desde la interfaz o mesa de mezcla a través del cable del micrófono y conocida como alimentación phantom.

L-R: Cascade Fat Head II ribbon mic, Audio Technica AT4081 ribbon mic, Audio Technica AT4080 condenser mic

Micrófonos de condensador

Los micrófonos de condensador, como el Shure SM81 o el Audio-Technica AT4040, son un poco más complejos. Se basan en un diafragma acoplado a una placa metálica electrificada cuya salida se envía a un circuito que refuerza la señal internamente, lo cual permite captar el sonido con mucha más sensibilidad. Todos los micrófonos de condensador requieren el uso de alimentación phantom, excepto algunos modelos que operan con batería para uso remoto. Una de las características de los micros de condensador es el tamaño de su diafragma: los modelos de diafragma grande generan un ruido ligeramente menor, mientras que los de diafragma pequeño graban con algo más de detalle. En cualquier caso, ninguno es intrínsecamente mejor que otro por esta razón. Si se colocan dos diafragmas uno frente al otro, estos micrófonos también se pueden utilizar con patrón multidireccional.

La verdad es que no se puede decir que haya un micrófono objetivamente mejor que los demás. Existe una amplia variedad de tipos de micrófono que pueden servir para colorear el sonido de muchas formas. Si estás empezando en la grabación, probablemente un micro de condensador de diafragma pequeño sea el más fácil de usar. Una alternativa innovadora e interesante podría ser un micro de condensador que utilice tecnología de modelado digital en forma de plug-ins para replicar las características de otros micrófonos. El Slate Digital ML-2, por ejemplo, es una opción magnífica para obtener un montón de sonidos con un solo micrófono y por poco dinero.

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Can I record my guitar by plugging in with the ES2?

¿Se puede conectar la guitarra directamente al grabador?

Si tu guitarra acústica dispone de una pastilla integrada, ahí tienes otra solución fácil para grabarla. Yo he conseguido muy buenos resultados con la electrónica ES2 de Taylor. Aunque un micrófono siempre capturará mejor la voz natural de la guitarra, el sistema de pastillas ES2 es perfecto para dar tus primeros pasos y puede ser un excelente complemento al uso de un micrófono. De hecho, cuando tengo que grabar instrumentos para vídeos como los de las Acoustic Sessions, llevo conmigo un cable de guitarra y una caja DI para grabar desde la pastilla además de con el micrófono. Así, tengo una fuente de audio de reserva por si se da el caso de que en la sala se escuche algo de ruido o que el artista se mueva respecto a la posición ideal del micrófono. Esta grabación de apoyo también puede ser útil si el intérprete toca delicadamente o puntea muchas secuencias de una sola nota, ya que en esas situaciones la pastilla aporta definición. Una caja DI convierte la señal de alta impedancia de un cable de instrumento estándar en una señal de baja impedancia apta para un cable de micrófono. Algunas interfaces de grabación incluso tienen una DI integrada como entrada de instrumento. Sin ir más lejos, la frase de guitarra que suena en la presentación de los vídeos de Acoustic Sessions es mi 814ce conectada y grabada directamente a través de la pastilla ES2.

Es importante subrayar que la señal que se graba desde una pastilla suena diferente a la que se escucha por un sistema de PA, ya que en ese caso pasa por una mesa de mezcla, se le añade ecualización y compresión y acaba emitida por unos altavoces que mueven el aire en el espacio en el que se encuentra el oyente. De cualquier forma, la señal directa se puede retocar sin problemas durante la mezcla y sigue siendo un gran recurso para la grabación.

Espero que estos consejos te ayuden con tus primeras experiencias. Igual que el propio hecho de tocar la guitarra, la grabación y mezcla de audio es un campo de conocimiento para desarrollar y disfrutar, y ofrece una forma igualmente maravillosa de capturar y compartir música.

Para empezar con buen pie, le pedimos al guitarrista, compositor y productor de múltiples géneros Nicholas Veinoglou que compartiera con nosotros algunos consejos básicos para darle color al tono de tu guitarra, relajar el brazo del diapasón y sacarle el máximo partido a tu tiempo de práctica.

Punto de pulsación y colores tonales

En su primera intervención, Veinoglou explica cómo las variaciones de posición de la mano con la que pulsas las cuerdas pueden aportar brillo o calidez al tono, según el sonido que estés buscando. Veinoglou compara este efecto con los cambios de pastilla de una guitarra eléctrica, en la que la pastilla del puente y la del mástil generan colores tonales diferentes. Muchos intérpretes de guitarra acústica mantienen la mano con la que rasguean o puntean en una misma posición, normalmente cerca o justo encima de la boca del instrumento. Sin embargo, Veinoglou demuestra cómo el movimiento de la mano hacia el mástil o el puente altera el sonido radicalmente. Si tocas cerca de la selleta, donde las cuerdas dan más sensación de rigidez, escucharás un tono mucho más brillante y con los agudos reforzados. Y, si te acercas a la extensión del diapasón, tendrás un sonido más cálido y redondeado. Tal como dice Veinoglou, este es un recurso excelente para añadir color y dinámica tonal a tu música.

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Work on relaxing your fretting hand to make chords sound clearer and reduce the strain on your wrist.

Presión relajada

A continuación, Veinoglou habla de la tendencia habitual de los principiantes a tensar la mano del diapasón, sobre todo cuando aprenden nuevos acordes o líneas melódicas. La digitación de acordes, y especialmente de los que tienen formas tirando a complejas, puede ser un desafío muy frustrante para muchos novatos atormentados por las notas sordas o zumbantes. Una forma instintiva de compensar estas deficiencias es apretar más las cuerdas, pero Veinoglou muestra que solo hace falta una ligera presión para que las notas suenen con claridad. En lugar de apretar las cuerdas como si te fuera la vida en ello, lo que hay que hacer es relajar el brazo, la muñeca y la mano. Esto te ayudará a ajustar la posición de los dedos para evitar notas sordas, y te mantendrá a salvo de calambres en los dedos y posibles problemas de muñeca.

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Break your practice routine into smaller chunks focused on specific skills.

Ejercicios enfocados

Por último, Veinoglou sugiere una estrategia de práctica alternativa para que el tiempo que pases con la guitarra sea realmente productivo. El hábito de reservar un rato largo para tocar (como una hora al día, por decir algo) puede llevarnos más fácilmente a distraernos y perder la concentración. Por lo tanto, prueba a reducir la práctica a intervalos de 15 a 20 minutos y tómate un descanso entre ellos. Dedica cada bloque a un aspecto específico, e intenta evitar posibles interrupciones (puedes poner el móvil en modo avión, por ejemplo). Esto te ayudará a centrarte y a ejercitar mejor las técnicas que quieras perfeccionar.

“I am often surprised by how little songwriters and musicians know about the music business itself, and even less about the publishing business.”

Si tú eres un artista/Compositor y recibes una petición para hacer una canción, NO te promuevas como un artista. Eso no es lo que te están pidiendo. Numerosas compañías de publishing , supervisores de música para cine/TV y agencias de publicidad, reciben miles de canciones, y ellos están buscando una gran canción, no un artista. 

Si usted es un artista, el micrófono abierto y el A&R de hoy se llama You Tube! Miles de canciones y de artistas se han descubierto gracias a You Tube y plataformas similares. No es un secreto, solo tienes que abrir un canal de You Tube. Mucha gente de la industria está buscando a la próxima estrella usando esta plataforma. Por ejemplo, nosotros descubrimos una increíble artista de Filipinas co-escribió su primera canciónSi lanzada por una multinacional de la música “Could I love you Any More” en dueto con Jason Mraz. Dominique cuenta ya con mas de 100 Millones de reproducciones en You Tube. ¡Funciona, solo empiece! 

Si es un escritor, Recuerde que tiene que escribir diariamente. Siga escribiendo canciones hasta que escriba una increíble. Co-escriba con otros escritores. Aunque usted no sea un cantante, salga y cante en frente de varias personas. Sea un “cantante/escritor” Si no puede hacerlo encuentre un cantante que toque sus canciones. No hay mejor espejo que le ayude a saber si escribió una gran canción que la gente a la que la esta escuchando. Esto le ayudara a fortalecer su confianza en si mismo. Pero no confunda la opinión de la audiencia con la de un profesional. 

Ahora hablemos de posicionar sus canciones  
Identifiquemos algunos de los canales que existen y como podemos aproximarnos a ellos. 

Posicionar con un artista su canción. 
En nuestra experiencia, el relacionarse con un artista carismático con mucha atracción, preferiblemente antes de que sean firmados por un sello disquero, es la mejor manera de posicionar tu canción y que sea lanzada. Haga un estudio. Encuentre el artista que puede dar a su canción un sello único. Tal vez un primo suyo sepa de una artista que va mucho a un restaurante especifico, utilice todas sus conexiones. 

Producción de una librería de música 
Otra forma de posicionar sus canciones es escribir para estos canales de distribución. Música para producciones, también conocida como música de stock o librería de música, es una fuente muy popular de supervisores musicales donde tienen acceso a miles de canciones. Algunos compositores que quieren llegar a ser descubiertos usan este canal para ser escuchados. La gran ventaja de estas librerías es que puedes ganar algo de dinero mientras creces como compositor, lo malo es que puedes dar demasiado porcentaje de tus canciones y los contratos pueden ser largos y confusos, por esto es importante que te asesores de un abogado especialista. Recuerda que mientras mas gente escuche tus canciones mas puertas de oportunidad se pueden abrir para ti. 

Cine/TV/Publicidad
(Josquin Des Pres) 
No mucho tiempo atrás, un amigo llego con una idea en la cabeza de una canción que había escrito para una reconocida marca de café. La canción tenia un coro fuerte, pero existía un gran problema. Esta marca particular de café no estaba invirtiendo en publicidad en radio o TV y además de todo no habían cambiado su jingle en décadas. Mi amigo cometió el error de pensar que sabia lo que el cliente quería. Muy importante, no se le olvide investigar bien primero. Décadas atrás me di cuenta que hacer canciones sin ningún tipo de investigación no me llevaría a nada concreto. La mejor manera de llegar a algo concreto es hablar con los supervisores musicales que existen en diferentes producciones, de esa manera conseguiremos tener una mejor guía para hacer la música que ellos realmente están buscando. Esto dio frutos cuando empecé a componer canciones para MTV en especifico para sus “Reality shows”, yo llamaba a los supervisores musicales y ellos me daban una idea de lo que estaban buscando, de esa manera siempre entregaba lo que estaban buscando. Durante una década logré posicionar mas de 400 cortinas musicales además de canciones. Este volumen de sincronizaciones musicales se logra con mucha diciplina y mucho trabajo, es importante que dejes el ego de artista afuera del estudio y solo concéntrese en la música, esto finalmente lo llevara a ser más creativo.

Conoce las reglas
En el momento que entras al mundo de sincronizaciones para Cine/TV es muy importante que sepas las reglas del juego. Muchas veces me sorprende encontrar compositores que saben muy poco de ese mundo y quieren entrar sin saber quien maneja que, recuerda el dicho “Preparación más oportunidad es igual a triunfo” Muchas veces los compositores no tienen idea de cuales son las funciones de un supervisor musical o de un A&R. Veamos abajo una corta lista de descripciones y algunos términos importantes de la industria a la hora de sincronizar tu música. 

Organización de derechos de autor 
Para recibir regalías de tus canciones estas deben de estar inscritas en una organización de derechos de autor. (PROs) alrededor del mundo. Estas regalías son recolectadas por las (PROs) BMI, ASCAP, SESAC, SOCAN,PRS, etc.)Para los derechos de reproducción (TV, Cine, restaurantes, salas de cine, etc) 

Editora de música
Una editora de música trabaja con compositores y escritores para promover y vender las canciones. Ellos son los que les muestran su canción a diferentes productores y ejecutivos disqueros con la idea que se puedan vender sus canciones. Estas compañías también funcionan como administradoras. Esto no es absolutamente necesario pero es recomendable, también como compositor y escritor puedes contratar un administrador si es que decide no hacerlo solo. 

Administrador editorial de música.
Un administrador editorial de música es el responsable de administrar las regalías de publicación de sus canciones. Desde un modelo de administración, el derecho de autor se conserva con el escritor. (Ejemplo el compositor) De esta manera el compositor no tiene que preocuparse por recolectar las regalías, esto normalmente puede costarle entre un 10-15 por ciento de las regalías recolectadas. Importante, sus regalías de reproducción vienen directamente de la PRO en la cual ya esta inscrito. 

Licencia de uso del master 
Cualquiera que sea el dueño de la grabación es dueño del master y de la licencia de uso, ya sea para reproducción o para posicionarlo en alguna producción. La grabación de la canción puede tener varios dueños, pero el que mas cuenta es el dueño de la licencia de Master. Puede que sea un sello independiente, o el mismo compositor que la grabó. Esto es extremadamente importante a la hora de sincronizar una canción.  La licencia la da la editora con la que este firmada la canción. 

Licencia de sincronizacion 
Esto significa la licencia para que su canción pueda ser usada por películas o programas de televisión. “Sincronización” simplemente significa el uso de su composición en la pantalla grande o chica. No hay nada extraño o complicado atrás de esto. 

Supervisor Musical 
El supervisor musical tiene la labor de escoger la música que más se acomoda a una producción, el tiene el conocimiento para saber cómo maximizar la producción con su música. El supervisor musical supervisa la parte ejecutiva de la creatividad. Esto incluye ser el responsable de manejar el presupuesto destinado para la música de la producción. Ellos también trabajan de la mano con los directores y productores y tienen sesiones de análisis de la música para determinar cual es la mas adecuada para el proyecto. Lo mas temprano que se pueda hablar con el supervisor musical el mayor chance de que puedas posicionar tus canciones. Muchas veces los directores quieren canciones con demasiado costo por su costo, así que el supervisor musical esta para aconsejar cual es la canción más costo eficiente para la producción. 

El mundo está escuchando
Usted quiere tener a su mano cualquier forma de generar dinero con su música. Mientras que la mayoría de plataformas de reproducción están disminuyendo, hay mas oportunidades que nunca para que sus canciones sean escuchadas en cine y televisión, esto para escritores y para artistas. Esto también puede ayudar a expandir la lista de fans a parte de dar una increíble hoja de vida. 

Recuerde, películas y programas de televisión necesitan canciones de todos los géneros, y también canciones que suenen a diferentes décadas.

Así que investigue en refinar su talento y gane mientras lo hace. 

Josquin Des Pres es un musico, escritor y emprendedor de la música, cuyos créditos incluyen la co-escritura de muchísimas canciones junto a Bernie Taupin (Elton John) y como Winston Sela, Michael Natter y muchos finalistas del programa American Idol. Des Pres, también a compuesto las canciones para mas de 40 programas de televisión, y produjo mas de 60 CD’s para sellos disqueros independientes y multinacionales, también a escrito varios libros acerca del negocio de la música. 

Michael Natter es conocido por su colaboración junto al ganador del Grammy en la categoría de escritor, compositor e interprete Jason Mraz (Quien es un artista Taylor) con la canción “I won’t give up” esta es una de las cuatro canciones escritas junto a Mraz del álbum multiplatino Four Letter Word.La esposa de Michael, Nancy lo acompaño para escribir los álbumes debut de los ganadores del Factor XAlex & Sierra (It’s About Us) y American Idol winner Nick Fradiani (Hurricane). Los Natters volvieron a unir fuerzas junto a Mraz en dos de las canciones del album Yes!