Missione spagnola

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Il nostro partner spagnolo per l’approvvigionamento, Madinter, è diventato un nome rispettabile nell’industria musicale e un leader appassionato nelle pratiche di approvvigionamento etico.

Cosa potrebbero sapere un veterinario, un cameriere e una ballerina sull’approvvigionamento di legno per I liutai?

In realtà, un bel po’, ma 20 anni fa, quando fu lanciata la loro azienda, Madinter, c’era ancora molto da imparare mentre si dirigevano insieme verso un nuovo percorso professionale. Il co-fondatore, CEO e proprietario di maggioranza Vidal de Teresa (il veterinario), il direttore di produzione Jorge Simons (il cameriere) e la direttrice delle vendite Luisa Willsher (la ballerina), insieme al co-fondatore e socio silenzioso Miguel Ángel Sánchez, formano il team di gestione dell’azienda, che fornisce legni e parti finite ai costruttori di strumenti musicali, tra cui Taylor.

La sede della Madinter con i suoi 20 dipendenti ha sede nella città spagnola di Cerceda, situata nella provincia di Madrid, Spagna, a circa 45 minuti dal centro della città. Potreste aver già sentito il nome Madinter (una contrazione di Madera, la parola spagnola per legno, e International) dai nostri rapporti sull’ebano in Camerun, poiché Madinter è il nostro partner di proprietà della fabbrica di ebano Crelicam. Questa partnership, ora al suo decimo anno, testimonia l’impegno condiviso di entrambe le aziende verso pratiche di approvvigionamento etico e verso la creazione di economie forestali più sostenibili, che supportano i mezzi di sussistenza delle comunità locali coinvolte nella catena di approvvigionamento.

Sebbene sia un’azienda relativamente piccola, negli ultimi vent’anni Madinter è cresciuta in molti modi facendo da guida nell’innalzamento degli standard di sostenibilità, legalità e responsabilità tra i fornitori di legname. Per celebrare il loro 20° anniversario, abbiamo voluto mettere in contatto la comunità Taylor con il nostro prezioso partner e sottolineare l’importante ruolo che svolge nel sostenere una vivace comunità musicale globale e una gestione responsabile delle foreste.

Abbiamo chiacchierato con Luisa e Vidal via email, dove hanno condiviso il viaggio che li ha portati alla Madinter e hanno riflettuto sull’evoluzione costante dell’azienda nel perseguire la sua visione.

Parlateci un po’ di più della città di Cerceda, dove si trova la sede.

Cerceda è un paesino di circa 2.500 abitanti situato sulle montagne di Madrid, a circa 30 minuti dall’aeroporto internazionale di Madrid Barajas. Siamo accanto al Parco Nazionale della Sierra de Guadarrama, nel nord della provincia di Madrid, un luogo unico per il suo ambiente naturale. La Sierra de Guadarrama è piena di posti sorprendenti grazie alla sua bellezza e alla sua ricchezza geologica e biologica. Qui si trovano immensi boschi di conifere, prati di alta montagna, paesaggi innevati, enormi cime rocciose, ruscelli, cascate e laghi glaciali, che costituiscono un ambiente con un valore naturale speciale, che ospita specie endemiche e alcune in pericolo di estinzione in Spagna.

Cosa potrebbe essere interessante del design delle vostre strutture? Per esempio, uno dei vostri edifici ha una facciata particolare, che sembra un’interpretazione artistica dei tronchi degli alberi.

Sì, è una facciata unica realizzata in acciaio corten con una patina che imita la sagoma di una foresta di conifere, molto simili a quelle che abbiamo dalle nostre parti. Le componenti simulano i tronchi del pino selvatico, l’albero più rappresentativo del parco. Volevamo rendere un piccolo omaggio alle foreste e al legno.

Sui tetti dei nostri edifici sono presenti dei pannelli solari per rendere l’attività più sostenibile e minimizzare le emissioni di carbonio. Inoltre, bruciamo la segatura in fornaci e ne utilizziamo il calore per gli essiccatoi, dove essicchiamo il legno e per riscaldare gli edifici in inverno.

Come fu fondata l’azienda?

Prima di fondare la Madinter, Miguel aveva un’azienda che vendeva legno ai liutai e anche chitarre, aiutandoli a esportare i loro prodotti verso altri mercati. Nel 2001 Miguel e Vidal fondarono la Madinter, e io e Jorge ci unimmo alla squadra in seguito. Ora l’azienda è specializzata unicamente nella produzione e nella vendita di componenti di strumenti musicali.

Nel 2003 Miguel lasciò l’azienda per diventare un partner silenzioso e creare un’altra compagnia dedicata alla realizzazione di scarpe da flamenco, Calzado Senovilla. Data la sua esperienza con i legni per chitarre, decise di utilizzarli e di incorporarli nella creazione delle scarpe. Oggi queste calzature hanno una grande reputazione e sono indossate dai migliori ballerini di flamenco di tutto il mondo.

Vidal, eri un veterinario, quindi avviare la Madinter è stato un bel cambiamento di carriera. Cosa ti ha motivato?

Nel 2001, dopo undici anni come veterinario, ho venduto la mia azienda e mi sono trovato a un bivio personale. Amavo la mia professione, che era sempre stata la mia vocazione, ma avevo altre passioni al di fuori della medicina veterinaria: viaggiare, conoscere le foreste pluviali e iniziare una nuova impresa commerciale. Il mondo della liuteria non mi era estraneo perché, quando studiavo medicina veterinaria a Parigi, Miguel mi mandava del legno e, quando avevo tempo tra i miei studi e la pratica alla scuola veterinaria, facevo visita ai liutai e offrivo loro questi legni. Questo mi portò soldi extra e mi permise di scoprire l’eccitante mondo del legno, dei liutai e della musica.

Il grande maestro liutaio Daniel Friederich fu il mio primo cliente. Andai nel suo laboratorio nel quartiere di Faubourg Saint-Antoine, vicino alla Bastiglia a Parigi. Aveva con sé una manciata di set di fasce e fondi in palissandro. Ero un giovane inesperto, ma molto curioso. Si prese cura di me in modo squisito, mi mostrò gli angoli del suo laboratorio e mi istruì sul legno che gli portai. Era un laboratorio da favola, pieno di aromi, trucioli di legno e chitarre in fase di costruzione. Quel giorno volli saperne di più su quel mestiere e su quei legni, da dove venivano, come venivano tagliati ed essiccati. Quello è stato il seme che ha acceso in me una passione e anni dopo mi ha fatto cambiare carriera e iniziare una nuova emozionante storia.

Luisa, sei originaria del Regno Unito e hai studiato danza. Come sei stata coinvolta nella Madinter?

Sono nata e cresciuta in Inghilterra, e dai dieci ai diciotto anni ho frequentato una scuola privata di arti dello spettacolo. Perlopiù ci insegnavano il balletto classico, ma ho studiato anche altri generi di danza e mi sono innamorata subito del flamenco. Dopo essere stata in Spagna un paio di volte per dei brevi corsi di danza, a diciotto anni ricevetti la mia prima offerta di lavoro e mi ci trasferii, sapendo che non sarei mai più tornata in Inghilterra. A ventiquattro anni mi fratturai il piede durante una prova. All’epoca Madinter stava muovendo i suoi primi passi con Vidal, Miguel e Jorge, e gli detti una mano per tenermi occupata, traducendo e scrivendo ai clienti. Allora tutta la corrispondenza era via posta o via fax. Comprammo il dominio www.madinter.com, iniziammo a scrivere email, costruimmo la prima pagina web e cominciammo a migliorare sempre di più. Quando il mio piede guarì e avrei potuto tornare a ballare, ero così coinvolta e mi piaceva il lavoro che stavo sviluppando a Madinter, che non me ne sono mai andata. Ora ballo solo per divertimento.

Negli anni la vostra gamma di prodotti e servizi si è ampliata molto dopo aver iniziato esclusivamente come fornitore di legname. Come si è evoluta la vostra attività?

All’inizio fornivamo il legno solo ai produttori di strumenti musicali. Abbiamo iniziato con una mezza dozzina di specie di legno e oggi ne offriamo più di 40 diverse per la fabbricazione di strumenti musicali, specialmente chitarre, e forniamo anche componenti, accessori e strumenti. Inoltre, ci siamo più specializzati nella produzione di parti finite di strumenti musicali utilizzando macchinari unici e precisi, che ci permettono di aggiungere più valore alla materia prima. Di conseguenza, negli ultimi anni il nostro modello di attività è cambiato molto. Non riforniamo più solo i produttori di strumenti musicali, ma anche gli artigiani e i liutai amatoriali. Il nostro sito web è diventato un centro di risorse nel settore, perché offriamo una vasta gamma di prodotti e soluzioni. Tagliamo il legno, lo asciughiamo, lo lavoriamo, facciamo componenti finiti pronti per assemblare strumenti e realizziamo anche prodotti personalizzati per diversi clienti. Lavoriamo con fabbriche, laboratori e costruttori di tutto il mondo, e da tre anni distribuiamo i prodotti StewMac in Europa; siamo il loro unico distributore oltre a loro.

“Negli ultimi dieci anni abbiamo visto molti giovani liutai o perfino amatori attratti dal fai da te che iniziano a costruire degli strumenti.”

La Spagna ha un’eredità chitarristica immensa e, da quanto ho capito, attualmente ci sono molti liutai nel Paese. Potete darci una prospettiva su questo fatto e su come influisce sulla vostra attività?

La Spagna è un Paese con una grande tradizione nella costruzione di chitarre classiche e flamenche. Abbiamo molti liutai bravi. Negli ultimi dieci anni abbiamo visto molti giovani liutai o perfino amatori attratti dal fai da te che iniziano a costruire degli strumenti. Molti di loro sono attratti perché sono musicisti e vorrebbero sapere come costruire lo strumento che suonano, altri perché hanno conoscenze di ebanisteria e vorrebbero imparare a fare chitarre e diversificare la loro attività. In ogni caso, il fattore determinante in questa esplosione di nuovi liutai è Madinter e aziende simili che hanno messo a disposizione nel mercato una grande varietà di prodotti per trovare tutto il possibile per costruire uno strumento musicale, dai materiali e prodotti finiti a tutti i tipi di componenti, accessori e attrezzi da liutaio. Inoltre, ci sono molti liutai in tutta Europa e possiamo raggiungerli attraverso Madinter.com. La nostra clientela si è diversificata enormemente e continua a crescere di mese in mese.

Luisa, in un’email precedente hai detto che una delle chiavi del successo di Madinter è stata la capacità di adattarsi al cambiamento. Puoi approfondire questo aspetto in qualche modo specifico? Un pensiero che mi viene in mente è il modo in cui negli ultimi due decenni i requisiti di conformità legale sono cambiati con regolamenti come l’emendamento al Lacey Act o i cambiamenti nello status di alcune specie di legno con la CITES o la legislazione europea sul legname.

Ci siamo adattati al cambiamento in molti modi negli ultimi vent’anni, ma un fattore chiave è stata davvero la decisione di concentrarci sulla legalità. Quando il Lacey Act è stato modificato per includere gli strumenti musicali, Madinter sottolineava già l’importanza che il nostro legno provenisse da fonti legali e responsabili. Così, quando l’industria ha capito che anche loro avevano bisogno di assicurarsi di acquistare legno legale, Madinter aveva un solido sistema di debita diligenza in atto e una vasta conoscenza di conformità, CITES, ecc.

Ecco altri esempi: nei nostri primi anni abbiamo creato il primo negozio online su Madinter.com, che nessun altro aveva. Abbiamo visitato l’Asia e abbiamo iniziato a offrire legno massiccio alle fabbriche cinesi prima ancora che qualcuna di esse facesse chitarre in questo materiale! Abbiamo anche ampliato il nostro catalogo per soddisfare le esigenze dei nostri clienti e diversificare il nostro business. Abbiamo aggiunto componenti, accessori e strumenti, e siamo molto orgogliosi che StewMac si fidi di Madinter per essere il loro unico distributore oltre a loro stessi.

Inoltre, i nuovi liutai non erano più i figli delle vecchie generazioni: erano nuovi arrivati che stavano imparando il mestiere, così abbiamo iniziato a offrire corsi di liuteria.

Parti per un video tour nelle strutture di lavorazione del legno di Madinter, nella cittadina di Cerceda in Spagna.

Oltre alla vostra gamma di prodotti e servizi, cosa pensate che vi distingua dalle altre aziende?

La nostra visione come azienda è quella di guidare l’industria musicale nella promozione di un’economia forestale sostenibile, mantenendo i più alti standard di sostenibilità, legalità e responsabilità nell’approvvigionamento di legname. Fin dall’inizio abbiamo deciso che non volevamo essere un’altra azienda che si limita a tagliare alberi. Volevamo fare le cose in modo corretto. Per cominciare, volevamo assicurarci che ogni singolo pezzo di legno provenisse da una fonte legale, rispettando tutte le leggi nazionali e internazionali. Questo dovrebbe essere ovvio e la regola, ma purtroppo non lo è. E poi fare un passo avanti e assicurarsi che l’ambiente e le persone non siano danneggiate, e se possiamo, avere un impatto positivo sul mondo.

Quest’anno non è solo il 20° anniversario di Madinter, ma anche il decimo anno di collaborazione tra Madinter e Taylor in Crelicam. Come si riflette su ciò che le nostre due aziende sono riuscite a realizzare finora e cosa significa per i dipendenti di Crelicam e per gli altri operai e partner di fornitura in Camerun?

Siamo molto orgogliosi di questa partnership e di quanto abbiamo realizzato insieme. In soli dieci anni abbiamo cambiato molte cose e sempre in meglio. Quando abbiamo acquisito Crelicam e disegnato il logo abbiamo anche aggiunto uno slogan a cui ci siamo attenuti: Commercio responsabile. Guardando indietro ciò che abbiamo realizzato insieme, siamo molto soddisfatti. Insieme siamo riusciti a far accettare all’industria l’ebano che prima non usava perché aveva un colore troppo chiaro; abbiamo migliorato le condizioni di vita dei nostri lavoratori, dei collaboratori e delle persone che vivono intorno alla fabbrica; e abbiamo migliorato la salute, le condizioni tecnologiche e le qualifiche professionali dei nostri dipendenti. E come ciliegina sulla torta, abbiamo lanciato l’Ebony Project per piantare e perpetuare l’uso dell’ebano per le generazioni future.

Durante questi anni abbiamo anche ricevuto riconoscimenti dall’industria musicale e dai governi di USA, Spagna ed Europa, che hanno premiato e riconosciuto pubblicamente il nostro lavoro in Africa. Ma la cosa più importante è che non è finita qui: abbiamo ancora molte idee, progetti e miglioramenti che vogliamo realizzare negli anni a venire.

Cosa apprezzate del vostro rapporto con Taylor?

Spesso ricordiamo la prima volta che abbiamo proposto l’acquisizione di Crelicam a Bob [Taylor] e come ha accolto l’idea e il suo entusiasmo fin dall’inizio.

Nel 2010 andammo ad Amsterdam perché sapevamo che Bob, Kurt e il direttore amministrativo e finanziario Barbara Wight si sarebbero incontrati in Olanda con il team di distribuzione europeo. Chiamammo Bob qualche giorno prima e gli dicemmo che volevamo presentargli una proposta commerciale. Avevamo passato settimane a lavorare su un elaborato business plan e avevamo una lunga presentazione da fare con molte idee e numeri. Quando arrivammo all’hotel dove alloggiava Bob e gli presentammo l’idea, lui interruppe subito la presentazione e disse: “Mi piace l’idea e la realizzeremo insieme”. Mezz’ora dopo, insieme a Bob, Kurt e Barbara, pianificavamo il nostro primo viaggio in Camerun. E così ebbe inizio questa meravigliosa avventura.

Lavorare con Taylor Guitars è stata la cosa migliore che ci sia capitata negli ultimi anni. Abbiamo trovato un gruppo di professionisti fantastici e persone meravigliose. Una menzione speciale deve andare al nostro grande amico e mentore, Bob Taylor, una persona meravigliosa con un grande cuore, con un’intelligenza e una brillantezza uniche, un lavoratore instancabile e un visionario nell’industria musicale. Abbiamo imparato e sbagliato insieme, ma siamo sempre andati avanti e continueremo a farlo per ottenere l’eccellenza.

Una crescita stazionaria

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Come gli artisti hanno trovato l’ispirazione durante l’isolamento guardando dentro di sé

L’epidemia di COVID avrà anche momentaneamente svuotato locali, sale e stadi, ma non ha di certo messo a tacere chi di musica ci vive. Durante il periodo di lockdown, il mondo digitale è esploso di creatività grazie agli artisti che si sono ingegnati con una serie di strumenti per restare connessi coi propri fan, per comporre nuova musica da remoto e per collaborare con altri colleghi che non avrebbero mai conosciuto in situazioni differenti. Alcuni hanno continuato a offrire musica live, trasmettendo in diretta performance come produzioni elaborate e con video professionali o semplici jam session casalinghe. Altri invece hanno puntato a esplorare nuovi territori musicali, scrivendo brani che riflettessero la pressione del momento. Altri ancora hanno approfittato della pandemia per ritagliarsi del tempo da dedicare alla riflessione personale, un’opportunità per meditare sulla vita accrescendo il proprio senso di identità personale e musicale.

Laddove la vita sociale vede lente riaperture e la musica dal vivo torna timidamente a essere una realtà, gli artisti hanno ricominciato a inseguire la propria vocazione musicale. Ma per chi si appresta a rimettersi in marcia, è ormai chiaro che le cose sono cambiate: il mondo della musica è diverso, così come i concerti e la composizione. E mentre i musicisti tornano sui palchi e i posti a sedere tornano a riempirsi, molti si rimettono al lavoro con nuove idee su come realizzare uno show di qualità, scrivere un pezzo d’effetto e stabilire una solida connessione col pubblico. Il fattore determinante è la soddisfazione per ciò che si fa e la gratitudine per gli spazi culturali che danno risalto alla musica come forma di forza comunitaria.

I figli del digitale conoscono il mondo reale

Di tutte le conseguenze che l’industria musicale ha subito a causa della pandemia, una delle più incisive riguarda le realtà musicali meno note, che hanno ricevuto più notorietà con la chiusura momentanea dei locali fisici. Nella diretta streaming del precedente numero di Wood&Steel, gli artisti ci hanno raccontato del rinnovato potere degli strumenti digitali in grado di connettere musicisti e pubblico senza tener conto della distanza fisica, né delle restrizioni sociali. Grazie proprio a queste dirette, gli artisti hanno continuato a esibirsi in acustico davanti a un iPhone, mentre i loro fan inserivano reazioni digitali sotto forma di emoji e cuori vari. Si tratta di uno sviluppo molto positivo per tutti i musicisti, ma quelli più attivi sui social hanno indubbiamente ricevuto un impatto maggiore, grazie ai fan che seguivano i loro live online.

Ma non è sempre stato così. I musicisti già consolidati e con tournée importanti hanno dominato la scena, anche mentre piattaforme quali YouTube, SoundCloud e BandCamp guadagnavano sempre più popolarità tra gli artisti che ancora dovevano farsi un nome. Nell’era pre-COVID, gli artisti formatisi nel “mondo reale” hanno conservato un’aria di autenticità e qualità con cui gli artisti “digitali” non possono competere. In un certo qual modo, gli strumenti preposti a democratizzare la composizione musicale hanno finito per catalogare ancor più i musicisti più giovani, creativi e diversificati in un’arena online popolata da nicchie di fan di dimensioni relativamente ridotte. La passione c’era sicuramente, ma la visibilità no.

La pandemia ha segnato un cambio radicale. Artisti affermati e musicisti alle prime armi sono stati allontanati dai palchi fisici, così su Internet la musica del mondo digitale si è ritrovata per la prima volta ad annullare ogni genere di distinzione. Il risultato è stato un’esplosione di band, compositori e musicisti solisti finiti tutti sotto gli stessi riflettori, sebbene pochi di questi avessero un background già mostrato nel panorama musicale.

Ci vediamo in soggiorno

Tra i tanti artisti che sono riusciti a sfruttare le condizioni dei mesi di pandemia, la novità pop-punk delle Meet Me @ the Altar ha visto un percorso davvero entusiasmante. Il trio, composto da Téa Campbell (chitarra, basso, 224ce-K DLX), Ada Juarez (batteria) e Jedith Johnson (voce solista), fa musica insieme dal 2017, ma forse non nel senso che ci aspetteremmo. Fino a quest’anno, le tre musiciste hanno scritto e prodotto i loro brani a distanza, inviandosi su Internet idee, testi e parti strumentali a ripetizione, finché non giungevano a un prodotto finito. Tutt’a un tratto, il loro modo di comporre è divenuto la norma, e mentre i musicisti di tutto il mondo si adattavano a questo nuovo meccanismo creativo, le Meet Me @ the Altar si sono ritrovate con un enorme vantaggio.

“Siamo una smart band già da cinque anni”, dice Ada. “Io vivevo in Florida, Edith ad Atlanta e Téa nel New Jersey, perciò non avevamo mai composto un brano nella stessa stanza.”

E anche dopo aver traslocato tutte insieme durante la pandemia, le tre componenti delle Meet Me @ the Altar affermano che la vicinanza non ha cambiato in alcun modo il loro processo compositivo.

“Ora siamo coinquiline” dice Ada, “ma questa modalità funzionava già in passato e lo sapevamo. Perché rischiare di cambiare qualcosa di già efficace? Tutt’oggi componiamo prima in stanze separate e ci vediamo solo dopo. Solo i testi li scriviamo nella stessa stanza, per il resto tutto è rimasto come prima.”

Ada, Edith e Téa, le tre componenti delle Meet Me @ the Altar, ci parlano della loro esperienza compositiva durante la pandemia e suonano alcuni loro brani in acustico.

L’effetto “smart band” ha avuto un impatto che va anche oltre la semplice composizione. Con la grande esperienza di navigazione nel regno digitale e di interazione coi fan via web, il COVID ha senz’altro favorito l’impennata di notorietà della band. Il trio aveva in programma di avviare un tour tra il 2020 e il 2021, e invece si è ritrovato nella stessa casa, il luogo dove la composizione era l’unica valvola di sfogo creativo. Spogliare il settore musicale dei suoi elementi “tradizionali” ha fatto sì che gli artisti riconsiderassero l’essenza della loro arte. Ma per queste tre pioniere, la pandemia è stata una pentola a pressione che le ha aiutate a crescere tanto tecnicamente quanto emotivamente.

“La quarantena ci ha cambiate tanto”, ricorda Téa. “Non fosse stato per la quarantena, non avremmo avuto il tempo di sederci e riflettere sulla direzione che vogliamo intraprendere, né sulla nostra evoluzione come band.”

Invece del tour, le Meet Me @ the Altar hanno raddoppiato i loro sforzi compositivi. Invece delle dirette streaming (molto in voga tra i vari artisti in isolamento), loro si sono dedicate alla scrittura. Tranne per un unico show trasmesso in collaborazione coi ristoranti Wendy’s, le Meet Me @ the Altar si guardavano negli occhi, focalizzandosi sulla crescita vocale e sullo sviluppo di un’identità come musiciste.

“Più scrivi, più acquisisci sicurezza”, afferma Edith. “Per noi la quarantena è stata una benedizione sotto mentite spoglie. Ci ha messe insieme e noi siamo maturate grazie alla composizione. Oggi, tutto ciò che scriviamo è una spanna sopra ciò che producevamo tempo fa.”

E il duro lavoro ha ripagato. La band dice di aver vissuto un’esplosione durante la pandemia, passando da 3.000 follower a oltre 50.000. Ma anche se fa strano non riuscire a vedere una tale crescita corrisposta da un pubblico più numeroso durante i live, la connessione coi loro fan online le ha aiutate a trovate un proprio posto nella cultura pop in senso lato. Loro attribuiscono parte della loro crescita a una società in continuo cambiamento e a comportamenti sempre diversi che richiedono una maggiore inclusione di musiciste donne e artisti afro. E quale trio di donne afro, le Meet Me @ the Altar hanno di certo trovato il loro momento.

“Sono successe tante cose durante la quarantena. Problemi sociali, il movimento Black Lives Matter, la morte di George Floyd”, dice Edith. “Ma poiché non c’era molto che la gente potesse fare, tutti hanno avuto modo di riflettere sul mondo. La gente ha iniziato a considerare anche la vita e l’arte della comunità nera. Tra questi c’eravamo anche noi. E dato che la nostra musica è effettivamente di qualità, la gente è rimasta con noi.”

Contrariamente a quanto fatto da altri durante la pandemia, le Meet Me @ the Altar hanno trovato l’occasione d’oro per fare successo, coronando l’esplosione di popolarità con migliori abilità di composizione e un’identità più forte come band. Ma non tutti i musicisti di oggi sono nati nell’ecosistema digitale. Per quelli che hanno passato decenni vivendo l’approccio tradizionale, la pandemia è stata una sfida ben diversa. Come ci si può adattare ai tempi senza perdere di vista se stessi?

Tramutare la musica in comunità

Locali chiusi e concerti annullati sono stati certamente il problema più grande nell’industria musicale durante la pandemia, ma c’è stata un’altra sfida che si è manifestata in modo meno vistoso, ma non per questo meno importante: il problema della salute mentale. Isolamento, pressione economica mai vista e continui cambiamenti sociali hanno gravato su molti negli ultimi 18 mesi, compresi gli artisti che hanno visto la loro più importante fonte di catarsi emotiva, sociale e creativa (per non parlare della stabilità economica), strappatagli senza alcun avvertimento. Per Jim Ward, ex co-fondatore degli At the Drive-In, attuale chitarrista degli Sparta e storico compositore solista, la musica durante la pandemia non è stata solo un modo per mantenere un certo profilo pubblico e la fidelizzazione coi fan online. La musica gli ha salvato la vita.

Ward (517 Builder’s Edition, GT Urban Ash) è un’istituzione nella sua città, El Paso nel Texas. Ha una connessione molto profonda con la città, la sua scena musicale e perfino la sua cultura culinaria. Ward possiede infatti un ristorante a El Paso costretto a chiudere durante la pandemia. Da persona naturalmente connessa con la comunità, Ward afferma che gli eventi dei primi mesi di pandemia sono stati devastanti tanto per lui quanto per la gente intorno a lui.

“Abbiamo subito dovuto licenziare i dipendenti” spiega Ward, “una cosa molto bruta dal punto di vista emotivo e psicologico. La mia band, gli Sparta, aveva fatto uscire un disco ad aprile [2020], e mi diverte affermare che non se n’è accorto nessuno. Abbiamo annullato i tour e messo in cassa integrazione il personale, come tutti.”

Senza lo sfogo naturale dato dalla creazione, dice Ward, i primi giorni di pandemia sono stati i più difficili.

“Il lockdown ti segna come essere umano” afferma Ward, “specialmente se sei uno molto legato ai rapporti umani. È stato difficile tenere la testa a posto.”

Il chitarrista e compositore Jim Ward ci illustra i suoi pensieri su com’è stato affrontare la pandemia salvaguardando la sanità mentale nei mesi di lockdown.

Nonostante le restrizioni nei luoghi pubblici, Ward sapeva che mantenere la sanità mentale significava continuare a fare musica. Dedicandosi alla composizione, Ward si è distratto con una nuova serie di brani che in seguito sarebbero stati riuniti in Daggers, il suo nuovo album solista. Scrivere e creare l’album è stata una sorta di terapia, afferma. Una terapia che l’ha aiutato a gestire la sua sanità mentale e al contempo a espandere le sue abilità creative.

“Sono senz’altro migliorato come ingegnere, perché ero obbligato a occuparmi personalmente dell’ingegneria e della produzione dell’album, anche se ero abituato ad affidarmi a specialisti”, dice. “Quando gli strumenti che ti semplificano il lavoro scompaiono, sei costretto a imparare cose nuove. Ne sono uscito con un nuovo ethos di vita, tutto incentrato sul fai da te.”

Affidarsi alle proprie capacità va bene, ma ha dei limiti. Un conto è imparare nuove abilità musicali, ben altro discorso è tentare di soppiantare ogni forma di interazione e connessione sociale, soprattutto per una persona coinvolta nella comunità come Jim Ward. Impossibilitato a incontrare i fan nei live, Ward si è trovato a instaurare relazioni online, spesso con fan che non avrebbe mai conosciuto altrimenti. Ma questo non era limitato a chat su Instagram con fan in luoghi distanti come Australia o Russia. Ben presto, il desiderio di mantenere un certo senso di vicinanza ha portato Ward a istituire una nuova tradizione: una serie di dirette chiamata Friday Beers, una “birretta del venerdì” fatta di conversazioni inedite e mai provate tra Ward e un suo ospite musicale. Fino a oggi, gli ospiti di Friday Beers sono stati Rhett Miller, Nina Diaz, Patrick Carney dei Black Keys e Josh Homme dei Queens of the Stone Age.

Non si tratta di banali interviste con artisti che ruotano attorno a nuovi album, concerti in programma o ispirazione sulla composizione. Sono discussioni ponderate e spesso molto profonde in cui Ward e i suoi ospiti si aprono al pubblico da un punto di vista personale in un modo non raggiungibile in quei pochi minuti di familiarizzazione che si cerca di ottenere nei concerti. Ward sostiene che queste conversazioni sono state una rivelazione per lui, non solo perché l’hanno aiutato a superare l’isolamento, ma perché lo stesso effetto è stato riscontrato nel pubblico.

“Josh Homme è come un fratello maggiore per me. Abbiamo avuto una conversazione davvero profonda davanti a tante persone” ricorda Ward, “e ho ricevuto un sacco di messaggi stupendi dai fan, che si complimentavano per l’amicizia che ci lega. In realtà, molti di noi fanno musica per cercare di capire come sentirsi meglio. E quando il pubblico assiste a conversazioni di questo spessore, comincia a pensare: se lui si sente così, è normale se succede anche a me.

Ward ritiene che questa sia una particolarità della pandemia che perdurerà anche quando la vita tornerà a una parvenza di normalità. In un mondo ormai troppo abituato a vedere giovani artisti perdere il controllo, è diventato importante creare spazi che esortino all’onestà e all’autenticità. A tal proposito, Ward parla partendo da un’esperienza personale.

“Francamente ritengo che mi avrebbe aiutato molto, all’inizio della mia carriera, sentirmi dire è normale se ora non ti senti bene”, afferma. “Invece di continuare a dare bottiglie di vodka ai giovani artisti, forse sarebbe meglio prendercene cura standogli accanto.”

Il così e il cosà della composizione

Il panorama musicale odierno è in continuo mutamento. Un mutamento fomentato da comportamenti sociali sempre diversi, una crescente accessibilità alla nuova musica al fuori delle etichette discografiche tradizionali, e le conseguenze tangibili di una crisi sanitaria globale. Insider navigati e artisti emergenti ritengono che, di questi tempi, costruire o mantenere una carriera musicale significa essere disposti a guardare dentro se stessi: concentrarsi sull’arte in sé, scavare nel profondo ed esplorare territori creativi altrimenti inaccessibili. Sebbene semplifichino molto la possibilità di connettersi col pubblico e coi singoli fan, gli strumenti digitali di oggi non potranno mai sostituire il duro lavoro di tramutare semplici idee in vera musica, di trasmettere un messaggio univoco e al contempo universale. Un messaggio in grado di ispirare chiunque lo ascolti in ogni parte del mondo. Fortunatamente, una cosa che la pandemia ci ha svelato sulla musica contemporanea e su chi la crea è che il desiderio di creazione persiste e persisterà in ogni circostanza.

Progressione di accordi R&B per chitarra acustica

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Amplia il tuo repertorio stilistico con queste utili progressioni di accordi molto usate tra i chitarristi R&B.

Di Kerry "2 Smooth" Marshall

Qualunque sia il tuo stile o genere preferito, scoprire nuovi sound e nuove tecniche fuori dalla propria comfort zone è fondamentale per diventare un chitarrista davvero versatile.

Kerry “2 Smooth” Marshall è un richiestissimo educatore musicale, turnista, produttore e insegnante di chitarra specializzato in musica R&B, neo-soul e gospel. Oltre a suonare in alcune delle migliori realtà musicali del giorno d’oggi, Kerry è anche un pilatro su YouTube, dove ha superato i 100.000 iscritti.

La prima lezione ripassa un’ormai consolidata progressione di accordi con cui iniziare a cimentarti nell’R&B.

Successivamente, Kerry illustra la tecnica “double stop”, un elemento sonico che i chitarristi R&B adoperano per aggiungere spessore ai loro lick.

Infine, Kerry esplora l’accordo di settima diminuita, un dettaglio caratteristico che darà una marcia in più al tuo sound, aggiungendo un sapore tutto nuovo al tuo stile.

Per le altre lezioni di Kerry, visita il suo canale YouTube.

  • 2021 Edizione 2 /
  • Le nostre radici: onore alle influenze musicali afroamericane

Le nostre radici: onore alle influenze musicali afroamericane

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Per commemorare l’African-American Music Appreciation Month, ovvero il mese dedicato alla musica di matrice afroamericana, Lindsay Love-Bivens e la vincitrice del Grammy Judith Hill si sono recate, per l’appunto, nel nuovo museo nazionale di musica afroamericana.

Quasi ogni genere di musica americana può essere ricondotto all’ingegnosità creativa e all’espressione artistica degli artisti afroamericani. Grazie a un arazzo di esperienze vissute e condivise intessute in diverse epoche, gli afroamericani hanno dato origine e plasmato stili musicali, dal blues all’hip-hop, aiutando a generare, nel frattempo, molte altre contaminazioni musicali. Il mese in onore della musica afroamericana, che cade ogni anno a giugno, ci dà l’opportunità di omaggiare questi contributi essenziali e di riconoscere alcune delle persone creatrici della musica che forma la colonna sonora della vita in America e nel mondo di oggi.

Che cos’è il mese in onore della musica afroamericana?

In the 1970s, prompted by the increasingly prolific influence of African-American artists during the 20th century, a movement led by key members of the African-American music community to recognize these artists gained traction. In 1978, producer Kenny Gamble, influential music activist and broadcaster Dyana Williams, and broadcast executive Ed Wright launched the Black Music Association (BMA) in part to push for the creation of a Black Music Month. After some petitioning, U.S. President Jimmy Carter hosted the first Black Music Month gathering in the summer of 1979. In 2000, President Bill Clinton signed a Presidential Proclamation giving African-American Music Appreciation Month national designation. These actions helped ensure that the story of African-American music would be preserved and honored for generations to come.

Un viaggio a Nashville

Per celebrare il mese in onore della musica afroamericana, sono andata a Nashville con la cantautrice e artista Taylor Judith Hill per visitare il nuovissimo National Museum of African American Music. Mentre eravamo lì, abbiamo parlato con il Dr. Steven Lewis, uno dei curatori del museo. Abbiamo anche visitato dei siti storici legati alla storia della musica afroamericana. Il video che abbiamo messo insieme condivide alcuni punti salienti della nostra esperienza lì.

Una cronologia della musica americana

Il nostro viaggio ci ha anche ispirato a creare una cronologia della storia della musica afroamericana, nel tentativo di fare più luce su alcuni dei suoi pionieri, la cui arte ha cambiato per sempre il paesaggio musicale in America e in altri luoghi. Mentre la nostra cronologia scalfisce appena la superficie di un’eredità musicale così ricca e profonda, speriamo che questo viaggio storico inviti a un’esplorazione maggiore dei molti modi in cui i musicisti afroamericani hanno plasmato gran parte di ciò che oggi conosciamo come musica americana.

Nato in

XVII secolo

La primissima forma di espressione musicale nera in America, lo spiritual, include i canti afroamericani intonati durante il lavoro, che in seguito avranno una forte influenza sul blues e sul gospel. Gli spiritual affondano le loro radici nelle storie tratte dalla Bibbia, ma rappresentavano le dure sofferenze sopportate dagli afroamericani che furono schiavizzati dal XVII secolo fino agli anni Sessanta del 1800. Lo scambio “botta e risposta” è la caratteristica principale di questo genere: quando un solista canta una frase, il resto del gruppo risponde. Originario dei tradizionali canti africani, il botta e risposta è una componente chiave dei canti da lavoro afroamericani e infine ha trovato la sua strada nel blues, nel gospel, nel rock ‘n’ roll, nel soul e perfino nell’hip-hop. Gli spiritual furono resi popolari da gruppi come i Fisk Jubilee Singers a partire dalla fine del XIX secolo.

Pionieri e apripista

  • Fisk Jubilee Singers  
  • Hampton Singers 
  • Tuskegee Institute Quartet 
  • Harry Burleigh 
  • Everett McCorvey

Nato in

Ultimi anni del XIX secolo

Il blues nacque nel profondo Sud degli Sati Uniti negli anni Sessanta del 1800. Costruito sugli spiritual e i canti intonati durante il lavoro, il blues presenta in modo prominente lo stile botta e risposta modellato dagli spiritual, insieme alle grida, alla distinta scala blues e alla progressione degli accordi che oggi rimangono centrali nel blues. Divenne popolare come forma musicale dopo la fine della schiavitù degli afroamericani e contribuì alla creazione del “juke joint”, un aspetto importante della cultura afroamericana che sorse in tutto il Sud per soddisfare le persone precedentemente schiavizzate in cerca di lavoro. Prima o poi quasi ogni genere di musica americana è stato influenzato dal blues.

Pionieri e apripista

  • Charley Patton  
  • W.C Handy 
  • Blind Blake 
  • Lonny Johnson 
  • Ma Rainey 
  • Robert Johnson 
  • Muddy Waters 
  • T-Bone Walker 
  • Blind Lemon Jefferson 
  • B.B. King 

Nato in

Anni Novanta del XIX secolo

Il ragtime si è subito identificato per il suo distintivo stile musicale sincopato. Prima di essere pubblicato come spartito popolare per il pianoforte, il ragtime fornì musica da ballo in ambienti di musica popolare. Le melodie degli spettacoli dei menestrelli, gli stili del banjo afroamericano, i ritmi di danza sincopati (tempo debole) del cakewalk ed elementi di musica classica contribuirono tutti alla genesi di questo genere pionieristico. Scott Joplin, oggi uno dei più noti compositori di ragtime, pubblicò “Maple Leaf Rag” nel 1899, che divenne uno standard nella musica americana e servì come base per la musica ragtime dei compositori successivi. Il ragtime aiutò a plasmare il jazz e il blues, e fu probabilmente il primo ramo della musica afroamericana ad avere un impatto sulla cultura popolare tradizionale.

Pionieri e apripista

  • Ernest Hogan  
  • Scott Joplin, “King of Ragtime” 
  • Tom Turpin 
  • Eubie Blake 
  • John William “Blind” Boone 
  • Antonio Junius “Tony” Jackson 
  • Ferdinand “Jelly Roll” Morton

Nato in

Anni Dieci del XX secolo

A New Orleans, in Louisiana, nacque un nuovo genere sulla scia del ragtime: il jazz. Nel jazz si possono trovare accordi complessi, poliritmi, sincopati e molti altri elementi del blues e del ragtime. Sebbene molti possano dire che sia impossibile definire questo genere, l’improvvisazione è una parte centrale di molti stili di jazz. Dal bebop e dallo swing al modal e allo smooth, il jazz abbraccia l’interpretazione personale e la creatività dell’esecutore. Questo genere divenne sempre più popolare negli anni Venti, in seguito chiamati l’“era del jazz”, un periodo in cui la musica e la cultura afroamericana iniziarono a raggiungere la classe media bianca in tutta l’America.

Pionieri e apripista

  • Ferdinand “Jelly Roll” Morton
  • Louis Armstrong 
  • Earl Hine 
  • Duke Ellington
  • Charlie Christian
  • Lonnie Johnson 
  • Billie Holiday 
  • Ella Fitzgerald

Nato in

Anni Trenta del XX secolo

Entro i primi anni del XX secolo la musica spiritual si era evoluta in molte nuove forme e negli anni Trenta un musicista blues di nome Thomas Dorsey rivoluzionò la musica gospel incorporando il suono blues nella musica da chiesa. A Dorsey è anche attribuita la formazione del primo coro gospel. Con le sue canzoni ritmate e le esibizioni dei cori, il gospel nero ha avuto un impatto permanente sulla musica americana e su altri aspetti della società. Proprio come gli spiritual, la musica gospel ha contribuito a plasmare la cultura della chiesa nera in America.

Pionieri e apripista

  • Thomas Dorsey, “Father of Gospel”
  • Mahalia Jackson 
  • Sister Rosetta Tharpe 
  • Andrae Crouch
  • The Hawkins Family
  • Thomas Whitfield 
  • Mississippi Mass Choir

Nato in

Anni Quaranta del XX secolo

L’R&B fu il ponte tra il blues, il jazz, l’epoca delle grandi band degli anni Venti e Trenta, e i suoni nascenti del rock ‘n’ roll, del soul e del funk degli anni Cinquanta e Sessanta. Dopo la Seconda guerra mondiale e la grande migrazione degli afroamericani verso il Nord, la gioventù americana cercava della musica più vivace e più grezza. Di conseguenza, le epoche dello swing e delle big band care ai loro genitori cominciarono a cedere il passo a una versione più ritmica del blues. L’R&B mostrò anche dei suoni freschi derivanti da strumenti come la chitarra elettrica, il pianoforte e il sassofono.

Pionieri e apripista

  • Louis Jordan (The Tympany Five)
  • Roy Brown 
  • Wynonie Harris 
  • Roy Milton
  • Billy Wright
  • Charles Brown 
  • The “5” Royales 
  • Big Mama Thorton
  • Sister Rosetta Tharpe

Nato in

Ultimi anni Quaranta

Nei primi anni Cinquanta il rhythm & blues sviluppò il proprio sottogenere: il rock ‘n’ roll. Con Chuck Berry e Little Richard alla guida, lo stile presentava le caratteristiche del rhythm & blues, ma aveva un’estetica più cruda e sessualizzata, spesso incentrata sulla chitarra elettrica. Quando questi stili cominciarono a fondersi e una versione più elettrificata del blues prese piede, anche i musicisti non neri cominciarono a suonare e registrare rock, molti dei quali passarono dai club e dai bar underground alla radio e alla televisione mainstream. Con il suo ritmo contagioso, cori con le caratteristiche di un inno e linee vocali memorabili, il rock ‘n’ roll divenne l’incarnazione della vitalità della gioventù americana e il sinonimo di cultura americana. Il suono arrivò anche a dominare la musica tra i giovani di tutto il mondo.

Pionieri e apripista

  • Chuck Berry (The Father of Rock ‘n’ Roll)
  • Little Richard (The Architect of Rock ‘n’ Roll) 
  • Fats Domino
  • Roy Brown
  • Jimi Hendrix 
  • Ike Turner 
  • Tina Turner
  • Sister Rosetta Tharpe
  • Bo Diddley

Nato in

Anni Cinquanta e Sessanta del XX secolo

Mentre la commercializzazione del rock ‘n’ roll cresceva, molti artisti e musicisti di colore si ritrovarono bloccati fuori dalla ribalta. La musica soul nacque dal bisogno di celebrare la cultura nera. Attingendo alle proprie radici nel suono gospel, la musica soul centrava temi dell’America nera, come l’amore nero e la gioia, mentre affrontava anche le lotte per i diritti civili. Le risorse erano spesso scarse per gli artisti neri e il successo della musica soul dipendeva dal riunire gli artisti. Nessuna entità incarnava questa realtà più della Motown Records, fondata nel 1959 da Berry Gordy per riunire cantautori e musicisti e sviluppare il “suono Motown” che arrivò a dominare le classifiche per tutti gli anni Sessanta. Alla fine di quegli anni la musica soul aveva sviluppato una serie di ramificazioni, con artisti come Sly and the Family Stone, George Clinton e Stevie Wonder, che sperimentavano idee che avrebbero portato al soul psichedelico. Nel frattempo, a Filadelfia artisti come Gamble e Huff svilupparono il caratteristico suono “Philly soul”. Entrambi questi stili furono determinanti per la nascita della disco.

Pionieri e apripista

  • Ray Charles
  • Otis Redding 
  • Aretha Franklin (“Queen of Soul”)
  • James Brown (“Godfather of Soul”)
  • Sam Cooke 
  • Stevie Wonder 
  • The Jackson 5
  • Diana Ross
  • Smokey Robinson

Nato in

Anni Sessanta e Settanta del XX secolo

Cosa si ottiene quando si unisce il cuore della musica soul alla libertà del jazz sincopato e a un groove serrato? Verso la fine degli anni Sessanta, James Brown iniziò a scrivere delle canzoni costruite su uno o due accordi, un’enfasi sull’“unico” e su un approccio più brioso e diretto che dette all’America un nuovo tipo perfetto di musica da ballo. Mentre il genere diventava sempre più popolare, emersero nuove forme più sperimentali, come lo stile pioniere di George Clinton, che divenne la base della musica hip-hop.

Pionieri e apripista

  • James Brown
  • George Clinton (“King of Funk”) 
  • Slave
  • The Ohio Players
  • Prince 
  • Rick James 
  • Earth, Wind & Fire
  • Sly and the Family Stone
  • Commodores
  • The Meters

Nato in

Primi anni Settanta del XX secolo

Nell’estate del 1973 i dj afroamericani iniziarono a dare feste nelle case e nei quartieri del Bronx. Per far ballare la gente alle feste, suonavano breakbeat di vecchie canzoni funk e prolungavano le pause facendo cadere costantemente la puntina del giradischi sul breakbeat. Durante queste feste, una persona (conosciuta come l’hype man) o il dj saltava sul microfono e incitava la folla con canti ritmici e vocalizzi botta e risposta. A mano a mano che il ruolo dell’hype man cresceva di popolarità, diventava una forma d’arte a sé stante, il che portò alla genesi del rap. Allo stesso tempo, la tecnologia musicale continuò a progredire, consentendo ai dj di campionare i breakbeat per periodi di tempo più lunghi e permettendo ai rapper di avere più spazio per rimare sul beat. L’hip-hop, proprio come la musica soul in precedenza, divenne l’espressione musicale dominante della cultura nera in America. Molto più di un semplice genere musicale, l’influenza dell’hip-hop si trova ovunque nella cultura odierna, dalla moda, dall’arte, dalla breakdance e dalla moderna corografia allo sport, alla televisione e al cinema.

Pionieri e apripista

  • DJ Kool Herc
  • Grandmaster Flash and the Furious Five 
  • Fab 5 Freddie
  • Cold Crush Brothers
  • The Sugarhill Gang (“Rapper’s Delight, first commercial rap recording)
  • Run-DMC 
  • Erik B & Rakim
  • Afrika Baambaataa

Nato in

Primi anni Ottanta del XX secolo

Mentre l’hip-hop guadagnava popolarità in tutto il Paese, un altro movimento stava nascendo nei club underground di Chicago. I dj e i produttori musicali iniziarono a sperimentare con suoni elettronici e battiti meccanici, remixando le canzoni da discoteca per dare loro ritmi più trascinanti con linee di basso pronunciate. Così nacque la musica house. Questo genere ha guadagnato rapidamente il plauso nazionale e internazionale, e si è trasformato in un’ampia varietà di stili dance ed electro. La sua influenza sulla musica pop di oggi non può essere sopravvalutata.

Pionieri e apripista

  • Frankie Knuckles (“Godfather of House”)
  • Ron Hardy
  • Larry Levan
  • Harry Heard
  • Robert Owens 
  • Fingers Inc.

La playlist di musica afroamericana a cura di Judith Hill

Durante il nostro viaggio a Nashville, Judith Hill si è sentita ispirata e ha iniziato a curare una playlist con alcuni artisti e musicisti che hanno contribuito a delineare l’identità musicale negli Stati Uniti.

Lindsay Love-Bivens è una Community Relations Manager e un’artista Taylor.

Lezioni di chitarra

Accordature minori aperte

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Volete ampliare la gamma di accordature aperte? Provatene una minore aperta.

Da Leo Kottke a Joni Mitchell, Muddy Waters, Jimmy Page, Elmore James e Kaki King, le accordature aperte, che alterano l’accordatura classica (Mi La Re Sol Si Mi) alle tonalità che creano un accordo quando tutte le corde sono suonate aperte, si possono ascoltare in innumerevoli registrazioni classiche. Nella mia esperienza, la più onnipresente delle accordature aperte è di gran lunga quella con i suoni maggiori, in particolare Re e Sol aperte, che hanno entrambi un fascino speciale. Tuttavia, c’è un segreto delle accordature aperte minori (nel caso di questa lezione, Re minore e Sol minore aperte) che può generare più varietà rispetto alle accordature maggiori senza sforzo: non molti sanno che, aggiungendo un dito a qualsiasi accordo minore, si può trasformare all’istante in un accordo maggiore e i musicisti hanno una gamma armonica maggiore. Questo trucco non è così facile da eseguire nelle accordature maggiori aperte. Perciò, questa lezione dimostra come un solo dito può raddoppiare le possibilità armoniche.

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Visualizza e stampa la notazione musicale per la lezione di chitarra di Shawn.

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  • 2021 Edizione 2 /
  • Una pellicola dannosa: dentro al problema crescente della plastica
large stack of compressed plastic wrap with a sign in front reading

Una pellicola dannosa: dentro al problema crescente della plastica

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Lo sviluppo di pratiche aziendali più sostenibili inizia con l'identificazione delle aree di miglioramento. Il nostro uso della pellicola elastica in plastica è uno di questi.

Da anni ormai riportiamo gli sforzi di Taylor per sviluppare pratiche commerciali più sostenibili. Le nostre iniziative più importanti, e le nostre storie, si sono concentrate sulla nostra catena di approvvigionamento del legno e sul nostro impegno a coltivare un futuro più sano per i legni che usiamo, comprese le comunità che sostengono questi sforzi di approvvigionamento. I “grandi alberi”, come li chiama Scott Paul, direttore delle risorse naturali di Taylor, sono l’Ebony Project in Camerun, che ha finanziato una ricerca innovativa sull’ecologia dell’ebano e ha creato un programma per gradi (e in crescita) di rimboschimento della comunità; il ripristino delle foreste native alle Hawaii, compresa la piantumazione di alberi koa; e il nostro fiorente programma Urban Wood, che mira a creare un’economia circolare, producendo chitarre con legno proveniente da alberi urbani alla fine della loro vita e a stimolare progetti di rimboschimento in quelle comunità.

Siamo fieri dei progressi che stiamo facendo su questi fronti, il nostro impegno per le pratiche etiche richiede un esame attento di ogni aspetto dell’operazione. Più nello specifico, dobbiamo cercare delle aree in cui siamo in difetto e lavorare per trovare soluzioni migliori.

Questa mentalità ha portato a una revisione completa dei nostri processi di produzione e del funzionamento del campus. Negli ultimi due anni Scott Paul ha usato la lente della sostenibilità per condurre un audit interno per identificare i successi e le carenze. Mentre abbiamo fatto molti miglioramenti (una grande riduzione dei prodotti monouso nel campus, più postazioni di ricarica per veicoli elettrici, un solido programma di riciclaggio delle batterie, postazioni di rifornimento d’acqua negli edifici del campus, l’uso di una dashboard sofisticata per gestire meglio le nostre esigenze di consumo energetico, per citarne alcuni), di recente abbiamo identificato un problema che è letteralmente crescente per noi: la pellicola di plastica. Stiamo parlando di quella pellicola che usiamo per fissare i pallet di chitarre impilate (nelle loro custodie) che vengono trasportate o per avvolgere il legno che spostiamo sui pallet.

Per quanto la pellicola svolga un ruolo essenziale nel proteggere le parti e i beni di valore in transito, dato il volume dell’operazione, ne consumiamo un bel po’. Anche se non è neanche lontanamente vicino ai livelli di consumo di un grande negozio, dà comunque un contributo negativo.

In passato, imballavamo l’involucro usato e il nostro fornitore di riciclaggio lo vendeva a un broker, che a sua volta lo spediva in Cina per essere riciclato. Ma nel 2018 la Cina ha vietato l’importazione della maggior parte della plastica e in seguito abbiamo appreso dell’esistenza di una forte probabilità che in realtà la plastica sia stata solo scaricata all’estero, o peggio, bruciata nelle comunità locali. Ora stiamo lottando per trovare un’azienda con sede negli Stati Uniti che la ricicli. Abbiamo contattato altre aziende, grandi e piccole, per vedere cosa fanno con la loro, ma sembra che nessun altro abbia una soluzione praticabile al momento.

Inoltre, abbiamo parlato con molti fornitori di questo servizio e fatto a ognuno di loro le stesse domane: la rivendete? Cosa ci farete? Nel caso, in cosa la riciclate? Quanto lontano la spedite via terra o mare? È venuto fuori che adesso la maggior parte della pellicola di plastica è scaricata o incenerita, proprio come accadeva in Cina.

Non ci dispiacerebbe pagare per riciclare la pellicola di plastica, se ciò avvenisse in modo responsabile, in un impianto sicuro e rispettoso dell’ambiente, ma non vogliamo che sia scaricata in una discarica o incenerita. Eppure, al momento non abbiamo una soluzione. E ogni giorno il problema cresce. Così, nel frattempo, dopo essersi consultato con Scott, Bob Taylor ha deciso che il nostro primo passo verso una soluzione sarebbe stato quello di amplificare il problema, rendendolo più visibile a tutti nel campus. Il nostro team delle strutture ha iniziato a spostare le balle della nostra pellicola estensibile usata al centro del parcheggio fuori dal nostro magazzino di spedizione, aggiungendola a quella che accumuliamo ogni mese: circa due o tre balle. Al momento si sta formando una montagnola. Abbiamo anche creato un cartello con un messaggio stimolante per i dipendenti:

E questo che cos’è?

È un problema che dobbiamo affrontare. Restate sintonizzati.

Inoltre, le balle rappresentano solo la metà di ciò che usiamo per imballare le chitarre; l’altra metà lascia la nostra struttura quando spediamo i pallet.

Scott Paul mostra che il problema della pellicola di plastica non è solo della Taylor.

“Pensate a tutta la pellicola scartata degli imballaggi dei grandi negozi, dei supermercati e dei commercianti al dettaglio di tutto il mondo” dice. “La maggior parte viene scaricata, mentre alcune quantità vengono incenerite.”

Scott e altri membri del “team green” dell’azienda hanno iniziato a esaminare delle soluzioni possibili, comprese le opzioni alternative di riciclo e l’utilizzo di altri materiali più facili da riciclare. Inoltre, Scott ha contattato un esperto che potrebbe aiutare.

Jan Dell è un ingegnere chimico con trent’anni di esperienza, avendo lavorato in quarantacinque Paesi per le grandi corporazioni nel settore della produzione. Durante la sua carriera, ha guidato programmi per migliorare gli affari sostenibili e le pratiche di resilienza climatica per aziende come Nike, Mattel, Gap e molte altre.

Nel 2018 ha dato una svolta alla sua carriera, è diventata indipendente e ha fondato una ONG chiamata The Last Beach Cleanup per fermare l’inquinamento da plastica. Una delle campagne prioritarie mira a fermare le esportazioni di rifiuti di plastica nei Paesi poveri. Nel 2019 è stata nominata National Geographic Explorer e ha ricevuto una piccola sovvenzione per aiutare le città a ridurre l’inquinamento da plastica. Inoltre, nel 2020 è stata nominata alla Commissione per il riciclaggio dello Stato della California.

In aprile Dell ha visitato il campus Taylor per incontrare Scott Paul, Bob Taylor e un piccolo gruppo di altri dipendenti che fanno parte della nostra task force informale (riuniti appositamente davanti alla nostra collina di plastica) per una conversazione introduttiva. Dell ha condiviso alcune delle sue conoscenze, compresa la realtà che solo una piccola parte dei rifiuti di plastica prodotti viene effettivamente riciclata. Ha spiegato che, solo in California, ogni anno vengono generati un miliardo e mezzo di chili di rifiuti di pellicole di plastica, ma che in California e Nevada sono presenti solo pochi riciclatori di questo prodotto, e possono riprocessarne solo circa quarantacinque milioni di chili. Si tratta di circa il 3%, quindi non sorprende che il cumulo di plastica di Taylor stia crescendo.

Abbiamo esplorato l’uso di prodotti alternativi che sono commercializzati come biodegradabili, ma abbiamo scoperto che hanno meno efficacia e Dell afferma che ci sono altri ostacoli che ne impediscono un uso più ampio, come il fatto che la maggior parte delle operazioni di compostaggio non accetta rifiuti in bioplastica, perché non si biodegrada in modo sicuro e diventa contaminazione nel compost.

“E le discariche odierne sono progettate per immagazzinare i materiali per prevenire le emissioni di metano, così la pellicola di plastica non si biodegraderà e non scomparirà in una discarica”, afferma.

Dell ha concluso che la migliore linea d’azione che Taylor può perseguire è quella di continuare a ridurre al minimo l’uso della plastica dove possibile. L’azienda può anche richiedere maggiormente ai propri fornitori involucri di plastica con una percentuale di contenuto riciclato e incoraggiare altre aziende a fare lo stesso. Questo aiuterà ad aumentare in modo graduale l’infrastruttura della catena di fornitura intorno al prodotto e ad accelerarne l’uso.

Nel frattempo, la nostra esposizione di plastica ha già avuto un impatto sui dipendenti Taylor. Dopo che abbiamo presentato il problema nella nostra newsletter interna, un certo numero di dipendenti (i nuovi dipendenti-proprietari) ha preso l’iniziativa di trovare modi per ridurre il consumo di pellicola estendibile nei propri dipartimenti.

Nel frattempo, continuiamo a istruirci con l’aiuto di persone come Dell e a perseguire in modo attivo delle opzioni migliori. Ci assicureremo di tenervi aggiornati sulle condizioni dello spreco di plastica e sulle alternative che svilupperemo.

La strada da percorrere

Scorri verso il basso

Gli artisti e i fan di tutto il mondo hanno trovato nuovi modi per far girare la musica in un periodo di assoluta anormalità.

Non è un segreto che il 2020 sia stato un anno impegnativo e l’ecosistema musicale non fa eccezione. L’industria della musica si è dimostrata particolarmente vulnerabile a una crisi che portato alla chiusura degli spazi pubblici e a costringere le persone a restare a casa tranne che per reperire beni di prima necessità. I musicisti di ogni livello hanno vissuto il trauma collettivo degli spettacoli annullati, dei tour posticipati e dei festival rimandati. In tutto il mondo i locali hanno dovuto chiudere i battenti, alcuni per sempre, non riuscendo a sopravvivere alle ripercussioni economiche della pandemia. In apparenza, può essere sembrato che la musica… abbia smesso di esistere.

Ma nel mondo digitale la musica ha prosperato. Gli artisti si sono dati da fare nei loro salotti, nelle cantine e nei loro appartamenti angusti, creando musica lontano dai riflettori e trovando nuovi modi per mostrarla al mondo. Nonostante la reticenza delle case discografiche a lanciare nuovi artisti, o la riluttanza delle stazioni radio a trasmettere la loro musica, i musicisti hanno continuato a comporre canzoni, a registrare album e a suonare per i propri fan. Il termine “album pandemico” ha preso piede nel vocabolario dei critici, assicurando una specie di capsula del tempo musicale che sarà analizzata negli anni a venire. Per molti, i social media e gli streaming in diretta hanno preso il posto delle case discografiche e dei promoter: musicisti di ogni calibro si sono connessi a Instagram, Facebook e TikTok per condividere le proprie opere, parlare ai fan e perfino comporre nuove canzoni davanti a un pubblico in diretta. È stata una dimostrazione del bisogno collettivo di musica e della capacità di adattamento per viverla appieno in questo periodo.

Gli artisti cavalcano l’onda dello streaming in diretta 

Lavorando controcorrente, gli artisti hanno iniziato a sfruttare i loro legami con la comunità della musica per tornare “sul palco” senza mettere a rischio la salute delle persone. Questi spettacoli, trasmessi in streaming tra siti web, social media o piattaforme dedicate come StageIt, sono esplosi in un periodo in cui gli introiti tradizionali per artisti e locali si sono ridotti all’osso, offrendo musica dal vivo ai fan che ne avevano un disperato bisogno. Solo un paio di anni fa questo tipo di esperienza sarebbe stata impossibile, non per motivi logistici o tecnologici ma perché il pubblico non era disposto a pagare per musica dal vivo che non fosse dal vivo nel senso proprio del termine: la vicinanza ai musicisti, l’immersione sonora, la sensazione di movimento nella folla insieme ad altre persone appassionate quanto te.

Ma la gente non ha iniziato a pagare per i concerti virtuali solo perché non era possibile assistere dal vivo. La natura dello streaming si è trasformata per soddisfare un nuovo tipo di domanda, certo, però non si è limitata a organizzare spettacoli in un mondo digitale, ma ha voluto cercare un legame tra musica e comunità quando la maggior parte del pubblico era bloccata tra le mura di casa. Invece di offrire una performance “dal vivo” che potevano registrare in precedenza, gli artisti hanno organizzato spettacoli che prevedevano la partecipazione attiva del pubblico.

Guarda gli Switchfoot suonare la loro canzone “Float” in un episodio di The Fantastic Not Traveling Music Show filmato da una mongolfiera.

I musicisti già popolari sono riusciti a sfruttare le loro schiere di appassionati, organizzando spettacoli settimanali in cui suonavano canzoni originali, cover e pezzi richiesti dal pubblico, interagendo e chiacchierando con i fan. Gli Switchfoot, il gruppo alt-rock di San Diego, sono stati tra i primi gruppi ad azzeccare la formula per gli streaming in diretta a pagamento, creando una serie chiamata “The Fantastic NOT Traveling Music Show” (“Il fantastico show musicale NON itinerante”). I fan potevano comprare biglietti singoli per specifici streaming settimanali o pagare una modica quota mensile per accedere a tutti gli show, con la band che lavorava sodo per renderli sempre divertenti e originali. Questa piattaforma, racconta Tim Foreman, il bassista degli Switchfoot, voleva continuare a mantenere il legame tra musica e spettatori e offrire un sostegno allo staff della band che aveva perso gli introiti degli spettacoli dal vivo.

“Per noi la musica è sempre stata la strada da percorrere, anche quando ci sentivamo smarriti”, spiega Foreman. “Perciò non riesco nemmeno a spiegare quanto sia stato emozionante suonare nel nostro primo streaming dal vivo a giugno. È stata una sensazione incredibile ritrovarsi di nuovo a suonare insieme ad altra gente”.

Il pubblico di tutto il mondo sembrava sulla stessa lunghezza d’onda. In poco tempo gli streaming dal vivo si sono trasformati da un’esperienza visiva monodirezionale a un dialogo in cui gli artisti si relazionano direttamente con i fan, suonando brani richiesti dal pubblico e, più in generale, creando un legame con gli spettatori impossibile da stabilire nei normali concerti dal vivo. Foreman dice che anche se lui, i suoi compagni e i musicisti di tutto il mondo non vedono l’ora di tornare a esibirsi dal vivo “per davvero”, gli streaming diventeranno quasi certamente una parte normale del processo di creazione musicale e di crescita del pubblico.

“Siamo tutti d’accordo che gli streaming dal vivo non sostituiranno i concerti normali”, afferma. “Ma sono convinto che siano una cosa a parte, consentendo agli artisti di legare profondamente con i loro fan e di aprire un nuovo mondo di opportunità, specialmente a livello internazionale. Stiamo suonando musica dal vivo per gente da tutto il mondo, in paesi che non abbiamo mai visitato, e mi trovo a pochi chilometri da casa mia. Abbiamo conosciuto persone con problemi di salute che non possono andare ai concerti e questo periodo ha aperto loro un mondo nuovo. E le storie non finiscono qui”.

La trasformazione dei locali

Il boom dello streaming ha aiutato anche altri settori dell’industria musicale. Nel caso degli eventi musicali, alcuni locali sono riusciti a partecipare al movimento digitale, collaborando con gli artisti al fine di creare streaming semi-permanenti completi d’illuminazione e telecamere. Il risultato è stato un tipo di spettacolo per il quale il pubblico era disposto a pagare, emozionato all’idea di rivedere musica dal vivo, sebbene tramite lo schermo del computer o della TV. Diverse location di primo piano negli Stati Uniti, come il Red Rocks Amphitheatre in Colorado o l’Hollywood Bowl a Los Angeles, si sono ingegnate per organizzare al volo una programmazione digitale, allestendo concerti pop, esibizioni sinfoniche e altri spettacoli dal vivo da trasmettere in streaming a pagamento.

Anche i locali più piccoli si sono dati da fare. La Belly Up Tavern, una popolare location di San Diego amata da molti membri del team Taylor, ha ospitato sul suo palco diversi artisti che si sono esibiti davanti a pubblici virtuali, attirando nomi di primo piano per dare ossigeno al panorama musicale della città. Quest’anno si sono esibiti i White Buffalo e Ziggy Marley, oltre alla festa organizzata per il 50° compleanno della leggenda locale Steve Poltz, il cui brano “Quarantine Blues” spopola da mesi sui social media. Molti locali sembrano aderire alla massima di Thoreau che all’inizio dell’anno abbelliva la facciata del Belly Up: “Quando sento la musica, non temo alcun pericolo”.

Questo sentimento sembra aver pervaso il mondo degli appassionati di musica, soprattutto sui social media, dove gli artisti hanno trovato nuovi modi per aggirare quelle porte dell’industria tradizionale della musica chiuse dalla crisi. La pandemia e le sue conseguenze hanno messo in luce diverse lacune del business della musica, come la ricerca e la promozione di nuovi artisti e le opportunità di inserimento per una nuova tipologia di musicisti, in particolare quelli più giovani, cresciuti condividendo le proprie opere sui social media. Invece di limitare l’uscita di musica originale, la pandemia ha favorito gli artisti emergenti che erano pronti a sfruttare l’espansione delle arene digitali.

Una musica più social

Quest’anno la dinamica “fai da te” degli streaming in diretta ha fatto breccia nel mondo e, per molti artisti, non si è limitata a fornire una soluzione temporanea alla chiusura dei locali, offrendo invece un accesso al mercato per quelle persone che non erano ancora legate a case discografiche.

Per una cantautrice pop come Emma McGann, l’impennata di popolarità dello streaming sui social media ha rappresentato una rivendicazione del lavoro già svolto, permettendole di cavalcare prima di tutti questa nuova onda (vedi il box laterale di questa storia, “Avere successo nello streaming”). Ad altri ha consentito di ottenere e mantenere un pubblico di fan impensabile per la stragrande maggioranza dei musicisti. E sebbene siano stati artisti di ogni età, genere e provenienza a esibirsi negli streaming in diretta, a guidare la carica sui social media sono stati soprattutto i giovani artisti emergenti.

Le modalità di questi streaming variano di musicista in musicista. Alcuni hanno preferito una struttura simile a una serata open mic virtuale, organizzando streaming da una o due ore su YouTube o Twitch, la popolare piattaforma di streaming di videogiochi. Altri hanno avuto un approccio più tradizionale, specialmente su piattaforme come Instagram e TikTok, che facilitano la lettura dei commenti del pubblico e le risposte alle domande dirette dei fan. Alcuni musicisti hanno sfoggiato la loro bravura nell’improvvisazione accettando di suonare una raffica di canzoni richieste dagli ammiratori; altri hanno preferito collaborare con gli spettatori, proponendo idee di canzoni o frammenti di testi da elaborare e comporre insieme ai fan. In generale, sia i nuovi arrivati sia i veterani dell’industria musicale si sono imbarcati sui social media per far progredire la propria carriera durante la pandemia, con qualcuno che è già diventato una star oltre i confini di TikTok e Instagram.

@ratatousicalmusical

#RatatouilleMusical is back for an one night only encore performance to benefit @theactorsfund. Join only on TikTok live tomorrow at 8 PM ET!

♬ original sound – Ratatouille The TikTok Musical

Ma la musica sui social media dell’era COVID si è trasformata e ha avvicinato le persone in modi impossibili da prevedere soltanto un anno fa. Su TikTok, milioni di persone si sono innamorate di cantanti e musicisti che intonavano vecchi canti marinareschi, dando vita a una tendenza che ha aiutato alcuni degli ideatori ad avviare una carriera musicale. Altrove, gli amanti della musica hanno collaborato per creare un musical di Ratatouille, il popolare film della Pixar. A prescindere dal risultato, le persone trovano sempre il modo di produrre musica anche senza poter registrare in uno studio. Ovunque voi guardiate sui social media, potrete trovare le prove del potere della musica nel connettere e ispirare le persone in ogni circostanza.

Avere successo nello streaming

In un mondo normale, Emma McGann avrebbe passato il 2020 a viaggiare per gli Stati Uniti, esibendosi in concerti e vendendo CD ai tavoli di locali affollati. La cantautrice britannica doveva partire in tour ad aprile, un piano andato in fumo quando i lockdown sono entrati in vigore negli Stati Uniti e in tanti altri paesi di tutto il mondo.

Per sua fortuna, McGann aveva già un asso nella manica: da diversi anni produceva e condivideva musica durante gli streaming in diretta dal suo appartamento nel nord di Londra. Vista l’esperienza che aveva accumulato prima dell’arrivo della pandemia, McGann era forse la persona più preparata al mondo quando l’intera industria della musica si è spostata sui social media.

McGann aveva preparato uno spazio ideale per i suoi streaming musicali: uno speciale studio quasi cinematografico completo di sfondo tropicale e neon fluorescenti che si abbinano bene ai suoi capelli eterocromatici. La stanza ha un’atmosfera molto peculiare, un elemento fondamentale per uno streaming di successo: farsi riconoscere. Vedendo uno dei post di McGann su Instagram o TikTok ci si rende subito conto di essere nel suo mondo, un’ambiente di luci iridescenti e piante rigogliose. In aggiunta a questi elementi, la sua isola felice musicale è dotata anche di telecamere e attrezzature da registrazione, oltre alla sua digital audio workstation e alla chitarra (spesso una Taylor) scelta per la sua esibizione.

Visto che moltissimi artisti si stanno cimentando negli streaming in diretta sui social media, abbiamo chiesto a McGann di realizzare una guida che copra le basi delle performance in streaming, dalle riprese alle interazioni con i fan in un contesto digitale. Guardate il video per scoprire come questa veterana ha messo a punto il suo perfetto ecosistema musicale.

Il contributo della Taylor durante la pandemia

Per noi della Taylor, il desiderio di continuare a creare musica deriva dal nostro passato da produttori di chitarre, dai nostri rapporti con la comunità della musica e dalla semplice speranza che, nel nostro piccolo, possiamo aiutare alcune persone a superare un periodo difficile. Perciò, mentre abbiamo continuato a fare ciò che ci riesce meglio, ci siamo anche messi in contatto con la nostra famiglia di artisti, chiamando i nostri amici produttori per registrare nuova musica. Il risultato è stata una canzone originale, scritta da Keith Goodwin e registrata da Gabriel O’Brien, chiamata “I Know What Love Is (Because of You)”.

Composta da Goodwin in memoria di sua nonna, defunta durante l’epidemia di COVID, il cantante dei Good Old War ha collaborato con il nostro Jay Parkin per rimpolpare l’ossatura della canzone e trasformarla in un brano completo. Dopo aver perfezionato la canzone e aver registrato diversi brani, però, questo duo non si è fermato.

Con una canzone finita tra le mani, Goodwin e Parkin hanno contattato artisti di tutto il mondo (musicisti Taylor, cantanti, compositori e tecnici del suono) in modo che potessero dare il loro contributo al brano. C’è chi ha aggiunto parti di chitarra, basso o tastiera, mentre altri hanno prestato le loro voci per cantare il testo o fare da coro. Alla fine più di 50 artisti hanno contribuito al progetto, tra cui Zac Brown, KT Tunstall, Jason Mraz e molti altri, inviando centinaia di brani trasformati poi da Gabriel O’Brien, il talentuoso tecnico del suono e mago della registrazione che collabora di frequente con la Taylor. Grazie al suo sforzo eroico, la canzone è diventata un singolo accompagnato da un video musicale.

Oltre 50 artisti di tutto il mondo hanno contribuito a “I Know What Love Is”, che continua a ricevere donazioni per la fondazione MusiCares.

Al momento della pubblicazione di questa storia, “I Know What Love Is” ha totalizzato più di un milione di riproduzioni su Spotify e altre centinaia di migliaia su altre piattaforme. È stata trasmessa anche da molte stazioni radio in tutti gli Stati Uniti ed è stata citata in riviste del calibro di American Songwriter.

Inoltre la canzone ha raccolto migliaia di dollari per MusiCares, un’organizzazione della fondazione GRAMMY che sostiene le persone e le famiglie che dipendono dall’industria musicale per vivere. MusiCares si è rivelata una risorsa essenziale per i professionisti della musica, specialmente per chi lavora dietro le quinte, nella logistica dei tour e negli studi di registrazione, ovvero quelle persone che fanno girare il mondo della musica. Gli obiettivi dell’organizzazione sono di ampie vedute: dai beni di prima necessità agli affitti, dalla salute mentale alla riabilitazione per l’abuso di stupefacenti. È anche per questi motivi che Keith Goodwin teneva molto alla canzone e a far sì che raggiungesse il suo pubblico, perché MusiCares ha cambiato in meglio la sua vita e la vita delle persone che ama.

Keith Goodwin suona una prima versione di “I Know What Love Is”.

“MusiCares ha praticamente salvato la vita ad alcuni dei miei migliori amici”, racconta Goodwin, “aiutandoli a superare la loro dipendenza. Per questo voglio fare il possibile per sostenere MusiCares”.

Per altre persone coinvolte nel progetto, tra cui il famoso produttore discografico Will Yip, l’idea di sostenere l’intera comunità musicale voleva anche dire mantenere in vita la musica in un periodo difficile.

“Gli artisti, gli staff, i tecnici… hanno tutti bisogno di una mano”, dice Yip, “perché il mondo ha bisogno di loro, ha bisogno del loro talento. Non potrei essere più grato dell’esistenza di questa iniziativa”.

Al Bettis suona “I Know What Love Is” con la sua band.

Di recente siamo riusciti a organizzare una serie di incontri con Keith Goodwin e alcuni degli artisti coinvolti nella creazione della canzone, dove hanno condiviso le loro versioni minimaliste di “I Know What Love Is”. Il fatto che queste interpretazioni soliste riuscissero a conservare e perfino amplificare la forte carica emotiva di una canzone che aveva coinvolto così tanti artisti sta a testimoniare la bravura di Goodwin nella composizione e nel saper avvicinare emotivamente le persone.

Nessuno può negare l’impatto che la pandemia ha avuto sull’industria mondiale della musica e, per molta gente, lo scorso anno è stato un susseguirsi di problemi e ostacoli. Tuttavia, queste circostanze particolari hanno portato a risultati imprevedibili e la musica non si è limitata a sopravvivere, ma in alcuni casi ha prosperato. Dal boom dello streaming in diretta alla rapida evoluzione della musica sui social media, fino ad arrivare all’impegno solidale nel settore, la musica trova sempre il modo di andare avanti.

Playlist Wood&Steel: giugno 2021

Scorri verso il basso

Dall’accattivante R&B di Judith Hill all’indie rock dei Manchester Orchestra, godetevi questa selezione di nuovi e recenti brani della famiglia di artisti Taylor.

L’arrivo dell’estate (e dell’inverno per i nostri amici dell’emisfero australe) ci ha fornito l’occasione perfetta per caricare su Spotify una nuova playlist piena zeppa di eclettici artisti Taylor. Con un po’ di fortuna, potremo presentare le nuove scoperte in vista di un’esplorazione musicale più profonda.

Wood&Steel, giugno 2021

Ovunque voi siate e qualunque cosa abbiate in programma per i prossimi mesi, ci auguriamo che possiate prendervi del tempo per rilassarvi, strimpellare un po’ la chitarra, rivedere gli amici che non incontrate da tempo e ascoltare della buona musica.

  • 2021 Edizione 1 /
  • Lezioni di chitarra: suono, postura e uso del capotasto

Lezioni di chitarra: suono, postura e uso del capotasto

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Nicholas Veinoglou, chitarrista e direttore musicale, mostra alcuni semplici trucchetti che possono aiutarvi ad ampliare la gamma sonora della vostra chitarra e affinare la vostra tecnica.

Di Nicholas Veinoglou

Che siate chitarristi esperti o principianti che muovono i primi passi nel mondo della musica, comprendere le basi del funzionamento della chitarra acustica può migliorare la qualità del vostro allenamento e aiutarvi a estendere l’ampiezza musicale dello strumento e del vostro stile. Godetevi queste brevi lezioni condotte da Nicholas Veinoglou, un eccezionale insegnante di chitarra e musicista Taylor di lunga data.

Postura corretta

Il modo in cui tenete la chitarra mentre suonate può influenzare enormemente la vostra tecnica. Nicholas consiglia di raddrizzare la propria postura, mettersi comodi e lasciare che il corpo lavori insieme alla chitarra.


Consigli sul suono

Nonostante il suo design tradizionale, la chitarra acustica è in grado di produrre un’ampia gamma di tonalità musicali a seconda di come viene suonata. Nicholas illustrerà alcuni semplici modi per ottenere nuovi suoni dalla vostra chitarra.


Usare un capotasto

Il capotasto, uno strumento essenziale per ogni chitarrista, vi permette di cambiare la tonalità della chitarra acustica senza doverla riaccordare, così che possiate suonare e cantare nel registro che si adatta meglio alle vostre capacità. Qui Nicholas mostra come e quando bisogna usare il capotasto con una chitarra acustica.

shawn persinger playing taylor acoustic guitar

Gli esercizi migliori

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Negli ultimi mesi in cui più persone hanno imbracciato una chitarra, sapere come esercitarsi è importante tanto quanto trovare il tempo per divertirsi.

Chiunque sia collegato al business delle chitarre – liutai, rivenditori, clienti, artisti, giornalisti, ecc. – vi dirà che questo periodo caratterizzato dal COVID è stato strano per tutti. Solo un paio di anni fa i maggiori media – The Washington Post, Billboard, Fortune e altri – si lamentavano del declino dello strumento. E poi all’improvviso nell’estate 2020 la domanda di chitarre è salita così tanto che i liutai non riuscivano a soddisfarla, i negozi ne erano sprovvisti e i musicisti cercavano qualsiasi cosa, dalle Stratocaster alle corde. Anzi, sembra che quando il gioco si fa duro, i duri prendono le chitarre!

Questo mi porta all’argomento dell’esercitarsi. Come insegnante, di solito il commento/scusa/motivo più comune che ho sentito dagli studenti sui progressi lenti (giudizio loro, non mio) è la mancanza di tempo per esercitarsi. Così, date le recenti circostanze, molti musicisti stanno scoprendo se il nemico sia davvero il tempo o se non sia piuttosto un suo cattivo uso.

Ma forse adesso i progressi non sono così importanti. E il divertimento? Avere più tempo per suonare è importante quanto avere tempo per esercitarsi. Spero che troverete un equilibrio ed è proprio ciò su cui vuole riflettere questo articolo: riconoscere l’importanza della musica nelle nostre vite e aiutarvi a creare un ambiente musicale dove sia principianti che veterani possano esercitarsi, imparare, crescere, creare, condividere e divertirsi.

Suonate qualcosa che vi piace

Suonate e basta. Prendete lo strumento e divertitevi. Suonate quella canzone che avete suonato migliaia di volte come se fosse la prima. Ricordate? Era bellissimo.

Ci sono due momenti cardine nella mia carriera chitarristica che mi porto dietro. Il primo è stato imparare a suonare la chitarra ritmica di “Rock You Like a Hurricane” degli Scorpions. Allucinante! Sembrava quasi una canzone quando la suonavo! Sicuramente batteva quegli accordi in prima posizione di Sol e Do nel libro della Mel Bay. Ancora oggi, se voglio rinfrescare il mio suonare, tutto quello che devo fare è strimpellare il power chord leggermente sincopato dell’intro della canzone e sono di nuovo un tredicenne principiante, ansioso di suonare, esercitarsi e imparare di più.

Il secondo evento chitarristico radicato nel mio cervello e il cui ricordo mi mantiene zelantemente desideroso di migliorare risale a qualche anno dopo, quando il mio modo di suonare aveva fatto qualche progresso. La straordinaria esperienza si è verificata un pomeriggio, mentre suonavo “Gesù gioia degli uomini” di J.S. Bach con estatica gioia. Oggi, quando risuono questo particolare pezzo, sono avvolto da due ricordi sensoriali: in primo luogo, il brivido della mia capacità di suonare (anche se male) una composizione così monumentale; e in secondo luogo, la consapevolezza che la mia ragazza di allora ne sarebbe stata incantata (non sono sicuro che lo fosse, ma l’autoillusione ha i suoi vantaggi).

Quindi, riconosciamo che suonare la chitarra va al di là dell’uditivo e dell’immediato. Risuona nel tempo emotivamente, fisicamente e spiritualmente. Le canzoni che amiamo, che poi impariamo a suonare, avranno un impatto duraturo, perciò riconosciamo e assaporiamo quei momenti euforici. Anche se potrebbero non materializzarsi così spesso come vorremmo, questa è una delle cose che le rende speciali.

Rallentate

Naturalmente, il motivo per cui riuscivo a suonare Bach in modo a malapena passabile è stato perché mi sono esercitato per diversi anni (anche se non posso ignorare il fatto che volevo farmi bello con la ragazza del mio cuore). Inoltre, avevo l’intavolatura. Fu così che la routine suonare, esercitarmi, suonare, esercitarmi (o esercitarmi, suonare…) divenne centrale nella mia esistenza e lo è ancora oggi. Senza dubbio, questo è vero per molti di voi. Tuttavia, anche con il tempo e la motivazione, molti chitarristi non sanno bene con cosa e come esercitarsi. Anche se ci sono diverse risposte a queste domande, c’è un consiglio specifico che dovrebbe aiutare ogni musicista a migliorare l’efficacia delle sue esercitazioni: rallentare!

Guardate Shawn mentre illustra la sua tecnica di allenamento col metronomo.

Non so dirvi quante volte vari studenti hanno confessato: “Ho suonato questo pezzo per anni, ma questa sezione proprio non mi viene”. E le sezioni vanno da una difficile combinazione di fingerstyle o da una rapida pennata alternata a un apparentemente irraggiungibile tratto di sette tasti o a un accordo in Si minore eseguito male.

Ho scoperto che il semplice rallentare funziona a meraviglia per questi ostacoli apparentemente insormontabili. Ma dovete suonare molto lentamente, molto più di quanto non vi piaccia di solito. Se il tempo di esecuzione è di 120 bpm (ovvero il metronomo è impostato a 120 con una nota da un quarto per ogni clic), allora dovreste esercitarvi a 30 bpm, quattro volte più lenta della performance. Sarà straziante! Infatti, 30 bpm sul metronomo sembrerà così impossibile che suggerisco di impostarlo a 60 bpm e di suonare una nota da un quarto ogni due clic (è lo stesso che per le note da un quarto a 30 bpm, ma è più veloce per i clic più frequenti). La maggior parte dei musicisti scopre che non sono le note a essere complicate, bensì suonarle a tempo. Tuttavia, molti chitarristi non sono disposti a rallentare i passaggi, illudendosi di essere obbligati a esercitarsi sul pezzo allo stesso tempo. No, i chitarristi eccezionali non si esercitano in questo modo. Il tempo di esecuzione dovrebbe essere costante, ma i tempi di esercitazione variano. Ogni singola frase richiede il proprio tempo di pratica.

Quando riuscirete a suonare la vostra frase a 30 bpm, vi accorgerete di essere in grado di suonare la musica! Poi si inizia semplicemente ad accelerare, due clic alla volta. Esatto, da 30 a 32 bpm, il che sarà noioso, ma darà risultati. Continuate con questo approccio – che può richiedere mesi, da due a quattro clic al giorno (può sembrare un tempo lungo, ma conosco musicisti che si allenano nelle stesse frasi con noncuranza per anni senza mai riuscire a padroneggiarle) – fino a quando non troverete il vostro ritmo di esecuzione.

Ed ecco il problema: potreste non suonare mai la parte al tempo originale della performance. Questa è la natura del gioco. Alcuni chitarristi sono solo più veloci di altri, come alcuni atleti sono più veloci, più alti, più forti, ecc. Tuttavia, niente di tutto ciò significa “meglio”. Quindi, trovate il vostro tempo di esecuzione e rendete il pezzo un po’ più vostro. Ricordate, avete il vostro suono, tono, fraseggio, attacco, estensione, ecc. Se mettete in evidenza queste qualità, vi prometto che nessuno si lamenterà mai del tempo. 

A rischio di generalizzare, quando nuove tecniche e canzoni cominciano a riuscire naturalmente ai chitarristi di lunga data, anche dopo anni di duro lavoro innaturale, quegli stessi chitarristi tendono a non avere pazienza a rallentare nuove frasi onerose (per non parlare di quelle vecchie), scegliendo invece di lamentarsi del fatto che quelle note sono troppo faticose. Di conseguenza, raramente fanno progressi oltre una certa soglia. Così, non è solo l’abilità che produce il miglior musicista, ma anche la pazienza. I principianti dovrebbero prestare attenzione a questa lezione e fare dell’esercizio lento e deliberato un’abitudine fin dall’inizio.

Fate un video (ma non postatelo!)

Un consiglio inestimabile che do agli studenti è di suonare il più possibile con altri musicisti. Suonare con un altro musicista può migliorare drasticamente il vostro modo di suonare per un sacco di motivi. Purtroppo, in un’epoca in cui prevale il distanziamento sociale, i musicisti hanno meno opportunità di fraternizzare. Perciò, se non posso offrire un sostituto alla pari, fornisco un valido ausiliario (che si dovrebbe continuare a usare anche dopo il COVID).

Shawn mostra come migliorare il proprio stile filmandosi durante le sessioni di allenamento.

Iniziate a videoregistrare le vostre routine di allenamento e guardatele immediatamente! Esaminatele. Quando vi guardate, studiate cosa funziona e cosa no. Se funziona, non cambiate nulla, anche se la vostra tecnica sembra imbarazzante. Finché suona bene, è buona. Non credo nel dogma che ci sia una tecnica o uno stile perfetto per suonare. Se funziona per voi, o per Hendrix con il pollice oltre il manico, o per Jeff Healy con la chitarra sdraiata, o per Django con tre dita, nient’altro conta. Le uniche volte in cui suggerisco di cambiare la tecnica di uno studente è quando provoca dolore o lo studente non migliora.

Speriamo che nel video vedrete e sentirete subito se funziona o meno. Se non è così, sperimentate delle alternative. Dedicate un po’ di tempo alla ricerca di varianti online (anche se ci sono innumerevoli lezioni video di qualità variabile, ho scoperto che alcune spiccano di più, quindi prima studiate le lezioni più popolari). Fate in modo che la ricerca faccia parte della routine di pratica. Dieci o venti minuti di ricerca delle lezioni più adatte possono valere una vita di piacere musicale! Dopo, portate i frutti di questo lavoro nel vostro modo di suonare e girate un altro video. Seriamente, sforzatevi di filmare e guardare tutte le vostre routine di esercitazione per la prossima settimana o per un mese, e vedete se questo eleva il vostro modo di suonare. Socrate ha scritto: “La vita non esaminata non vale la pena di essere vissuta”. Il mio riff su questo potrebbe essere: “La performance non esaminata non vale la pena di essere ascoltata”. 

State usando i video per raggiungere l’obiettivo, non per documentarlo. Quindi non pubblicateli online: sono solo per i vostri occhi e le vostre orecchie.

Un’ultima parola

Devo avvertirvi che, anche se implementate i suggerimenti che vi ho dato qui, probabilmente la vostra vita chitarristica sarà ancora disomogenea. C’è da aspettarselo. L’esecuzione e lo studio della musica sono un’eterna ricerca. Ci saranno giorni buoni e altri cattivi; forse più cattivi che buoni se si cerca di migliorare. Anche se, ironia della sorte, una brutta giornata conquistata può essere più gratificante di una buona giornata sottovalutata. Come detto fin dall’inizio, spero che troverete un equilibrio tra il divertimento e il lavoro in questo periodo complicato. La storia guarderà a questo periodo con una lente sfaccettata e non c’è dubbio che la musica e l’arte avranno aiutato ad alleviare le difficoltà. Per fortuna, una volta che ci troveremo in pascoli più verdi, la musica sarà ancora lì.

Sogno ricorrente

Scorri verso il basso

Inizialmente concepita come una serie in edizione limitata durante la pandemia, la nostra serie American Dream si è guadagnata un posto fisso all’interno della linea Taylor.

Si può dire che la maggior parte di noi non vedeva l’ora di voltare pagina rispetto al 2020, anche se il nuovo anno solare era solo un azzeramento simbolico. Le turbolenze degli ultimi mesi hanno messo alla prova la determinazione di molti e hanno sfidato tutti ad adattarci al volo alle nostre nuove realtà.

Dalla nostra posizione privilegiata alla Taylor, ci siamo sentiti particolarmente vicini alla comunità di musicisti e di altri operatori del settore che hanno sofferto, insieme ai fan che non hanno potuto godere dei piaceri condivisi delle esibizioni dal vivo come gruppo.

Ci è stato anche ricordato il ruolo che la musica svolge nell’aiutarci nei momenti difficili e che troveremo sempre modi di farla e di condividerla. Anche con i concerti annullati, gli artisti hanno dedicato del tempo a scrivere e registrare musica nelle loro case, hanno collaborato da remoto con i membri delle band e hanno trovato nuovi modi per coinvolgere i fan attraverso le piattaforme di video streaming. Nel frattempo, molti di noi hanno scoperto, o riscoperto, la gioia, il conforto, la liberazione catartica di prendere uno strumento e fare musica nella propria casa, in alcuni casi insieme alla famiglia.

Qui alla Taylor abbiamo affrontato altre sfide come azienda che era stata costretta a mettere in pausa la produzione di chitarre a marzo dello scorso anno. Sapevamo che produrle sarebbe stata la strada da seguire, ma i tempi erano cambiati e dovevamo rispondere realizzando chitarre che fossero giuste in quel momento.

Queste circostanze hanno dato vita alla nostra serie American Dream, concepita dal mastro liutaio Andy Powers e da Bob Taylor, e intitolata al negozio dove Bob e il co-fondatore della Taylor, Kurt Listug, si sono incontrati e hanno lanciato la loro azienda di chitarre. Il nome American Dream era più di una nota storica o di un soprannome di marketing. Era un’affermazione appropriata dello spirito resiliente e risolutore dei problemi di Taylor, che è diventato un aspetto determinante della nostra cultura.

Josh Krajcik, cantautore originario dell’Ohio, suona la sua nuova canzone, “Close Your Eyes”, con la sua Taylor della serie American Dream, l’AD17e Blacktop.

Date le circostanze uniche in cui si è operato durante la pandemia, lo sviluppo e il lancio delle chitarre American Dream hanno richiesto un livello di sinergia creativa diverso da qualsiasi cosa abbiamo sperimentato durante i nostri quasi cinquant’anni di attività. È successo anche in un arco di tempo compresso, nota il vicepresidente delle vendite Taylor Monte Montefusco, che ci si è trovato nel mezzo.

“Questo progetto ha preso forma a una velocità mai vista prima” dice Montefusco. “Sapevamo che dovevamo agire in fretta, ma non avevamo idea della velocità con cui potevamo lavorare in queste circostanze. Il risultato di questo incredibile sforzo del nostro team è un successo notevole in tempi senza precedenti.”

Il design della serie American Dream è stato dettato da un’etica snella, “tutto ciò di cui hai bisogno, niente di più”, con caratteristiche ben fatte che sono state distillate nella miscela ideale di prestazioni di livello professionale, utilità e convenienza. Volevamo che queste chitarre fossero interamente in legno massiccio che avremmo potuto realizzare nella nostra fabbrica di El Cajon, in California. Avevamo bisogno di lavorare con l’inventario di legno che avevamo già e di limitare l’eventuale ulteriore tempo per gli attrezzi necessario per rendere le chitarre pronte per la produzione. Volevamo anche che queste chitarre fossero più accessibili rispetto a tutte le altre in legno massiccio prodotte negli Stati Uniti che offrivamo.

man playing Taylor American Dream AD17e Blacktop acoustic guitar with microphone

Abbiamo lanciato la serie lo scorso giugno con un trio di modelli versatili Grand Pacific: due con fondi e fasce in ovangkol abbinati a un top in abete rosso – uno naturale, l’altro nero – e un altro con fondi e fasce in sapelli e top in mogano. Nei mesi successivi commercianti, artisti, recensori e appassionati hanno messo le mani su queste chitarre e hanno avuto la possibilità di farsi delle impressioni.

Anche se ogni musicista ha la propria esperienza con queste chitarre, la risposta è stata coerente: questi strumenti sono autentici, impressionano i musicisti con il loro calore tonale, la suonabilità e l’accessibilità.

Recensioni

Per le AD17 e AD17 Blacktop in ovangkol/abete rosso, recensori come Andy McDonough di American Songwriter hanno lodato la risposta veloce e la potenza di queste chitarre.

“L’AD17 ha un suono grande, ricco e una definizione piacevole che richiede poco sforzo per suonare”, scrive, “ma è anche molto reattiva sul manico e si articola bene sia per il fingerpicking che per il fingerstyle. Le basse calde possono riempire la stanza di suoni strummer…. La chitarra ha un volume e caratteristiche dinamiche ottimi, e un lungo e bellissimo sustain.”

La serie American Dream deve gran parte della sua risonanza e sensibilità superiori all’incatenatura Classe V, che aggiunge una notevole potenza e aiuta le note a risuonare più a lungo prima di decadere. Il risultato, nota Michael Watts di Guitar.com nella sua Big Review, è un suono con una struttura e una complessità impressionanti.

“C’è una bella brillantezza all’estremità superiore e un sostegno impressionante attribuibile in non piccola parte all’incatenatura Classe V.”

Michael Watts, Guitar.com

Altri recensori hanno risposto all’aspetto legnoso e non elaborato e al suono delle chitarre. Questi modelli devono il loro carattere naturalistico in parte alla finitura opaca ultrasottile di 0,05 millimetri, che conserva l’originale struttura porosa dei legni, e in parte ai bordi slegati e alle caratteristiche spartane. Nella loro esplorazione della serie American Dream per i loro video Tone-Lounge Sessions, i recensori Neville Marten e Richard Barrett hanno commentato la sensibilità estetica che collega gli spunti visivi di queste chitarre alle loro capacità musicali.

“I bordi smussati fanno sì che [queste chitarre] sembrino proprio organiche”, dice Marten, “e suonano anche così… È un suono molto focalizzato con medie ricche e perfetto per i microfoni. Non suonano ‘prodotte’.”

Questo carattere sonoro è in linea con il modo in cui Andy Powers ha progettato la forma del corpo Grand Pacific, che conferisce a ciascuno dei modelli dell’American Dream il tradizionale appeal visivo dello stile dreadnought a spalla tonda. I recensori continuano ad apprezzare l’uscita del suono stagionato della Grand Pacific. Tra loro vi è Teja Gerken di Peghead Nation, che ha commentato come il profilo musicale dell’AD27e con top in mogano confermi quel suono dalle tonalità vintage, pur mantenendo un equilibrio che dovrebbe affascinare tutti i tipi di musicisti.

woman playing Taylor AD27 acoustic guitar on bench

“L’AD27e era caratterizzata da una grande ‘rotondità’ sonora complessiva, con un bel calore delle basse, e dalla gamma dinamica leggermente compressa per la quale sono note le chitarre con top in legno duro”, dice Gerken. “Queste qualità hanno reso la chitarra ottima per lo strummer, ma aveva anche un bel bilanciamento per suonare in fingerstyle. Il corpo relativamente grande dello strumento produceva un volume rispettabile e non esiterei a raccomandarla a chi vuole suonare più stili con una sola chitarra.”

Greken descrive anche il modo eccezionale in cui il pick-up Expression System 2 e il preamplificatore trasmettono quel suono caldo e rotondo durante le sessioni collegate.

“Il collegamento a un Fishman Loudbox Mini ha continuato a dare l’impressione che l’AD27e offra un carattere Taylor completamente sviluppato”, dice. “In effetti, in un ambiente amplificato, potrebbe essere difficile sentire la differenza tra l’American Dream e le Taylor di fascia più alta, che usano lo stesso pick-up e lo stesso pacchetto di elettronica.”

In puro stile Taylor, la suonabilità e la sensazione sono fondamentali per la serie American Dream tanto quanto la qualità del suono. Con i bordi smussati al posto del binding tradizionale, ogni chitarra di questa serie risulta accomodante, sia che siate chitarristi  principianti o professionisti esperti. Nella sua dettagliata recensione della serie per Guitar Player, Art Thompson ha sottolineato come ogni elemento di queste chitarre sia stato realizzato per offrire una ricca esperienza musicale.

“La sensazione del manico a forma di C è fantastica grazie alla profondità media e all’ampiezza di 4,36 centimetri al capotasto” dice Thompson. “Lo spazio tra le corde è ottimo, sia per gli assoli che per i complessi accordi fingerstyle, e l’impostazione di fabbrica è ben calibrata, fornendo un’azione delle corde bassa e senza ronzii e un’intonazione solida come una roccia lungo tutto il manico.”

Inoltre, Thompson ha lodato anche la sensazione intima e stimolante di queste chitarre.

“Il modo in cui queste chitarre leggere trasmettono la vibrazione delle corde attraverso il corpo e il manico è surreale”, scrive. “È risonante e dinamica, e la reattività al tocco sarà apprezzata dai chitarristi fingerstyle.”

woman playing Taylor American Dream acoustic guitar at open mic show

Anche Chris Gill di Guitar World, cheha recensito l’AD17e Blacktop, ha adorato la sensazione al tatto.

“La suonabilità è semplicemente superba, con il manico che dà una sensazione flessuosa da sogno, all’altezza del nome della serie”, scrive.

Gill accenna anche al carattere sonoro unico paragonato alle altre chitarre dreadnought tradizionali.

“Adatta alle sue grandi dimensioni in stile dreadnought, l’AD17 offre una potente proiezione di volume ma, a differenza delle tipiche medie di una dreadnought, qui sono potenziate in modo impressionante, producendo un suono ricco, dolce ed equilibrato, ideale per il fingerstyle così come per un ritmo più vigoroso”, dice. Alla fine, Gill ha assegnato alla chitarra il Gold Award for Performance della rivista.

Le reazioni degli artisti

Certo, eravamo ansiosi di far provare la serie American Dream agli artisti. A testimonianza del grande fascino della filosofia del design Taylor, la nostra rosa di artisti comprende cantautori, produttori, ingegneri e musicisti di tutti i generi, dai veterani dell’industria ad artisti emergenti che perfezionano le loro abilità musicali e il loro stile.

La cantautrice inglese Cat Burns ha apprezzato l’approccio della serie American Dream per una musicista come lei, che ha sviluppato una voce distintiva e sta appena iniziando a introdurre suoni acustici nella sua musica. Dopo aver visto Cat suonare la sua Blacktop AD17 sul suo feed di Instagram, ci siamo messi in contatto con lei per sapere cosa ne pensasse della chitarra.

“Adoro l’American Dream!” ha detto. “Sto imparando i pro e i contro della chitarra e questa è la migliore da avere. È così facile da suonare ed è fantastica.”

Matt Beckley, che ha scritto, prodotto e registrato canzoni con artisti come Switchfoot, Justin Bieber, Camila Cabello, Avril Lavigne e Jewel (oltre a molti altri), ha fornito la prospettiva unica di un musicista che spesso sente le cose da dietro il pannello di controllo. Beckley ha amato, tra le altre cose, l’estetica dell’AD17 Blacktop.

“All’inizio l’ho scelta perché era nera”, dice Beckley. “L’ho tenuta perché ho otto acustiche e questa è diventata rapidamente la mia preferita con cui suonare e registrare.” Ha la classica vibrazione della spalla slope, ma con la leggendaria coerenza di Taylor. È una vittoria. In più, è nera.

“L’adoro” ha aggiunto.

Ha il suono giusto. La suonabilità giusta. Non è vistosa, è tutto ciò di cui hai bisogno, niente di più. L’ho sentita subito come una vecchia amica.

Matt Beckley

In generale, sia i musicisti che i recensori hanno fatto eco alla reazione di Beckley, rispondendo al fascino distillato, onesto e diretto che deriva dal design sobrio e dal carattere musicale della serie American Dream.

Soprattutto, il nostro obiettivo con questa serie era quello di soddisfare le esigenze del chitarrista di tutti i giorni con una nuova linea di strumenti in grado di alimentare la creatività in un momento in cui tutti abbiamo più che mai bisogno di musica. Ci auguriamo che i chitarristi di tutto il mondo possano godere della serie American Dream e continuare ad affidarsi alla musica come fonte di guarigione e di comunione.

Troverete le nostre chitarre American Dream presso i rivenditori autorizzati Taylor ovunque. Per ulteriori contenuti, tra cui video dimostrativi e altro, visitate taylorguitars.com.

Artista in primo piano: FINNEAS

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L’artista-produttore vincitore di Grammy spiega perché la chitarra acustica non mente e perché la sua GT è un canale creativo per le sue idee.

Malgrado il coronavirus abbia costretto molti di noi all’isolamento sociale e abbia privato i creativi delle loro tipiche fonti di ispirazione (e di reddito), questa pandemia non ha infranto lo spirito dell’industria musicale. Tra coloro che mantengono vivo il sogno c’è FINNEAS, un prolifico cantautore, produttore e polistrumentista, emerso come una forza potente nel mondo della musica pop nonostante abbia lavorato soprattutto in cameretta.

Dopo un periodo come attore protagonista per lo show di successo Glee, FINNEAS è stato per la prima volta sotto le luci della ribalda come musicista grazie al lavoro con la sorella, Billie Eilish. Da un paio di anni il pop tenebroso e seducente di questo duo domina le classifiche ed è la colonna sonora di un mondo sempre più incerto. Con già cinque Grammy all’attivo alla veneranda età di 23 anni (tra cui “Produttore dell’anno, non classico”, per il 2020), FINNEAS si è fatto valere anche come artista individuale, contando più di 640 milioni di streaming sulle maggiori piattaforme e guadagnando altre tre possibilità di aumentare la sua collezione di Grammy per il 2021.

Click to Play
Click to hear FINNEAS’ hit “Break My Heart Again.”

Ascoltare la sua musica è come fare un giro a una fiera hi-fi di tecniche musicali moderne: canzoni che passano dal fingerstyle acustico alle melodie quasi da pianobar abbinate al suo modo di cantare sussurrato ai bassi pompati e alle percussioni straordinarie. È uno stile vibrante e testurizzato, che mescola suoni acustici con l’elettricità techno e una buona dose di R&B, che riflette lo spirito di uno sperimentatore che può sia portare il lavoro di un artista al prossimo livello che creare mix sonori potenti da solo.

Avendo affinato le abilità e il suono usando principalmente degli strumenti che aveva in casa, FINNEAS ha sviluppato uno stile di lavoro veloce e improvvisato, che richiede strumentazione efficiente e accessibile, soprattutto per quanto riguarda chitarre. Quando viene in mente un’idea, è grazie a qualsiasi strumento a portata di mano se viene tradotta in suono, una stranezza creativa che traspare nella sua musica camaleontica. Per guadagnarsi un posto nel suo studio, uno strumento deve essere abbastanza resistente da tenere il passo con la sua agenda fitta di impegni e con i suoi schemi creativi spontanei, e allo stesso tempo comunicare un carattere musicale ispiratore.

Recentemente, Taylor ha costruito per FINNEAS un modello Grand Pacific personalizzato tutto bianco per esibirsi dal vivo e lavorare in studio. Mentre preparavamo il lancio della nuova forma del corpo GT, sapevamo che avrebbe dovuto essere tra i primi artisti a provarla. Eravamo entusiasti di mettere una delle prime chitarre GTe Urban Ash nelle mani di un musicista impegnato a lavorare e felici di sapere che era diventata un pezzo forte del suo arsenale musicale.

Anche durante una pandemia, FINNEAS è molto richiesto: scrive con impeto insieme alla sorella mentre è rintanato nella sua casa nell’area di Los Angeles e la maggior parte del tempo che gli rimane è dedicata a tenere il passo con una serie di collaborazioni in corso. A dicembre ha fatto una pausa per unirsi a noi per una serie di domande a raffica sulla sua esperienza nel creare musica in quarantena e sul suo approccio unico alla scrittura e alla produzione di canzoni con le chitarre acustiche.

L’album solista di debutto di FINNEAS, Blood Harmony, è uscito nel 2019 e ripubblicato nel 2020 con nuove tracce. potete ascoltare il suo lavoro su tutte le maggiori piattaforme di streaming.

Che ruolo riveste la chitarra (soprattutto quella acustica) nel tuo processo creativo?

Se una canzone suona bene su una chitarra acustica, so che suonerà bene ovunque, quindi mi piace sempre iniziare a scrivere così.

Com’è cambiato questo processo creativo con la pandemia?

Onestamente, è cambiato pochissimo. Ho scritto e registrato canzoni per 10.000 ore nella mia stanza, quindi è rimasto pressoché invariato.

Cosa deve avere una chitarra acustica per il tuo stile di scrittura e produzione?

Dinamica, chiarezza e corpo.

Cosa deve avere una chitarra per le tue esibizioni?

Durabilità e un gran bell’aspetto.

Cosa rende uno strumento come la Taylor GT utile per un musicista come te?

È una chitarra fantastica e mi facilita moltissimo il lavoro.

Com’è suonare una GT rispetto alla Grand Pacific tutta bianca a dimensioni normali?

Adoro la sua portabilità: non voglio che gli strumenti siano d’intralcio e mi piace che siano trasportabili ovunque il più possibile. E il suono di questa chitarra non soffre affatto a causa delle sue dimensioni.

Cosa ti ha ispirato a iniziare a suonare la chitarra?

I Beatles.

Cosa pensi del futuro della chitarra, in particolare di quella acustica, come strumento musicale convenzionale?

Negli ultimi anni la chitarra è stata reintegrata essenzialmente in ogni genere. È così emozionante, è divertente vedere la gente essere inventiva e creativa con le chitarre in modi non tradizionali.