Dort, wo das öffentliche Leben wieder langsam zu einer gewissen Normalität zurückkehrt und endlich wieder Live-Musik-Konzerte stattfinden, können die Musiker nun weiterhin ihrer musikalischen Berufung nachgehen. Aber für alle, die jetzt wieder anfangen, Konzerte zu veranstalten, ist es klar, dass sich die Zeiten geändert haben: Die Welt der Musik fühlt sich irgendwie anders an, was auch für das Auftreten und Komponieren gilt. Und während Musiker Bühnen finden und die Fans die Sitzreihen füllen, haben viele von ihnen neue Vorstellungen davon, was ein gutes Konzert, einen guten Song oder eine enge Verbindung mit dem Publikum ausmacht. Hinzu kommt eine neue Wertschätzung für die Arbeit der Musiker und eine neue Dankbarkeit für jene Orte innerhalb unserer Kultur, an denen Musik als Kraft der Gemeinschaft begrüßt wird.

Digital trifft auf real

Während es offensichtlich ist, dass die Pandemie konventionelle Veranstaltungsorte für lange Zeit zum Stillstand zwang, ist doch eine der am längsten anhaltenden Auswirkungen der Pandemie die Tatsache, dass bisher fast unbekannte Wege für die Veranstaltung von Konzerten ins Rampenlicht kamen. Für unseren Artikel zum Livestreaming-Boom in der letzten Ausgabe von Wood&Steel haben uns Musiker erzählt, wie sie anhand digitaler Werkzeuge neue Kraft geschöpft haben, weil sie damit die Verbindung zum Publikum wiederherstellen konnten, trotz physischem Abstand und den Einschränkungen des öffentlichen Lebens. Livestreaming hat es den Musikern erleichtert, weiterhin auftreten zu können, auch wenn sie dafür lediglich vor der Kamera ihres iPhones auf ihrer Akustik-Gitarre spielen, während ihre Fans auf digitale Weise anhand von Emojis und bunten Herzen darauf reagieren. Diese Entwicklung hat sich in den meisten Fällen positiv auf alle Arten von Musikern ausgewirkt, wobei jene, die auf Social Media bereits gut etabliert waren, einen noch größeren Vorteil hatten, indem ihre Fans im Internet nach ihrer Musik suchten.

Das war aber früher nicht immer so. Große Konzerttourneen und etablierte Musiker hatten bisher stets das Sagen über das an Musik interessierte Publikum, auch wenn Werkzeuge wie YouTube, SoundCloud und BandCamp bei Musikern immer beliebter wurden, die noch dabei waren, ihren Platz in der Branche zu erkämpfen. Bevor die Pandemie zuschlug, vermittelten Künstler, die im „echten Leben“ Karriere gemacht hatten, den Eindruck von Authentizität und Qualität, womit „Internetkünstler“ einfach nicht mithalten konnten. Die Werkzeuge, welche eigentlich die Welt der Musik demokratisieren sollten, hatten bisher junge, kreative und vielseitige Musiker in gewisser Weise in „Schubladen“ verstaut, wobei es sich um Online-Arenen handelte, die nur von einer kleinen Anzahl treuer Fans besucht wurden. Die Leidenschaft war zwar da, aber die Reichweite an neue Fans war unzureichend.

Die Pandemie hat das alles verändert. Jetzt wo sowohl bekannte Musiker als auch aufstrebende Talente nicht mehr auf die Bühne durften und auf das Internet ausweichen mussten, galt für die Musik der digitalen Domäne zum ersten Mal, dass sich alle praktisch auf der gleichen Ebene befanden. Das Ergebnis aus Sicht des Publikums war eine Fülle von Bands, Songwritern und Solo-Musikern, vielen von denen in der Mainstream-Musik praktisch kein Platz gewährt wurde.

Links nach rechts: Ada Juarez, Edith Johnson und Téa Campbell von Meet Me @ The Altar

Wir sehen uns im Wohnzimmer

Von den vielen Künstlern, die von den Umständen der Pandemie profitieren konnten, haben die Pop-Punk-Aufsteiger Meet Me @ the Altar sich einen besonders interessanten Weg gebahnt. Das Trio, bestehend aus Téa Campbell (Gitarre, Bass, 224ce-K DLX), Ada Juarez (Schlagzeug) und Edith Johnson (Leadsängerin), macht seit 2017 Musik, aber vielleicht nicht auf die Art und Weise, wie man es sich vorstellen würde. Die drei Musiker haben bis jetzt ihre Songs aus der Ferne geschrieben und produziert, indem sie Ideen, Liedtexte und instrumentale Parts über das Internet hin und her geschickt haben, bis sie das fertige Endprodukt erreicht hatten. Ganz plötzlich wurde ihre Art, Musik zu produzieren, zur Normalität, und während Musiker sich überall an diesen isolierten Produktionsstil anpassen mussten, konnte die Band Meet Me @ the Altar feststellen, dass sie einen enormen Vorsprung hatte.

„Seit fünf Jahren waren wir eine Band, die sich nur über das Internet traf“, erklärt Ada. „Ich lebte in Florida, Edith in Atlanta und Téa lebte in New Jersey, wir hatten daher noch nie zusammen im selben Raum geprobt.“

Obwohl sie während der Pandemie zu dritt ein Haus bezogen haben, sagen die Bandmitglieder von Meet Me @ the Altar, dass sich die Art und Weise, wie sie ihre Songs schreiben, durch ihre Nähe zueinander kaum geändert hat.

„Auch wenn wir jetzt im gleichen Haus wohnen“, sagt Ada, „hat diese Art, Songs zu schreiben, vorher gut funktioniert, also warum sollten wir das ändern? Wir komponieren also immer noch getrennt in unseren Zimmern, um dann gemeinsam zu proben. Die Liedtexte schreiben wir jetzt gemeinsam im selben Raum, aber ansonsten hat sich da nichts verändert.“

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Ada, Edith und Téa von Meet Me @ the Altar erzählen, wie sie während der Pandemie Musik gemacht haben und akustische Versionen ihrer Songs gespielt haben.

Der „Internetband“-Effekt wirkte sich aber nicht nur auf das Schreiben von Musik aus. Dank ihrer umfangreichen Erfahrung in der digitalen Domäne und ihrer Nähe zu den Fans über das Internet, konnte die Band gerade zu Zeiten der Pandemie einen drastischen Anstieg ihrer Popularität erreichen. Das Trio hatte es geplant, im Jahr 2020 und 2021 die ersten Tourneen zu starten; stattdessen mussten sie zu Hause bleiben, wo das Komponieren neuer Songs praktisch der einzige kreative Ausweg war. Das Entfernen der traditionellen Elemente der Musikbranche führte in gewisser Weise dazu, dass Musiker sich wieder verstärkt auf die Essenz ihrer Kunst konzentrierten. Für diese Band stellte die Pandemie einen Schnellkochtopf dar, der es ihnen ermöglichte, in kurzer Zeit sowohl ihre Fertigkeiten als auch ihr Selbstvertrauen zu stärken.

„Die Quarantäne hat vieles für uns verändert“, erinnert sich Téa. „Ohne die Quarantäne hätten wir wohl kaum Zeit gehabt, eine Pause zu einzulegen und über die Richtung nachzudenken, in die wir als Band gehen möchten und wie wir uns entwickeln können.“

Anstatt der Tourneen haben sich die Mitglieder von Meet Me @ the Altar nun verstärkt auf das Schreiben neuer Songs konzentriert. Anstelle des Livestreamings, das für so viele andere Musiker während der Isolation die Priorität darstellte, setzten sie darauf, Songs zu schreiben. Mit Ausnahme einer gestreamten Show in Zusammenarbeit mit den Restaurants Wendy’s, richteten die Mitglieder von Meet Me @ the Altar ihre Aufmerksamkeit auf sich selbst, ihre scharfe Stimme, und die Entwicklung ihrer Identität als Musiker.

„Je mehr du komponierst, desto besser fühlst du dich“, meint Edith. „Die Quarantäne war eine Art Glück im Unglück. Sie half uns dabei, mehr Zeit miteinander verbringen zu können, und durch das Schreiben neuer Songs haben wir viel gelernt. Alles was wir jetzt komponieren, ist besser als das, was wir vorher geschaffen haben.“

Die Arbeit hat sich gelohnt. Die Band erzählt, dass ihre Beliebtheit während der Pandemie in die Höhe schoss, von 3.000 Fans auf mehr als 50.000 Fans auf Social Media. Auch wenn es sich etwas seltsam anfühlte, dieses Wachstum nicht in Form von entsprechend größeren Zuschauerzahlen bei Auftritten wahrnehmen zu können, konnten sie aufgrund ihrer Verbindungen zu den Fans über das Internet sich eine bessere Vorstellung davon machen, wo ihr Platz in der Pop-Kultur im Allgemeinen ist. Sie sind der Meinung, dass ihr Wachstum teilweise auf die sich verändernde Gesellschaft und modernere Einstellung der Menschen zurückzuführen ist, die eine stärkere Einbeziehung von Musikerinnen und nichtweißen Künstlern verlangen. Als Trio nichtweißer Frauen hat sich die Band Meet Me @ the Altar zum richtigen Zeitpunkt etabliert.

„Während der Quarantäne ist viel passiert: gesellschaftliche Fragen, die Bewegung Black Lives Matter, George Floyds Tod“, sagt Edith. „Weil die Menschen aber praktisch kaum etwas unternehmen konnten, hatten sie viel Zeit, sich Gedanken über die Welt zu machen. Die Leute haben ihre Horizonte erweitert, sich für nichtweiße Kunst und Traditionen interessiert. Es war da nicht schwer, auf uns zu stoßen, und weil ihnen unsere Musik gefallen hat, sind sie zu Fans geworden.“

Indem sie das Gegenteil davon unternommen haben, das die meisten anderen während der Pandemie als Priorität ansahen, hat Meet Me @ the Altar die ideale Gelegenheit gefunden, auf ihren Erfolg aufzubauen und ihre explosionsartig gestiegene Popularität mit verbessertem Songwriting und einer strafferen Identität als Band zu festigen. Aber nicht alle Musiker unserer Zeit fühlen sich im digitalen Ökosystem zu Hause. Für alle, die jahrzehntelang einen traditionellen Ansatz verfolgt haben, stellte die Pandemie eine andere Herausforderung dar: wie kann man sich an diese Umstände anpassen, ohne dabei seine eigene Identität aufzugeben?

Musik wird zu einer Gemeinschaft

Geschlossene Veranstaltungsorte und gecancelte Auftritte waren die offensichtlichsten Anzeichen von Problemen innerhalb der Musikbranche während der Pandemie, aber eine andere Herausforderung hatte einen stilleren, aber nicht weniger schwerwiegenden Effekt: die mentale Gesundheit. Isolation, bisher unvorstellbarer wirtschaftlicher Druck und andauernde gesellschaftliche Veränderungen haben viele Menschen in den letzten 18 Monaten stark zu schaffen gemacht, einschließlich Künstlern, deren primäre Quelle emotionaler, sozialer und kreativer Entspannung – ganz zu schweigen von finanzieller Stabilität – ohne Vorwarnung auf dramatische Weise abgeschnitten wurde. Für den langjährigen Solo-Songwriter und ehemaligen Mitbegründer von At the Drive-In, Jim Ward, gegenwärtig Gitarrist bei der Band Sparta, ging es für Musiker während der Pandemie um weitaus mehr als das Erhalten ihres Image und das Unterhalten der Fans über das Internet: Es ging regelrecht um das Überleben.

Ward (Builder’s Edition 517, GT Urban Ash) ist tief verwurzelt in seiner Heimatstadt El Paso, in Texas. Er hat eine enge Verbindung mit der Stadt, ihrer Musikszene und sogar der Gastronomie: Ward besitzt ein Restaurant in El Paso, das während der Pandemie schließen musste. Als ein Mensch, der sich stets zur Gemeinschaft hingezogen fühlt, empfand Ward die Ereignisse am Anfang der Pandemie als verheerend, was auch für andere Menschen in seinem Bekanntenkreis gilt.

„Wir mussten sofort Leute entlassen“, erklärt Ward, „was emotional und mental hart zu verkraften ist. Meine Band, Sparta, hat im April [2020] ein neues Album herausgebracht, das praktisch kaum jemanden erreichte. Wir mussten Tourneen absagen und Crew-Mitglieder beurlauben wir alle anderen auch.“

Ohne die natürliche Entspannung, die kreative Arbeit bietet, erzählt Ward, habe er in den Anfängen der Pandemie richtig gelitten.

„Ein Lockdown hat drastische Auswirkungen auf die Menschen“, sagt Ward, „insbesondere wenn man sich gerne in Gesellschaft aufhält. Es war gar nicht so einfach, nicht auszurasten.“

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Der Gitarrist und Songwriter Jim Ward teilt mit uns seine Gedanken darüber, wie man die Pandemie überstehen kann und wie er es geschafft hat, einen klaren Kopf während der Isolation zu bewahren.

Ward war es klar, dass er weiter Musik machen musste, trotz der Einschränkungen im öffentlichen Leben, um einen klaren Kopf zu bewahren. Er konzentrierte sich daher auf das Songwriting und lenkte sich selbst mit einer Reihe neuer Songs ab, die schließlich zu seinem neuesten Solo-Album führten, Daggers. Das Komponieren und Aufnehmen der Songs dieses Albums sei für ihn eine Art Therapie gewesen, erzählt er, die ihm nicht nur dabei geholfen habe, seine geistige Gesundheit zu bewahren, sondern auch seine kreativen Fähigkeiten auszudehnen.

„Ich habe ganz klar viel dazu gelernt, was meine Fertigkeiten als Toningenieur betrifft, weil ich das Album selbst aufnehmen und mixen musste, was ich sonst anderen Leuten überlassen hätte“, sagt er. „Wenn du plötzlich nicht mehr auf die Hilfsmittel zugreifen kannst, die deine Arbeit erleichtern sollen, bist du gezwungen, Neues zu lernen. Für mich hatte dies ganz klar zur Folge, dass ich meine DIY-Gesinnung erneuert habe.“

Aber man kann sich ja nicht einzig auf sich selbst verlassen. Das Erlernen neuer musikalischer Fertigkeiten ist zwar positiv, aber kein Ersatz für menschlichen Kontakt und geselliges Zusammensein, insbesondere für jemanden, der so stark an der Gemeinde beteiligt ist, wie Jim Ward. Ohne die Möglichkeit, Fans auf Konzerten treffen und begrüßen zu können, blieb Ward nur noch das Internet für die Kommunikation mit Fans, wobei es sich oft um Fans handelte, die er sonst wohl kaum kennengelernt hätte. Aber der Austausch über Instagram mit Fans aus so entfernten Winkeln wie Australien und Moskau, stellte erst den Anfang dar. Es dauerte nicht lang, bis der Wunsch, etwas geselliges Beisammensein zu erhalten, Ward dazu bewegte, eine neue Tradition zu starten: Friday Beers, eine Reihe von live und ohne Vorbereitung auf Instagram übertragenen Gesprächen von Ward und einem anderen Musiker als Gast. Zu den Musikern, mit denen sich Ward bis jetzt in Friday Beers unterhalten hat, zählen Rhett Miller, Nina Diaz, Patrick Carney von den Black Keys und Josh Homme von den Queens of the Stone Age.

Dabei handelt es sich nicht um die üblichen Interviews mit Musikern, wo es meist um neue Alben, geplante Auftritte und der Suche nach Inspiration geht; es sind vielmehr tiefgründige und nachdenkliche Gespräche, bei denen Ward und seine Gäste ihrem Publikum ihre ganz persönlichen Seiten auf eine Weise zugänglich machen, die in den wenigen Minuten unmöglich wären, die Musiker bei Auftritten ihren Fans widmen können. Ward sagt, diese Gespräche seien sehr wichtig gewesen, nicht nur, weil sie es ihm erleichtert haben, die Isolation zu überstehen, sondern weil sie auch dem Publikum geholfen haben.

„Josh Homme ist für mich wie ein älterer Bruder und wir hatten dieses tiefgründige, richtig persönliche Gespräch vor all diesen Zuhörern“, erinnert sich Ward, „und da habe ich eine Menge richtig netter Nachrichten von den Leuten erhalten, mit Worten wie «so sollte eine Freundschaft unter Männern aussehen». In Wahrheit machen viele von uns Musik, weil wir versuchen, Wege zu finden, uns besser zu fühlen. Und wenn man anfängt, solche Gespräche zu führen, können die Zuhörer zu sich selbst sagen: «Wenn der sich so fühlt, dann ist es OK, dass ich mich auch so fühle.»“

Ward ist der Ansicht, dass diese Art von Verhalten, das bei der Pandemie entstand, auch nach der Rückkehr zu einer ungefähren Normalität weiterhin nützlich sei. In einer Welt, die viel zu sehr daran gewöhnt ist, dass junge Künstler völlig außer Kontrolle geraten, ist es etwas Besonderes, wenn man Umstände schafft, die zu Ehrlichkeit und Authentizität anregen. Darüber kann Ward aus eigener Erfahrung sprechen.

„Ich bin vollkommen davon überzeugt, dass ich in den Anfängen meiner Laufbahn davon profitiert hätte, wenn mir jemand gesagt hätte: «Es ist völlig normal, wenn du dich jetzt gerade nicht gut fühlst»“, meint er. „Anstatt dass man dir einfach eine Flasche Wodka gibt. Wir könnten uns auf diese Weise besser um unsere Nachwuchskünstler kümmern.“

Fragen und Antworten: Oritsé

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Fragen und Antworten: Oritsé

Die Auswirkungen des fortwährenden Abstand halten und öffentlicher Einschränkungen im Namen der Gesundheit sind so global wie die Pandemie selbst, und Künstler auf der ganzen Welt mussten sich daran anpassen. In Großbritannien hat sich Singer/Songwriter und Produzent Oritsé (GTe Urban Ash, GS Mini) mit einer Vielzahl von Projekten beschäftigt, einschließlich Spoken Word Poetry und dem Erlernen der Gitarre. In seiner Video-Serie Vibes 101 wird Oritsé gezeigt, wie er die Gitarre zum ersten Mal in die Hand nimmt, seine Erfahrungen während des Übens teilt, wie er sich mit dem Instrument vertraut macht und seine ersten Songs von Fans online erlernt.

Wir haben kürzlich ein paar E-Mails mit Oritsé ausgetauscht, um zu erfahren, wie die Pandemie seine kreative Arbeit beeinflusst hat. Schauen Sie sich unbedingt auch seine Vibes 101-Serie unter @oritsemusic auf Instagram an.

Wie hat sich die Pandemie auf Sie selbst als Musiker in Großbritannien ausgewirkt?

Nachdem ich und meine Band zusammen eine fantastische Rückkehr verzeichnet haben und Karten für eine Tournee mit 30 Konzertterminen in Großbritannien ausverkauft hatten, mussten wir leider die Tournee absagen. Während dieser unerwarteten Zeit, in der die Welt zum Stillstand kam, habe ich aufgrund der Isolation allerdings Zeit gewonnen, meine Kreativität auf tieferer Ebene ohne jegliche Ablenkungen zu erforschen.

Ich wollte immer schon die Gitarre erlernen, also habe ich mir gesagt, es gibt keine bessere Gelegenheit als diese. Da ich auch anderen Mut verleihen wollte, das Instrument zu erlernen, habe ich meine eigene Online-Dokumentarserie gestartet – Vibes 101 -, in der ich meine ersten Schritte im Gitarrenspiel mit den Zuschauern geteilt und sie dazu ermutigt habe, meinem Beispiel zu folgen oder zumindest meine Fortschritte zu verfolgen. Ich habe mich mit dieser Idee an Taylor Guitars gewandt. Sie waren von der Idee begeistert und wir haben somit unsere erste Zusammenarbeit gestartet.

Wie hat sich die zwangsmäßige Isolation während der Pandemie auf Ihre Kunst und Ihre Karriere ausgewirkt?

Vor der Pandemie wusste ich nicht, dass man Songs mit Leuten über das Internet komponieren kann. Ich konnte mit Musikern aus der ganzen Welt zusammenarbeiten und Songs schreiben, was für mich eine völlig neue Erfahrung darstellte. Auch wenn es natürlich nicht an eine richtige Studio-Session mit allen Beteiligten im gleichen Raum heranreicht, hat es immerhin ermöglicht, dass ich weiterhin Musik produzieren konnte. Einige der Songs, die ich mit Musikern aus der ganzen Welt über das Internet geschrieben habe, werden im neuen Album meiner Band enthalten sein.

Haben Sie das Gefühl, dass Sie im Zuge der Pandemie als Künstler gewachsen sind?

Als Künstler bin ich ganz klar gewachsen, und das in vielerlei Hinsicht. Ich habe angefangen, Spoken Word Poetry zu schreiben und ich war erstaunt, wie sehr diese meinen Fans gefallen hat, was mich dazu ermutigt hat, noch mehr zu schreiben. Ich habe ein Spoken-Word-Stück mit dem Titel „This 2020“ auf YouTube veröffentlicht, das vom fabelhaften Charles Jacques – ein guter Freund von mir – produziert wurde.

Ich habe meine Stimme im Mini-Schlafzimmer-Studio meines Freundes aufgenommen und das Ergebnis per E-Mail an Charles in Inglewood, Kalifornien, verschickt. Er hat mir den Track gemixt und an mich zurückgeschickt, anschließend habe ich über Social Media ein paar junge, talentierte Video-Künstler gefunden, mit denen ich zusammengearbeitet habe, um das Stück in einem Video zu konzeptualisieren.

Haben Sie während dieser Zeit etwas Neues über den Kontakt mit Fans gelernt?

Ich habe gelernt, dass meine Fans sich mehr für meine kreativen Ideen interessieren, als ich dachte, abgesehen von denen, die mich nur als Mitbegründer meiner Band kennen.

Hat sich Ihre Vorstellung davon, wie ein Live-Auftritt aussehen sollte, geändert?

Ich hatte bisher noch nicht die Gelegenheit, wieder live aufzutreten, aber meine Band ist damit beschäftigt, unsere Live-Show so anzupassen, dass wir und unsere Fans so sicher wie möglich sind, wenn wir gegen Ende dieses Jahres unsere Tournee antreten werden.

Werden Sie Livestreaming oder neue Wege für das Produzieren von Musik weiterhin verwenden?

Ich möchte ganz klar den Weg des Livestreaming-Auftritts in Zukunft vermehrt erkunden, um zu sehen, was ich damit erreichen kann. Ich werde auch mehr mit anderen Musikern und Künstlern zusammenarbeiten, egal wo sie sich gerade auf der Welt befinden. Entfernung stellt kein Hindernis mehr dar. Online-Sessions sind für den Zweck völlig in Ordnung.

Wie läuft Ihr Songwriting in der Praxis ab?

Wenn ich einen Song komponiere, ist es als wenn ich einen dampfenden Kessel voller verrückter Ideen hätte, wo es keine Grenzen gibt und keine Filter. Ziemlich abenteuerlich. Im Grunde schmeiße ich alles, was mir einfällt, an die Wand, um zu sehen, was dabei hängen bleibt. Es muss mir ein gutes Gefühl vermitteln. Ich vermeide es, mir selbst im Weg zu stehen, während ich einen Song schreibe: Ich behalte mir alle Optionen offen, bis ich jenen „Aha-Moment“ erlebe.

Mehr als nur ein richtiger Weg, um Musik zu machen

Die heutige Musiklandschaft befindet sich in ständiger Veränderung, die gleichermaßen auf sich verändernde gesellschaftliche Einstellungen, die zunehmende Bereitstellung von Musik außerhalb des Einflussbereichs der traditionellen Plattenlabel, sowie die spürbaren Folgen einer globalen Gesundheitskrise zurückzuführen sind. Sowohl erfahrene Profimusiker als auch aufstrebende Künstler kommen zum Schluss, dass man derzeit zum Aufbau oder zum Erhalten einer Karriere als Musiker bereit sein muss, den Fokus nach innen zu richten: auf die Kunst selbst, mit dem Ziel, tief in bisher unerforschte kreative Territorien vorzudringen. Auch wenn die modernen digitalen Hilfsmittel die Verbindung zum Publikum und den einzelnen Fans stark erleichtern, können sie nicht die harte Arbeit ersetzen, die darin besteht, Ideen in Musik zu verwandeln, eine Nachricht zu übermitteln, die sowohl die eigene Identität widerspiegelt als auch ausreichend universell ausgerichtet ist, um Zuhörer auf der ganzen Welt zu inspirieren. Was die Musik und die Musiker unserer Zeit betrifft, ist eines glücklicherweise offensichtlich und wurde angesichts der Pandemie nur umso deutlicher: Der Antrieb, Neues zu schaffen, besteht weiter, unabhängig der Umstände.

Worin besteht der Monat der afroamerikanischen Musik?

Aufgrund des zunehmend produktiven Einflusses der afroamerikanischen Künstler im 20. Jahrhundert, gewann in den 70er Jahren eine Bewegung an Bedeutung, die von wichtigen Elementen der afroamerikanischen Musikgemeinde geleitet wurde und den Musikern zu mehr Anerkennung verhelfen sollte. Um 1978 wurde die Black Music Association (BMA) von dem Produzenten Kenny Gamble, der einflussreichen Musikaktivistin Dyana Williams und dem Rundfunksprecher Ed Wright gegründet, unter anderem mit der Absicht, die Etablierung eines Monats der schwarzen Musik (Black Music Month) voranzutreiben. Einige Petitionen später veranstaltete US-Präsident Jimmy Carter das erste Treffen zum Black Music Month im Sommer 1979. Im Jahr 2000 unterzeichnete Präsident Bill Clinton eine staatliche Bekanntmachung, um dem Monat der afroamerikanischen Musik landesweite Gültigkeit zu verleihen. Diese Aktionen haben dazu beigetragen, sicherzustellen, dass die Geschichte der afroamerikanischen Musik auch von den nächsten Generationen erhalten und gewürdigt wird.

Ein Besuch in Nashville

Aus Anlass des Monats der afroamerikanischen Musik, bin ich mit Singer/Songwriterin Judith Hill, die Taylor Gitarren spielt, nach Nashville gereist, um das brandneue nationale Museum der afroamerikanischen Musik zu besuchen. Dort haben wir mit Dr. Steven Lewis, einem der Kuratoren des Museums, gesprochen. Außerdem haben wir einige historische Stätten besichtigt, die für die afroamerikanische Musikgeschichte von Bedeutung waren. Unser Video, das daraus hervorging, zeigt einige der Höhepunkte dieses Besuchs.

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Eine Zeitachse der afroamerikanischen Musik

Unsere Reise brachte uns auch auf die Idee, eine Zeitachse der afroamerikanischen Musikgeschichte zu erstellen, um einige der afroamerikanischen Pioniere der Musikgeschichte Amerikas in Erinnerung zu rufen, deren Genialität die Klanglandschaften Amerikas und weltweit für immer veränderte. Auch wenn unsere Zeitachse nur einen Bruchteil dieses so reichen und tiefgründigen musikalischen Erbes in den Vordergrund stellt, hoffen wir dennoch, dass diese historische Reise zu einer ausführlicheren Erkundung der unzähligen Wege einlädt, über die afroamerikanische Musiker einen Großteil davon geformt haben, das wir heutzutage als amerikanische Musik kennen.

Auch wenn wir stolz auf die bei diesen Projekten bisher erzielten Fortschritte sind, erfordert unser ethisches Engagement, dass wir jedes Detail unserer Geschäftstätigkeit hinterfragen. Genauer gesagt, müssen wir nach Bereichen Ausschau halten, in denen wir unzureichende Ergebnisse erzielen und nach besseren Lösungen suchen.

Diese Einstellung hat zu einer gründlichen Überprüfung unserer Fertigungsprozesse und sonstiger Betriebsabläufe geführt. In den letzten Jahren hat Scott Paul einen internen Audit mit dem Schwerpunkt Nachhaltigkeit geleitet, um unsere Erfolge und Schwachstellen zu identifizieren. Während wir eindeutig eine Reihe an Verbesserungen umgesetzt haben (deutliche Reduzierung der Einwegprodukte in der Produktion, mehr Ladestationen für Elektrofahrzeuge, ein robustes Batterierecyclingprogramm, Stationen zum Befüllen von Wasserflaschen auf unserem gesamten Betriebsgelände, der Einsatz eines ausgeklügelten Dashboards zur besseren Verwaltung unseres Energiebedarfs, um nur ein paar aufzuführen), haben wir kürzlich ein buchstäblich wachsendes Problem identifiziert: flexibler Plastikfilm. Wir meinen damit jene Plastikfolie, die wir verwenden, um Paletten von gestapelten Gitarren (in den jeweiligen Koffern) für den Transport zu sichern oder mit der wir Holz umwickeln, das wir auf Paletten verlagern.

Auch wenn dieses Verpackungsmaterial eine wichtige Rolle für den Schutz wertvoller Teile und Produkte während des Transports einnimmt, handelt es sich hier aufgrund der Größenordnung unseres Betriebs um eine bedeutende Menge an Plastikfolie. Selbst wenn wir nicht die in großen Kaufhäusern verbrauchte Menge erreichen, ist diese dennoch beträchtlich.

Bisher ballten wir die gebrauchte Plastikfolie zusammen und überließen sie dann unserem Recycling-Partner, der sie an einen Zwischenhändler für anschließendes Recycling in China weiterverkaufte. Seit dem Jahr 2018 hat China jedoch den Import der meisten Kunststoffe verboten und wir haben in diesem Zusammenhang erfahren, dass es sehr wahrscheinlich war, dass unsere Plastikabfälle im Zielland einfach vermüllt, oder, noch schlimmer, direkt vor Ort verbrannt wurden. Wir haben es derzeit schwer, ein US-basiertes Unternehmen für das Recycling dieses Plastikfilms zu finden. Wir haben uns mit anderen kleinen und großen Unternehmen ausgetauscht, um zu erfahren, wie sie mit dem Problem umgehen, aber einzig gelernt, dass bis jetzt anscheinend niemand eine geeignete Lösung dafür hat.

Wir haben auch mit verschiedenen Dienstleistern gesprochen und ihnen dieselben Fragen gestellt: Werden Sie das Material weiterverkaufen? Was passiert mit dem Material? Falls es recycelt wird – was wird daraus gewonnen? Wie weit wird es transportiert oder verschifft? Wird es exportiert? Wie sich herausstellt, wird derzeit ein Großteil dieses für Verpackungszwecke gebrauchten Plastikfilms einfach deponiert oder verbrannt, ganz so wie es wahrscheinlich zuvor in China passierte.

Es würde uns nichts ausmachen, für das Recycling dieser Plastikfolie zu bezahlen, sofern dies auf verantwortungsbewusste Weise in sicheren und umweltverträglichen Anlagen erfolgt, aber wir möchten nicht, dass dieser Abfall einer Deponie zugeführt oder gar verbrannt wird. Dennoch haben wir derzeit keine Lösung. Und das Problem wächst von Tag zu Tag. In der Zwischenzeit und nach erfolgter Rücksprache mit Scott, haben wir beschlossen, dass der erste Schritt in Richtung einer Lösung darin bestehen soll, dem Problem mehr Bedeutung zukommen zu lassen, indem wir es für jeden in unserem Betrieb sichtbarer machen. Unsere Logistikmitarbeiter haben daher die Ballen gebrauchten Plastikfilms in die Mitte unseres Parkplatzes außerhalb unseres Versandlagers verlagert, wobei jeden Monat die inzwischen verbrauchte Plastikfolie hinzugefügt wird – etwa zwei bis drei Ballen. Die Folge ist, dass wir gerade einen regelrechten Berg schaffen. Wir haben sogar ein Schild angebracht, auf dem diese zum Nachdenken anregende Mitteilung an unsere Mitarbeiter steht:

Was ist das?

Ein Problem, das wir lösen werden. Bleiben Sie am Ball.

Darüber hinaus stellen die Ballen nur etwa die Hälfte dessen dar, was wir zum Einwickeln von Gitarren verwenden. Die andere Hälfte verlässt unser Werk mit den verschickten Paletten.

Scott Paul betont, dass dieses Problem mit Plastikfilm nicht nur Taylor betrifft.

„Man muss sich nur einmal die riesige Menge an Plastikfilm vorstellen, die als Abfall bei Kaufhäusern, Supermärkten und Einzelhändlern im ganzen Land anfällt“, sagt er. „Ein Großteil davon wird deponiert und ein kleinerer Anteil wird verbrannt.“

Scott und andere Mitglieder unseres „Green Team“-Komitees fingen an, nach möglichen Lösungen zu suchen, was alternative Recyclingoptionen und die Verwendung anderer Materialien, die leicht zu recyceln sind, umfasst. Scott wandte sich auch an eine Expertin, die eventuell weiterhelfen könnte.

Jan Dell (rechts) mit Scott Paul vor unserem Plastikberg

Jan Dell ist eine Chemieingenieurin, die auf 30 Jahre Erfahrung zurückblicken kann und in 45 Ländern für große Unternehmen auf dem Fertigungssektor gearbeitet hat. Im Zuge ihrer Karriere hat sie Programme geleitet, die der Implementierung von nachhaltigen und klimaneutralen Geschäftspraktiken für Konzerne wie Nike, Gap, Mattel und anderen dienten.

Im Jahr 2018 entschied sie sich für eine andere Laufbahn, wurde selbstständig und gründete eine NGO mit dem Namen The Last Beach Cleanup (etwa: die letzte Strandreinigung), mit der Absicht, die Umweltverschmutzung durch Plastikabfälle zu stoppen. Eine ihrer wichtigsten Kampagnen zielt darauf ab, den Export von Plastikabfällen in Entwicklungsländer zu stoppen. Im Jahr 2019 wurde sie zum „National Geographic Explorer“ gekürt und erhielt einen Zuschuss, um Städten dabei zu helfen, die Umweltverschmutzung durch Plastik zu reduzieren. Im Jahr 2020 wurde sie außerdem in die California’s Statewide Recycling Commission (kalifornische Recyclingkommission) berufen.

Im April hat Dell das Betriebsgelände von Taylor besucht, um sich mit Scott Paul, Bob Taylor und einer kleinen Gruppe von Mitarbeitern zu treffen, die unserer informellen Taskforce angehören. Das einleitende Gespräch fand am dazu passenden Ort statt: vor unserem Plastikberg. Dell teilte ihr Wissen mit uns und bestätigte uns, dass tatsächlich nur ein Bruchteil dieser Plastikabfälle wirklich recycelt wird. Sie betonte, dass allein in Kalifornien jedes Jahr 1,54 Milliarden Kilogramm Plastikfolie als Abfall anfallen, es in Kalifornien und Nevada aber nur ein paar Unternehmen gibt, die Plastikfilm recyceln und dass deren Kapazität nur etwa 45 Millionen Kilogramm beträgt. Das sind etwa 3 Prozent, kein Wunder also, dass der Plastikberg bei Taylor weiterhin wächst.

Wir haben die Verwendung alternativer Kunststoffverpackungsmaterialien analysiert, die als biologisch abbaubar vertrieben werden, sind aber zum Schluss gekommen, dass diese ausreichend wirksam sind und Dell hat uns bestätigt, dass es andere Hindernisse gibt, die eine breitere Verwendung dieser alternativen Materialien verhindern, wie beispielsweise die Tatsache, dass die meisten Betriebe, die Kompost herstellen, keine Bio-Plastikabfälle akzeptieren, weil der biologische Abbau nicht immer sicher für die Umwelt abläuft, was zur Kontamination des Komposts führen würde.

„Hinzu kommt, dass moderne Deponien so ausgelegt sind, dass der Abfall auf eine Art und Weise gelagert wird, durch die Methanemissionen verhindert werden, was dazu führt, dass der Plastikfilm sich nicht abbauen kann und auf der Deponie verbleiben würde“, erklärt sie.

Dell spricht mit Mitarbeitern von Taylor, einschließlich Bob Taylor (der zweite von links).

Dell hat uns geraten, dass die beste Strategie, die das Unternehmen verfolgen kann, darin besteht, die Verwendung von Plastikfilm weiterhin so stark wie möglich zu minimieren. Taylor könnte auch die Nachfrage nach Plastikfilm erhöhen, der einen Anteil an recyceltem Material enthält, indem das Unternehmen diesen Plastikfilm von den Lieferanten anfordert und andere Unternehmen dazu ermutigt, dasselbe zu tun. Dies würde dazu beitragen, den Ausbau der für dieses Produkt vorhandenen Lieferketten zu beschleunigen und eine vermehrte Verwendung desselben zu fördern.

Inzwischen hat sich unser ausgestellter Plastikberg bereits auf die Mitarbeiter von Taylor ausgewirkt. Nachdem wir das Problem in unserem internen Newsletter vorgestellt haben, haben einige Mitarbeiter von Taylor – jetzt effektiv Mitbesitzer des Unternehmens – die Initiative ergriffen, Wege zu finden, den Verbrauch an Plastikfilm zu Verpackungszwecken in ihrer jeweiligen Abteilung zu reduzieren.

In der Zwischenzeit sind wir weiterhin damit beschäftigt, mit der Hilfe von Menschen wie Dell tiefgründigeres Wissen zu sammeln und aktiv nach besseren Alternativen zu suchen. Wir werden Sie auf jeden Fall über den Fortschritt bezüglich unserer Plastikfolienabfälle und alternativer Lösungen auf dem Laufenden halten.

In der digitalen Domäne erlebte die Musik allerdings einen Aufschwung. Musiker setzten ihr Schaffen in Schlafzimmern, Wohnzimmern, Kellern und engen Apartments fort, wo sie fern von den Bühnen Musik machten und dabei neue Wege fanden, diese mit der Welt zu teilen. Auch wenn Plattenlabels und Radiosender zögerten, neue Künstler zu fördern oder deren Musik in die Playlists aufzunehmen, haben viele Musiker weiter komponiert, Alben aufgenommen und für ihre Fans gespielt. Der Ausdruck „Pandemie-Album“ wurde in der Musikkritik geläufig, was eine Art musikalische Zeitkapsel versprach, die sicherlich noch jahrelang ein relevantes Thema sein wird. Für viele haben Social Media und Livestreams den Platz von Plattenlabels und Promotern eingenommen, indem die Künstler diese Technologien nutzten, um ihre Musik ihren Fans zugänglich zu machen. Ganz gleich wie bekannt oder unbekannt sie waren, griffen nun unzählige Musiker auf Instagram, Facebook und TikTok zurück, um ihre neuen Songs zu verbreiten, mit Fans zu kommunizieren, ja sogar neue Songs vor einem Live-Publikum zu schreiben. Das war sowohl ein Beweis für das wesentliche Bedürfnis nach Musik als auch für die Fähigkeit der Künstler und Musikfans, sich spontan anzupassen, um neue Wege zu schaffen, Musik zu erleben.

Musiker führen den Livestreaming-Boom an

In unermüdlicher Arbeit gegen den Strom fingen Musiker an, ihre Verbindungen zu einer weiter ausgedehnten Musikgemeinde auszubauen, damit die Musik wieder auf die „Bühne“ zurückkehren könnte, ohne dabei ein Risiko für die öffentliche Gesundheit zu schaffen. Diese Shows, die über die Websites von Musikern, Social Media oder spezielle Plattformen wie StageIt gestreamt wurden, dienten als Werkzeug zum Schaffen von Mehrwert sowohl für den Veranstalter als auch den Künstler, zu einer Zeit, in der es schwierig war, Geld zu verdienen, und ermöglichten gleichzeitig, den Fans die Live-Musik zu bieten, die sie so sehr vermissten. Noch vor ein paar Jahren hätte diese Strategie nicht funktioniert – nicht aus technischen oder logistischen Gründen, sondern weil das Publikum nicht bereit gewesen wäre, für Live-Musik zu zahlen, die nicht wirklich live ist, jedenfalls im Sinne von dem, was dieser Begriff für Musikfans bedeutet: die Nähe zu den Musikern, das Eintauchen in die Musik, das Gefühl, sich mit einer Menschenmenge im Takt der Musik zu bewegen, die ebenso begeistert von dieser sind.

Die Bereitschaft der Leute, für virtuelle Konzerte zu bezahlen, ist aber nicht nur darauf zurückzuführen, dass die realen Shows abgesagt wurden. Es änderte sich vielmehr die Art der Live-Übertragungen, nicht nur um den Bedarf nach Live-Musik in der digitalen Domäne zu decken, sondern auch Kontakte herzustellen und eine Gemeinschaft zu erleben, zu einer Zeit, in der ein Großteil der Musikfans ihre eigenen vier Wände nicht verlassen durften. Anstatt „Live“-Auftritte anzubieten, die sich im Endeffekt kaum von zuvor aufgenommenen Shows unterscheiden würden, fingen Musiker an, Shows zu machen, an denen das Publikum direkt beteiligt wurde.

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Schauen Sie sich an, wie Switchfoot ihren Song „Float“ in einer Folge der Fantastic NOT Traveling Music Show spielt, die auf einem Heißluftballon gefilmt wurde.

Bereits zuvor erfolgreiche Aufführungen hatten mit der bestehenden Fangemeinde einen Vorteil, woraufhin auf wöchentliche Shows gesetzt wurde, bei denen sowohl Original-Songs als auch Covers und vom Publikum angefragte Songs gespielt wurden, meist gepaart mit ausgiebigen Kommentaren vonseiten der Musiker und Gesprächen mit den Fans. Die alternative Rockband Switchfoot aus San Diego war eine der ersten, die ein erfolgreiches Konzept für bezahlte Livestreams umsetzte, indem sie eine Serie mit dem Titel „The Fantastic NOT Traveling Music Show“ kreierten. Fans können Einzelkarten für wöchentliche Livestreams erwerben oder sogar einen erschwinglichen Monatsbeitrag zahlen, um uneingeschränkten Zugriff auf die Aufführungen zu erhalten, wobei die Band gewissenhaft daran arbeitet, diese stets unterhaltend und innovativ zu halten. Tim Foreman, Bassist von Switchfoot, erklärt uns, dass die Plattform aus dem kombinierten Wunsch entstand, sowohl Menschen anhand der Musik zusammenzubringen als auch die Crew für Tourneen und sonstige Mitarbeiter der Band zu unterstützen, deren von Live-Aufführungen abhängende Verdienste ausgefallen waren.

„Musik war für uns immer schon ein Weg nach vorn, sogar wenn wir die Route nicht erkennen können“, sagt Foreman. „Ich kann also kaum in Worte fassen, wie bewegend es war, bei unserem ersten Livestream im Juni zu spielen. Es war ein tolles Gefühl, wieder mit anderen Menschen Musik zu machen.“

Musikfans in der ganzen Welt teilten dieses Gefühl. Bald verwandelte sich die bisher meist einseitige Vorführung beim Livestreaming in einen Dialog, bei dem die Künstler direkt mit den Fans kommunizieren, Fragen beantworten, Songwünsche annehmen und allgemein eine Verbindung mit dem Publikum knüpfen, die bei normaler Live-Musik nicht möglich wäre. Auch wenn Foreman natürlich bestätigt, dass er und seine Bandkollegen sich darauf freuen, endlich wieder „echte“ Live-Aufführungen machen zu können, ist er davon überzeugt, dass Livestreaming sich als ein fester Bestandteil des Musiker-Alltags etabliert hat, um Musik zu machen und Fans zu gewinnen.

„Ich denke, wir sind uns alle einig, dass Livestreaming kein Ersatz für normale Live-Musik darstellt“, erklärt er. „Ich bin aber der Ansicht, dass es etwas vollständig anderes ist. Es erlaubt Musikern, enge Verbindungen mit ihren Fans zu knüpfen und eröffnet eine völlig neue Welt an Möglichkeiten, insbesondere auf internationaler Ebene. Wir spielen Live-Musik für Menschen aus der ganzen Welt, aus Ländern, die wir noch nie besucht haben, und ich bin dabei nur ein paar Kilometer von meinem Haus entfernt. Wir haben auch Menschen kennengelernt, deren Gesundheitszustand es ihnen nicht erlaubt, Konzert zu besuchen, und dies hat ihnen eine völlig neue Welt eröffnet. Ich könnte noch unzählige weitere Stories hinzufügen.“

Veranstalter im Vormarsch

Der Livestreaming-Boom hat auch anderen in der Musikbranche zu mehr Erfolg verholfen. Was die Veranstalter betrifft, war dies die Gelegenheit für so manchen bereits bestehenden Veranstaltungsort, in die digitale Domäne einzusteigen, indem sie mit den Künstlern zusammenarbeiteten, um semi-permanente Livestreaming-Szenarios zu schaffen, komplett mit Kameras und Ausleuchtung. Das führte zu jener Art von Aufführungen für die das Publikum Karten kaufen und sich darauf freuen konnte, wieder Live-Musik beizuwohnen – wenn auch nur über den Bildschirm eines Computers oder Fernsehers. Wichtige Veranstaltungsorte im ganzen Land wie das Amphitheater der Colorado Red Rocks und die Hollywood Bowl in Los Angeles haben alles getan, um im Handumdrehen ein virtuelles Programm anbieten zu können, was zu Pop-Konzerten mit Eintrittskarten, symphonischen Darbietungen und anderen Live-Unterhaltungsprogrammen anhand von Livestreaming führte.

Kleinere Veranstalter waren auch mit von der Partie. Die Belly Up Tavern, ein beliebter Veranstaltungsort für Konzerte in San Diego, den auch viele der Mitarbeiter von Taylor gerne besuchen, lud eine Vielzahl von Musikern auf ihre Bühne ein, um deren Auftritte an ein virtuelles Publikum zu übertragen, wobei einige wichtige Namen mit dabei waren, was die musikalische Energie in der Stadt pulsieren ließ. In diesem Jahr gab es bereits eine Performance von The White Buffalo, der Taylor Gitarren bevorzugt, sowie einen Auftritt von Ziggy Marley und eine Feier zum 50. Geburtstag der lokalen Legende Steve Poltz, dessen „Quarantine Blues“ monatelang auf Social Media beliebt war. Veranstaltungsorte überall halten an der Thoreau-Maxime fest, die Anfang dieses Jahres die Fassade des Belly Up schmückte: „Wenn ich Musik höre, kenne ich keine Gefahr“.

Das Gefühl erschien zutreffend in der gesamten Musikfangemeinde und nirgendwo war dies eindeutiger als auf Social Media, wo Künstler Wege gefunden hatten, jenen Teil der traditionellen Branche zu umgehen, der schließen musste. Die Pandemie und ihre Folgen sorgten für Selbstreflexion und Umgestaltung in der Musikbranche, indem nicht nur Lücken in der Art und Weise erkannt wurden, wie neue Musiker aufgespürt und gefördert werden, sondern es entstanden auch Chancen für eine neuer Art von Künstler, insbesondere junge Musiker, die schon früh angefangen haben, sich selbst und ihre Musik auf Social Media mit der Welt zu teilen. Anstatt die Kreation neuer Musik einzuschränken, diente die Pandemie in vielerlei Hinsicht als Antrieb für aufstrebende Künstler, die in der Lage waren, von der Verlagerung in die digitale Domäne zu profitieren.

Musik wird geselliger

Das Ethos des selbstgemachten Livestreaming hat dieses Jahr die gesamte Welt erobert und für viele Künstler stellte es mehr als nur eine Notlösung für das Problem der geschlossenen Veranstaltungsorte dar, es bot vielmehr einen weiteren Zugang in die Branche für jene, die noch nicht die Aufmerksamkeit der Plattenlabels gewonnen hatten.

Für Pop-Singer/Songwriterin Emma McGann stellte der Livestreaming-Boom auf Social Media eine Bestätigung ihres Werks dar, woraufhin sie es an die Spitze der erfolgreichsten Livestreamer schaffte (in der Seitenleiste „Livestreaming wie die Profis“ zu dieser Story erfahren Sie mehr darüber, wie Emma dies anstellt). Für andere stellte dies eine Möglichkeit dar, engagierte Fans und Anhänger auf Social Media zu gewinnen, was für die meisten Musiker einfach nicht möglich war. Und während Musiker jeder Art, Altersgruppe und Genre diesen Wandel mitmachten und anfingen, Livestreams zu machen, waren es die jüngeren, aufstrebenden Künstler, die den Ansturm auf Social Media anführten.

Die konkreten Formen dieser Livestreams sind so variabel wie die Musiker selbst. Manche setzten auf eine Art virtuellen Open-Mic-Abend, mit ein- bis zweistündigen Streams auf YouTube oder Twitch, dem beliebten Streaming-Dienst für Videospiele. Andere wählten einen Ansatz, der eher einem Gespräch ähnelte, insbesondere auf Plattformen wie Instagram und TikTok, die es dem Performer erleichtern, während der Aufführung in Echtzeit Kommentare vom Publikum zu erhalten und direkt auf Wünsche oder Fragen der Fans zu antworten. Einige Musiker stellten ihre Improvisationskünste zur Schau, indem sie schnell aufeinander folgende Songwünsche vom Publikum umsetzten; andere schafften eine kollaborative Umgebung mit dem Publikum, in der Ideen für neue Songs und Liedtexte gemeinsam mit den Fans komponiert und verfeinert wurden. Überall im Internet wandten sich sowohl Newcomer als auch Musikveterane Social Media zu, um ihre Musikkarriere auch während der Pandemie fortsetzen zu können, wobei es manche sogar zu Stars machte, weit über TikTok und Instagram hinaus.

Aber Musik hat auf Social Media seit Beginn der Pandemie Formen angenommen und Menschen in einer Art und Weise zusammengebracht, die noch vor einem Jahr niemand hätte vorhersagen können. In einer Nische von TikTok haben sich Millionen von Menschen für Sänger und Musiker begeistert, die Matrosenlieder interpretierten, woraus ein anhaltender Trend entstand, der es manchen der Beteiligten ermöglichte, eine Karriere in der Musik zu starten. An einer anderen Stelle haben sich Musikbegeisterte zusammengetan, um eine vollständig online aufgeführte Musical-Version des beliebten Films von Pixar Ratatouille zu schaffen. Egal für welches Endprodukt auch immer, haben es die Leute geschafft, weiterhin auch ohne Proben und Studioaufnahmen Musik zu machen. Überall auf Social Media konnte man Anzeichen für die Fähigkeit der Musik erkennen, Menschen unter allen denkbaren Umständen zu verbinden und zu inspirieren.

Livestreaming wie die Profis

Normalerweise hätte Emma McGann das Jahr 2020 damit verbracht, auf Tournee die Vereinigten Staaten zu durchreisen und Live-Aufführungen an überfüllten Veranstaltungsorten zu geben, in deren Anschluss Fan-Artikel in der Menschenmenge verkauft würden. Die in Großbritannien ansässige Singer/Songwriterin sollte ihre Tournee im April starten – ein Plan, den sie schnell aufgeben musste, aufgrund der Lockdowns in den USA und dem Rest der Welt im März letzten Jahres.

McGann ist glücklicherweise an alternative Möglichkeiten gewöhnt, Musik zu machen und zu verbreiten: Seit Jahren veranstaltet sie Livestream-Shows von ihrem Zuhause nördlich von London aus. Als die Pandemie einschlug und die Veranstaltungsorte schließen mussten, hatte McGann bessere Aussichten als die meisten anderen, zu einem Zeitpunkt, an dem das gesamte Musikgeschäft innerhalb weniger Wochen auf Social Media überwechseln musste, weil sie der Zeit voraus war.

McGann hat sich einen optimal auf ihre Livestreams abgestimmten Musikraum eingerichtet, ein spezielles Aufnahmestudio mit tropischer Kulisse und lebendigen Leuchtfarben, dessen Retro-Neon-Look zu ihrem heterochromen Haar passt. Der Raum hat eine sehr ausgeprägte Ästhetik, die ein Schlüsselelement für erfolgreiche Livestreaming-Szenarios darstellt: Wiedererkennungswert. Wenn Sie auf einen von McGanns Instagram-Posts oder Videos auf TikTok stoßen, wissen Sie sofort, dass diese von ihr sind – die schillernden Lichter und der grüne Hintergrund erlauben das sofortige Erkennen. Das ist natürlich nur eines der Elemente des musikalisch idyllischen Raums, den sie geschaffen hat, denn dieser ist auch mit Kameras, entsprechender Aufnahmeausrüstung sowie ihrer digitalen Audio-Workstation (DAW) und der für die jeweilige Performance gewählten Gitarre – oft eine Taylor – ausgestattet.

Weil sich so viele Musiker an Livestreaming auf Social Media versuchen, haben wir McGann darum gebeten, einen Leitfaden für Newcomer in Sachen Streaming zu erstellen, der die Grundlagen der Performance von Musik, dem Filmen der Videos und der Interaktion mit den Fans in einem Online-Kontext erläutert. Schauen Sie sich das Video an und lernen Sie, wie eine erfahrene Profi-Musikerin ihr perfektes musikalisches Ökosystem geschaffen hat.

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Taylors Beitrag während der Pandemie

Für uns hier bei Taylor stammt unser Wunsch, Musik zu machen, von unserem Erbe als Gitarrenbauer, unseren Beziehungen zu der breiten Musikgemeinde und der simplen Hoffnung, dass unser Schaffen in unserer Nische der Musikbranche auf irgendeine kleine Art und Weise den Menschen dabei helfen könnte, diese schwierige Zeit zu bewältigen. Während wir also uns weiter für das engagierten, was wir am besten machen, haben wir uns auch an unsere Künstlerfreunde gewandt, unsere Autorenfreunde angerufen und schließlich Musik aufgenommen. Das Ergebnis war ein von Keith Goodwin geschriebener und von Gabriel O’Brien aufgenommener Original-Song mit dem Titel „I Know What Love Is (Because of You)“.

Ursprünglich von Goodwin zum Gedenken an seine Großmutter geschrieben, die während der COVID-Krise verstarb, hat sich der Frontman von Good Old War mit Jay Parkin von Taylor zusammengetan, um den Entwurf des Songs in eine vollwertige Single zu verwandeln. Nachdem der Song fertig war und sie mehrere Tracks aufgenommen hatten, bekamen die beiden nun Lust auf mehr.

Jetzt wo sie einen Song fertig hatten, wandten sich Goodwin und Parkin an Künstler aus der ganzen Welt – Musiker mit Taylor Gitarren, Sänger, Songwriter und Toningenieure – um nach Mitwirkenden für den Song zu suchen. Manche fügten neue Parts auf der Gitarre, Keyboard oder Bass hinzu, während andere mit ihrer Stimme Strophen und Backing Vocals beisteuerten. Am Ende hatten sich 50 Künstler dem Projekt angeschlossen, darunter Zac Brown, KT Tunstall, Jason Mraz und viele andere, und schickten Hunderte von Tracks – ein Puzzle, das Toningenieur Gabriel O’Brien, der häufig mit Taylor zusammenarbeitet und als Multitalent für Aufnahmen aller Art bekannt ist, schließlich zusammensetzte. Nach einer heldenhaften Anstrengung von O’Brien war der Song schließlich als Single mit begleitendem Video fertig.

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Mehr als 50 Künstler aus der ganzen Welt haben zu „I Know What Love Is“ beigetragen, ein Projekt, mit dem weiterhin Spenden für die MusiCares-Stiftung gewonnen werden.

Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung dieses Artikels hatte „I Know What Love Is“ auf Spotify bereits 1 Million Streams überschritten, hinzu kamen über hunderttausend Plays auf anderen Diensten. Der Song wurde auch von Radiosendern überall in den USA aufgegriffen und in Magazinen vorgestellt, darunter die American Songwriter.

Darüber hinaus konnten anhand des Songs Tausende von Dollar für MusiCares gesammelt werden, eine Organisation der GRAMMY-Stiftung, die Menschen, die in der Musikbranche ihren Lebensunterhalt verdienen, sowie deren Familien, in Krisenlagen unter die Arme greift. MusiCares hat sich als wichtige Hilfsorganisation für Fachkräfte der Musikbranche erwiesen, insbesondere jene Menschen, deren Arbeit „hinter den Kulissen“ eines Veranstaltungsorts, einer Tournee oder eines Studios überhaupt erst das Aufnehmen und Aufführen von Musik ermöglicht. Diese Organisation hat eine breitgefächerte Mission, die praktisch alles abdeckt, von Grundbedürfnissen oder Unterstützung für die Wohnungsmiete, bis hin zu psychischer Gesundheitsfürsorge und Suchtberatung. Das war einer der Gründe, sagt Keith Goodwin, warum er sich so leidenschaftlich dafür einsetzte, diesen Song zu schreiben und sicherzustellen, dass dieser das Publikum erreichte: MusiCares hat sich für ihn und die Menschen, die ihm nahestehen, als sehr wichtig erwiesen.

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Schauen Sie sich Keith Goodwin an, wie er eine vereinfachte Version von „I Know What Love Is“ interpretiert.

„MusiCares hat einigen meiner besten Freunde praktisch das Leben gerettet“, erklärt Goodwin, „indem die Organisation sie dabei unterstützt hat, die Reha zu überstehen. Ich möchte daher MusiCares unterstützen, wann immer ich kann.“

Für andere, die am Projekt beteiligt waren, wie der Star-Produzent Will Yip, bestand die Motivation dahinter, der weit ausgedehnten Musikgemeinde unter die Arme zu greifen, auch darin, die Musik während dieser schwierigen Zeit am Leben zu erhalten.

„Diese Musiker, Techniker und Ingenieure sind auf unsere Hilfe angewiesen“, fügt Yip hinzu, „weil die Welt auf sie angewiesen ist. Die Welt braucht ihre Fähigkeiten. Ich könnte nicht dankbarer dafür sein, dass so eine Organisation existiert.“

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Al Bettis und seine Band spielen „I Know What Love Is“.

Wir haben uns kürzlich mit Keith Goodwin und einigen anderen Künstlern unterhalten, die an diesem Song beteiligt waren. Sie teilten mit uns vereinfachte Versionen von „I Know What Love Is“. Die Tatsache, dass diese Solo-Interpretationen eines Songs, an dem ursprünglich so viele verschiedene Musiker beteiligt waren, die bewegende Botschaft des Songs nicht nur erhalten sondern sogar verstärken können, ist ein Beweis sowohl für Goodwins Fähigkeiten als Komponist als auch für die Kraft der Musik, uns gefühlsmäßig mit einer größeren Welt zu verbinden.

Niemand kann die weltweiten Auswirkungen der Pandemie auf die Musikbranche leugnen. Das vergangene Jahr war daher für manche Menschen ein einziger Kampf ums Überleben. Außergewöhnliche Umstände führen aber auch oft zu unvorhersehbaren Ergebnissen, was genau für die Musik gilt, indem nicht nur weiterhin Musik gemacht wurde, sondern teilweise sogar mehr als zuvor. Vom Livestreaming-Boom über die rasch fortschreitende Eroberung der Social Media bis hin zu inspirierender Solidarität innerhalb der Branche selbst, kann man am Ende sagen, dass die Musik immer ihren Weg findet.

Immer langsam

Natürlich konnte ich Bach nur deshalb einigermaßen passabel spielen, weil ich jahrelang geübt hat (auch wenn nicht auszuschließen ist, dass ich damit einfach nur meine bessere Hälfte beeindrucken wollte). Und deshalb, weil ich die Tabulatur hatte. So wurde die Gewohnheit des Spielens, Übens, Spielens, Übens (oder auch des Übens, Spielens…) zu einem zentralen Bestandteil meiner Existenz und ist es bis heute. Keine Frage, das gilt für viele von Ihnen. Dennoch fällt vielen Gitarristen die Entscheidung schwer, was und wie sie am besten üben sollten, selbst wenn sie genug Zeit haben und motiviert sind. Es gibt zwar viele Antworten auf diese Fragen, aber es gibt eine konkreten Grundsatz für jeden Musiker, der seine Übungseinheiten effizienter gestalten will: Lass es langsam angehen!

Ich weiß gar nicht, wie oft Gitarrenschüler mir gegenüber schon zugeben mussten: „Ich spiele dieses Stück seit Jahren, aber an dieser einen Stelle verspiele ich mich immer.“ Und diese Stellen reichen von einer verzwickten Fingerstilkombination über ein schnelles Wechselspiel bis hin zu einem scheinbar unerreichbaren Griff über sieben Bünde oder einem schlecht ausgeführten h-Moll-Akkord.

Ich habe die Erfahrung gemacht, dass es bei diesen scheinbar unüberwindbaren Hürden oft Wunder wirkt, wenn man einfach das Tempo herausnimmt. Dafür müssen Sie aber wirklich quälend langsam spielen, viel langsamer, als Sie es von Natur aus tun würden. Wenn das Spieltempo 120 Schläge pro Minute beträgt – also ein Metronom, das auf 120 mit einer Viertelnote pro Schlag eingestellt ist – dann sollten Sie mit höchstens 30 Schlägen pro Minute üben, viermal langsamer als das Stück. Das wird eine regelrechte Qual! Tatsächlich sind 30 bpm auf dem Metronom quasi unmöglich, sodass ich vorschlagen würde, es auf 60 bpm zu stellen und auf je zwei Schläge eine Viertelnote zu spielen (das ist dasselbe wie Viertelnoten bei 30 bpm, fühlt sich aber aufgrund der häufigeren Schläge schneller an). Was die meisten Spieler dabei feststellen: Nicht die Aneinanderreihung der Noten ist das Schwierige, sondern das Spielen der Noten im richtigen Tempo. Dennoch sind viele Gitarristen nicht bereit, bestimmte Passagen langsamer zu spielen, und geben sich der Illusion hin, sie müssten das Stück durchgehend im gleichen Tempo üben. Nein. Großartige Spieler üben nicht so. Das Spieltempo sollte konsistent sein, aber das Übungstempo variiert. Jede einzelne Phrase erfordert ein eigenes Übungstempo.

Sobald Sie eine Phrase, die Ihnen zuvor Probleme bereitete, mit 30 Schlägen pro Minuten spielen können, werden Sie merken, dass Sie auf einmal Musik spielen können! Als nächstes erhöhen Sie bloß Ihr Tempo, jeweils um zwei Metronomschläge. Genau, von 30 auf 32 Schläge pro Minute, was zwar mühsam ist, aber dennoch Ergebnisse bringt. Halten Sie diesen Ansatz – der Monate dauern kann, mit zwei bis vier Metronomschlägen pro Tag (das klingt vielleicht lange, aber ich kenne Spieler, die solche Phrasen seit Jahren planlos üben und es nie schaffen) – durch, bis Sie Ihr eigenes Spieltempo gefunden haben.

Da liegt der Hund begraben: Es kann sein, dass Sie den Part nie im ursprünglichen Tempo spielen können. So läuft es nun einmal. Einige Spieler sind einfach schneller als andere, so wie manche Athleten schneller, größer, stärker usw. sind. Das bedeutet allerdings nicht, dass sie „besser“ sind. Also: Finden Sie Ihr eigenes Spieltempo und setzen Sie dann Ihre eigenen Akzente. Denken Sie daran: Sound, Klang, Stil, Anschlag, Struktur usw. sind bei jedem anders. Wenn Sie diese Eigenschaften betonen, verspreche ich Ihnen, dass niemand sich jemals über Ihr Tempo beschweren wird. 

Auf die Gefahr der Verallgemeinerung hin: Wenn neue Techniken und Lieder für langjährige Spieler – selbst nach Jahren unnatürlich harter Arbeit – allmählich selbstverständlich werden, sind dieselben Spieler meistens viel zu ungeduldig, um lästige neue Phrasen langsamer zu spielen (von alten ganz zu schweigen), und beschweren sich lieber, dass die ungewohnten Noten zu mühsam sind. Daraus folgt, dass sie selten über eine bestimmte Schwelle hinauskommen. Daran sieht man, dass nicht nur Können einen guten Spieler ausmacht, sondern auch Geduld. Anfänger sollten sich diese Lektion zu Herzen nehmen und sich von Anfang an angewöhnen, beim Üben langsam und bedacht vorzugehen.

Machen Sie ein Video (Posten Sie bloß nicht!)

Ein wertvoller Tipp, den ich meinen Schülern mitgebe: Spielt so viel wie möglich gemeinsam mit anderen Musikern. Aus einer Vielzahl von Gründen kann das Jammen mit einem anderen Musiker Ihr Spiel dramatisch verbessern. Leider haben Musiker heute, in Zeiten des „Social Distancing“, weniger Möglichkeiten des Zusammenseins als je zuvor. Daher schlage ich, wenn nicht einen gleichwertigen Ersatz, so doch ein gutes Hilfsmittel vor (das Sie auch nach der Coronakrise weiternutzen sollten).

Nehmen Sie sich beim Üben auf Video auf und sehen Sie sich die Aufnahmen gleich danach an! Seien Sie selbstkritisch. Wenn Sie sich selbst zusehen, achten Sie darauf, was funktioniert und was nicht. Wenn es funktioniert, ändern Sie nichts, auch wenn Ihre Technik auf Sie etwas unbeholfen wirkt. Solange es gut klingt, ist es gut. Ich halte nichts von dem Dogma, dass es nur eine perfekte Spieltechnik gibt. Ob es bei Ihnen funktioniert – oder bei Hendrix mit dem Daumen über dem Hals, oder bei Jeff Healy mit einer flach liegenden Gitarre, oder bei Django mit drei Fingern – darauf kommt es an. Nur dann, wenn Schüler Schmerzen haben oder keine Fortschritte machen, schlage ich ihm oder ihr eine andere Technik vor.

Hoffentlich werden Sie in Ihrem Video sofort sehen und hören, ob es funktioniert oder nicht. Wenn nicht, probieren Sie Alternativen aus. Nehmen Sie sich die Zeit, online nach verschiedenen Varianten zu suchen. (Obwohl es zahllose Videolektionen in unterschiedlicher Qualität gibt, habe ich festgestellt, dass man doch am besten mit den beliebtesten Lektionen beginnen sollte.) Binden Sie diese Recherche in Ihre Übungseinheiten ein. Zehn bis 20 Minuten suchen nach den Lektionen, die am besten zu Ihnen passen, kann Ihnen das Leben als Musiker schon viel angenehmer machen! Lassen Sie dann die Früchte dieser Arbeit in Ihr Spiel einfließen und machen Sie noch ein Video. Im Ernst: Filmen Sie sich eine Woche bis einen Monat lang beim Üben, sehen Sie sich hinterher die Aufnahmen an und achten Sie darauf, ob sich Ihr Spiel dadurch verbessert. Es war Sokrates, der schrieb: „Das ungeprüfte Leben ist nicht lebenswert.“ Ich würde das Zitat so abändern: „Die ungeprüfte Performance ist nicht hörenswert.“ 

Aber denken Sie daran: Diese Videos dienen dazu, Ihr Ziel zu erreichen, und nicht, das Ziel zu dokumentieren. Stellen Sie diese Übungsvideos also nicht ins Internet, sie sind nur für Ihre Augen und Ohren bestimmt.

Fazit

Ich muss Sie warnen, dass – selbst wenn Sie meine Vorschläge auch tatsächlich umsetzen – Ihr Leben als Gitarrist wahrscheinlich immer noch unwegsam sein wird. Damit muss man rechnen. Das Spielen und Erlernen von Musik ist ein ewiges Streben. Es wird gute und schlechte Tage geben – wahrscheinlich mehr schlechte als gute, solange Sie sich ständig verbessern möchten. Obwohl ironischerweise ein gemeisterter schlechter Tag manchmal befriedigender sein kann als ein nicht wertgeschätzter guter Tag. Wie ich zu Beginn bereits sagte, hoffe ich, dass Sie in dieser schwierigen Zeit ein Gleichgewicht zwischen Spaß und Arbeit finden. Historiker werden mit gemischten Gefühlen auf diese Zeit zurückblicken, und es besteht kein Zweifel, dass Musik und Kunst eine Rolle bei der Linderung der Not gespielt haben. Zum Glück wird es Musik noch geben, wenn es wieder bergauf geht.